天天向上:电影速成读本 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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约翰·劳顿，亚当·史密斯 著，李文等 译

图书标签:

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• 速成
• 天天向上

出版社： 生活.读书.新知三联书店

ISBN：9787807680260

版次：1

商品编码：11920215

包装：精装

丛书名： 速成读本

开本：32开

出版时间：2014-04-01

用纸：铜版纸

页数：144

字数：177000

正文语种：中文

编辑推荐

• 如果认为电影只有好莱坞，那不妨看看这本书。

• 畅销十余年，一部让你“天天向上”的品质生活速成读本。

• 建筑、设计、时装、爵士乐、文学、电影、音乐、歌剧、摄影、文艺复兴艺术等十个艺术领域，一本书读懂一个，艺术修养LEVEL UP！

• 精选内容、清晰讲解、雅致版面、便携设计，自存赠友佳品。

• 奠基艺术领域常识与扩展视野的上佳之选，同时满足扩充知识与寻求精进的阅读需求。

海报：

内容简介

“天天向上：品质生活速成读本”是三联生活书店推出的一套畅销十余年的知识读本，丛书包含电影、音乐、歌剧、时装、设计、艺术、文艺复兴等内容，一本书一个主题，用简练的图文介绍了一个艺术领域的历史和知识，是学生丰富知识，年轻人提高艺术修养的速成读本。阅读本书，让自己的生活天天向上！

　　电影相比其他艺术门类，历史不算久远。基于人类自身基因对于光影和故事的迷恋，这一领域的艺术作品自诞生以来就呈现爆炸式增长。不管近年来你是不是电影院里的常客，如果比拼电影谈资，还是恶补一下为妙，明智的办法就是——翻一翻本书吧！按图索骥，循书观影不失为一大乐事！

　　特别呈现

　　遨游影史瀚海，梳理影片门类

　　揭密巨片产生内幕与导演真相

　　世界各大电影节指南

　　影界术语、行话集锦

作者简介

　　约翰·劳顿（John Naughton），《大都会杂志》影评家，电影刊物GQ的责任编辑。同时也是一位影迷，对施莱辛格的英国巨片《说谎者比利》几近痴迷。亚当?斯密，定期为一些电影刊物撰稿，也是《帝国杂志》的高级编辑。
　　亚当·史密斯（Adam Smith），定期为一些电影刊物撰稿，也是《帝国杂志》的高级编辑。

内页插图

目录

概述
影像和幻象 /电影的史前资料
开演了 /早期电影
D?W?格里菲斯 /现代电影之父
好莱坞万岁 /托拉斯之战
粗俗滑稽剧 /默片中的小丑
手拿喊话筒的绝对权威 /导演
演员崭露头角 /群星荟萃
蒙太奇和政治宣传 /苏联影片
阴影和街道 /德国电影
银幕上第一首歌曲 /有声影片
电影制片厂 /主要的几家
电影制片厂 /规模较小的几家
你这下流的鼠辈 /警匪武打片
脸贴脸 /歌舞片
明争与暗喻 /对白谐趣的喜剧
一分钟说两千字 /快节奏的幽默剧
何必强求？ /妇女影片
家在农场 /西部片
冒险经历片 /早期动作片中的英雄
好莱坞的恐怖片 /吸血鬼、妖魔、大猩猩
老鼠王国 /动画的出现
故事连载与犯罪大王 /多集片与连续剧
谋杀片与“麦高芬” /悬疑高手
想入非非 /30年代的英国电影
巨细无遗 /谈谈纪录片
印象与衰退 /法兰西诗式现实主义
听一听、看一看、学一学 /宣传与战争
生活中的一个片断 /新写实主义
女人，女人！ /黑色电影
梦醒以后 /困境中的好莱坞
大一点就好一点吗？ /小窍门小点子
乱中仍有序 /装出一副情绪化的样子
史诗般的电影 /名演员，大本钱
城里欢声阵阵 /精彩的电影镜头赢来不断的掌声
过来，我的宝贝 /浪漫喜剧片
两次广告及汽车电影院 /广告宣传性电影
顽强不屈 /英国战时电影
太阳升起来了 /日本电影
深刻的反映与世俗的描写 /伯格曼和布努艾尔
宝莱坞及其他 /印度电影
哥特式影片 /咸马恐怖片制片公司
新抽象派 /战后的法国电影
意大利的电影 /诱骗与亵渎
现代生活及其他 /英国愤怒的年轻人
新德国电影 /法斯宾德，赫尔佐格和文德斯
政治抗议 /铁幕背后的电影
各国影业 /非洲、亚洲及南美洲
各国影业 /英语国家的电影
重游61号公路 /谈谈公路片
很难对付的人 /威尔斯和库布里克
滑稽片与喜剧片 /伍迪?艾伦和梅尔?布鲁克斯
新的好莱坞 /我的人会成为你的人
从忧国忧民到逃避现实 /奥特曼，波兰斯基和斯皮尔伯格
繁荣与破产 /好莱坞的重型武器
不拘细节的影人 /科波拉，斯科塞斯和德?帕尔马
青少年与恐怖片 /好斗者与大学学生
干一天像一天 /身怀绝技的人
下辈子见，伙计 /事件电影
独立经营的电影 /美国的一些新导演
打破惯例 /谁说导演都是白人？
即将来临的新事物 /未来的电影技术
榜上有名
电影导演简介
电影节日表
最出色的20名排行榜
电影术语名词
索引
照片来源和鸣谢

精彩书摘

　　公元前360年～1895年

　　影像和幻象

　　电影的史前资料

　　没人想到柏拉图是世界上第一位电影评论家，但他在《理想国》内对“洞穴中的影像”的描述实际上就是活动图片现象的最早参考资料。古埃及人也对这种“活动画片”深感兴趣，而中古时代中国及阿拉伯的哲人不仅对之同样感兴趣，更着手研究光源和镜片的关系，他们的研究成果有助于14~16世纪欧洲文艺复兴时代，摄影暗箱及针孔照相机的发明。

　　科学技术对电影的摄制来说，一向至关重要。实际上，在7种艺术形式中，电影是唯一彻头彻尾依赖科技的一种。就连8世纪爪哇的皮影戏也须利用光源，才能让服饰华丽的皮偶演出有关帝王、巫师、鬼怪的史诗剧。在18世纪启蒙运动期间，这种皮影戏传入欧洲，直到1890年，在巴黎的沙乐大戏院仍吸引大批观众。类似的情况是，17世纪中叶，一位名叫阿达纳斯?克尔的天主教耶稣会神父兼科学家就提出用幻灯把手绘的图像投影在布幕上的设想。在之后的两百年里，无数的幻灯师遍游整个欧洲，让贵族与平民都能同样大饱眼福。不久，一些技术高超的艺人开始利用器械投射幻灯片，这就使图像活动起来，还有人用复合灯源，使图像交搭重叠。最具独创性的表演是罗伯逊的恐怖剧《幻觉效应》，这是一部以法国大革命期间一座废弃墓场为背景的鬼戏。

　　与此同时，一些新奇商品也颇受人们欢迎。比如罗伯特?巴克的全景照片和路易斯?达其利的透视缩影，都能借助千变万化的光线，把诸多名画栩栩如生地展现在人们眼前。

　　到1830年，由于市面上已出售“幻影转盘”“转盘活动影像镜”“走马画筒”之类的玩具，有些儿童（至少是那些娇生惯养的孩子）对活动画片已不再陌生，但他们当然不懂什么是视觉的持久性，其实当时成年人又有几人能懂？人类大脑为什么会把一串快速移动的一个个静物变成持续延伸的整体图像，关于这个问题，直到近代，科学家们还都各持己见，争论不休。

　　若想搞电影，用不着研究科学，下面例子为证。一位名叫弗朗兹?凡?犹沙蒂斯的奥地利男爵于1853年就已拍出最早的移动影片，但使这种娱乐性质的影片成为一种艺术形式的人是埃米尔?雷纳德，他于1892年用内装一排排镜片的旋转滚筒制作出第一批动作鲜活的影片，这种在“灯光照明下的哑剧”每上映15分钟就需要数百幅手绘彩图。不久，由于伊德沃德?慕布里奇和艾蒂尼?朱利?马莱二人试验成功，令一切更为出色。

　　1895年～1914年

　　开演了

　　早期电影

　　1895年12月28日，圣诞节刚过，虽然人们手头拮据，但仍有35名巴黎人掏出1法郎，去见识一下由机械摇出来的新奇玩意儿——也就是发明者卢米埃尔兄弟（Lumière）所说的“电影图戏”。在一间时髦咖啡屋的酒吧内，这35人刚一就座，台前布幕上就出现一个颤颤巍巍的人影，忽隐忽现地活动起来了，同时，在卢米埃尔兄弟影像制片厂的大门口，工人仍在进进出出。不一会儿，一辆火车迎面驶来，观众不约而同低下头躲闪——这是一种直到现在仍然存在的、不可思议的奇怪反应：人们居然认为活动着的各种图像都近在身边。这种活动画片当然只是娱乐，称不得艺术，但这时电影已经诞生了。

　　摄影机的发明不能归功于某一个人，因为很多人做过这方面的探索工作。有些人，如奥古斯丁?勒?普朗斯（1842年~约1890年），和威廉?弗里斯?格里恩（1855~1921），尽管呼声很高，但并未拍出影片。其他人如纽约的拉泰姆夫妇和柏林的斯克拉达诺夫斯基兄弟于1895年12月前就曾成功地展示过他们的摄影机。但真正广为流传的是使奥古斯特和路易?卢米埃尔兄弟一夜之间闻名于世的电影图像拍摄机。

　　花钱买票的观众不久就厌倦了冗长的街头场景、花园里浇水人的笑话和杂耍歌舞表演，他们希望看到内容新颖的影片。满足观众需要的是一位参加过卢米埃尔兄弟那部片子首映式的乔治?梅里爱（1861~1938）。他在1896至1914年间，曾用自己的丰富想象力创作了数百部作品，其中每个场景都具备简单的内容情节。作为特技摄影技术和恐怖影片、古装影片的先驱，他那部科幻经典故事片《月球旅行记》（A Trip to the Moon, 1902）曾赢得国际好评。

　　然而梅里爱拍摄场景用的只是一部长焦距固定摄影机。实际上在1900年以前，在银幕上展现故事情节的更为复杂巧妙的手法已开始演化。初露锋芒的是布赖顿学派（Brighton School）的制片人史密斯（1864~1959）和詹姆斯?威廉逊（1855~1933）。他们首创采用特技摄影、移动摄影机法和交叉剪辑法。在埃德温?波特导演的经典西部片《火车大劫案》中，这些技巧发挥得淋漓尽致。四年后， 波特（1869~1941）原可以对电影事业作出更大的贡献，可惜他雇用了一位名叫格里菲斯（D. W. Griffith）的蹩脚演员。

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前言/序言

　　概述　　电影院大概没人没去过，就连最不爱出门、整天赖在沙发上看电视的人也难免被某部电影——即使十年才出的一部——拉出家门去光顾一次电影院。此外，谁能忘记自己看过的第一部影片呢？而其他任何艺术形式，不论哪一种，恐怕都不能叫人如此难以忘怀。不信你说说看。　　想赏识一部好电影，当然用不着先去研究电影史，但如果你在这方面有常识，哪怕是重量级大制作，你也能理解得通通透透，看得开开心心。　　本书向读者提供全世界电影圈内所有大人物和大事的资料，像是一沓从报刊上剪辑下来的纸片，能使读者感受到历代影片的魅力——从苏联导演爱森斯坦的《战舰波将金号》到詹姆斯?卡梅隆的《泰坦尼克号》；或从《科学怪人》到80年代的恐怖片《猛鬼街》的弗雷迪。　　更重要的是，本书作者不想让“阅读有关电影的书籍”这件事带有任何神秘色彩，虽然近年来电影界像其他演艺圈一样，流行太多的浮夸之词和莫测高深的行话隐语，但在本书内，读者不会见到类似的陈词滥调，因为本书作者只想对这种蒙世人喜爱的艺术形式谈一谈自己的看法和想法，尽管有时可能有些偏执，或更多时候不太客气，但这些话都是热诚而真实的。　　希望咱们常在电影院里见……　　亚当·史密斯

《光影铸魂：电影艺术的深度解构与实践指南》 内容提要： 本书是一部全面、深入、兼具理论高度与实操价值的电影艺术专著。它摒弃了对单一电影流派或技术层面的浅尝辄止，而是致力于构建一个宏大而精密的电影语言知识体系。全书分为四大核心板块：“电影本体论：视觉叙事的哲学基础”、“光影的语法：技术、美学与情感的交织”、“叙事结构与类型研究：从经典到前沿”以及“未来之声：数字时代电影的边界拓展”。作者以严谨的学术态度和敏锐的艺术洞察力，剖析了电影作为一种综合艺术形式的复杂性、多义性与不断演进的生命力。 --- 第一部：电影本体论——视觉叙事的哲学基础 本部分旨在探究电影的本质，追溯其诞生之初便携带的形而上学意图。我们不再将电影仅仅视为娱乐的载体，而是将其置于人类感知与表达的宏大哲学背景下进行审视。 1. 电影本体的追溯：从卢米埃尔的“记录”到爱森斯坦的“蒙太奇” 详细梳理了电影从记录现实的早期阶段，如何逐步演化为构建替代性现实的工具。重点分析了爱森斯坦（Sergei Eisenstein）的“吸引式蒙太奇”理论，将其视为电影逻辑诞生的关键节点。讨论了蒙太奇不仅是剪辑手法，更是思维方式的体现，它如何通过并置和冲突，创造出超越单个镜头含义的新意义——即“第三种意义”。这一章节深入探讨了苏俄学派如何将马克思主义哲学融入视觉构建，探讨了“辩证法”在银幕上投射的具体方式。 2. 观看的机制：感知心理学与银幕体验 本章聚焦于观众的接受过程。我们借鉴了梅洛-庞蒂的现象学思想，分析“在场感”（Presence）是如何被构建的。探讨了“凝视”（The Gaze）的概念，不仅包括男性凝视（Male Gaze），更拓宽到作者凝视（Authorial Gaze）和技术凝视（Technological Gaze）。分析了景深、焦距选择如何影响观众对场景中权力关系和信息优先级的判断。通过对人眼运动和视觉残留的神经科学研究，解释了为什么某些镜头长度和运动轨迹能引发特定的生理和情感反应。 3. 时间与空间在银幕上的重塑 电影对时间和空间的操控是其区别于其他艺术形式的核心。本章深入解析了“银幕时间”的构建。分析了“慢镜头”如何放大瞬间的意义，而“快切”如何压缩宏大的历史进程。在空间维度上，探讨了“限制性空间”（如密室电影）与“开放性空间”（如广袤的西部片）如何各自服务于不同的叙事主题。特别提出“非欧几何”在某些实验电影中对传统空间感知的颠覆性尝试。 --- 第二部：光影的语法——技术、美学与情感的交织 本部分侧重于电影制作的“技艺”层面，但绝非停留在操作指南，而是将其视为一种创造性语言的表达工具。光影、色彩、声音，都是承载导演意图的“词汇”。 1. 灯光的雕塑艺术：从自然光到高对比度 本章将灯光视为造型的首要元素。详尽分析了三点布光法（Key, Fill, Back Light）的经典结构，并进一步探讨了其在不同类型片中的变异。例如，黑色电影（Film Noir）中，低调照明（Low-Key Lighting）如何制造心理阴影与道德模糊性；而古典好莱坞的“柔光”如何服务于对理想化人物的塑造。探讨了色彩温度（色温）与色彩饱和度如何潜移默化地影响观众的情绪基调，如冷色调暗示疏离，暖色调暗示亲密或危险。 2. 摄影机的运动语言：视角的构建与角色的主观性 讨论了摄影机运动并非随机选择，而是叙事意图的延伸。从稳定的固定镜头（Static Shot）所表达的客观审视，到手持摄影（Handheld）所带来的即时感与不安感。深入剖析了斯坦尼康（Steadicam）如何实现流畅的长镜头，从而在不打破叙事连续性的前提下，引导观众完成复杂的空间探索。重点分析了“跟拍”（Tracking Shot）和“环绕镜头”（Orbit Shot）在揭示人物心理状态上的微妙差异。 3. 声音景观的设计：叙事中的听觉建筑 将声音分为对白、音乐和音效三大要素，探讨它们之间如何协同或对抗以服务于叙事。分析了“画内音”（Diegetic Sound）与“画外音”（Non-Diegetic Sound）的灵活切换，以及何时使用“主观音效”（Point-of-View Sound）来模拟角色的听觉体验。详细研究了配乐如何预示情节转折、强化人物动机，并讨论了沉默（Silence）作为一种极具冲击力的声音元素，在关键时刻的运用策略。 --- 第三部：叙事结构与类型研究——从经典到前沿 本部分将理论应用于实践，通过对电影类型的解构与重构，展示叙事模式的持久魅力与创新潜力。 1. 经典三幕剧的解构与再造 系统梳理了源自戏剧传统的“起承转合”结构，以及其在好莱坞剧本写作中的标准化应用（如“激励事件”、“中点转折”等）。然而，本书强调，理解规则的目的是为了更有效地打破规则。我们分析了非线性叙事（Non-linear Narrative）如何通过闪回、闪前、多重时间线等手法，挑战观众对因果关系的预设，例如在克里斯托弗·诺兰的作品中对时间逻辑的重新编排。 2. 类型的生命周期：原型与变异 选取几个核心电影类型（如西部片、黑色电影、科幻片、恐怖片）进行深度剖析。研究每种类型所依赖的“原型符号”（Archetypal Symbols）——例如西部片中的荒野与文明的冲突。随后，重点分析“类型杂糅”（Genre Blending）的现代趋势，探讨当黑色电影遇到科幻背景，或当歌舞片融入政治讽刺时，新的美学张力是如何产生的。 3. 角色弧光与主题的深度承载 角色是驱动叙事的核心引擎。本章超越简单的“好人”与“坏人”二元对立，探讨复杂角色的“内在冲突”与“转变弧线”。分析了“反英雄”（Anti-Hero）的崛起，以及这类角色如何通过自身的缺陷和道德困境，反映特定时代背景下的社会焦虑。同时，探讨了主题如何通过视觉符号和人物行动自然地渗透到叙事中，而非通过冗长的对白进行解释。 --- 第四部：未来之声——数字时代电影的边界拓展 最后一部分放眼当代与未来，探讨技术变革对电影创作带来的范式转移。 1. 从胶片到像素：数字影像的审美冲击 详细对比了胶片（Film）与数字（Digital）在纹理、动态范围和颗粒感上的本质差异。分析了数字技术如何降低了电影制作的门槛，导致了内容爆炸，同时也引发了关于“影像真实性”的新一轮哲学辩论。探讨了高帧率（HFR）技术对观众沉浸感的影响，以及其在某些艺术实践中被有意地“去魔幻化”的尝试。 2. 视觉特效（VFX）的叙事整合：隐形与显性 本书反对将VFX视为单纯的“奇观堆砌”。我们分析了两种主要的特效哲学：一是“隐形特效”（Invisible VFX），旨在服务于叙事和现实感的统一；二是“显性特效”（Overt VFX），旨在创造超乎想象的视觉体验，并探讨后者如何反作用于叙事，甚至成为叙事本身的核心驱动力。分析了动态捕捉（Motion Capture）技术如何模糊了演员表演与数字角色的界限。 3. 沉浸式体验与跨媒介叙事 探讨了虚拟现实（VR）、增强现实（AR）以及互动电影（Interactive Cinema）对传统线性叙事模式的挑战。分析了观众如何从被动的“观看者”转变为主动的“参与者”。最后，本书展望了电影作为一种艺术媒介，如何在不断的技术迭代中，保持其作为人类集体想象力载体的核心价值与永恒的艺术追求。 --- 本书适合对象： 电影专业学生、独立电影制作人、资深影迷，以及所有渴望深入理解光影背后复杂机制，并希望提升自身审美鉴赏能力的艺术爱好者。本书提供的不是快速通关的捷径，而是通往电影殿堂的系统性阶梯。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计得非常吸引人，那种鲜明的色彩搭配和充满活力的字体，一下子就把读者的注意力抓住了。我本以为它会是一本枯燥的理论指导书，没想到翻开第一页就被那种流畅的叙述方式所吸引。作者显然对电影制作的流程有着深刻的理解，但更难得的是，他能用极其通俗易懂的语言将复杂的概念阐释清楚。比如，在谈到场面调度时，他没有堆砌生僻的专业术语，而是通过一系列生动的电影片段作为案例分析，让我们清晰地看到了不同调度方式对叙事节奏和情感表达的影响。读起来完全没有压力，更像是在听一位经验丰富的导演朋友在娓娓道来他的心得体会。尤其欣赏它对“意图先行”这个观点的强调，时刻提醒读者，每一个镜头、每一个选择背后都必须有一个明确的服务于故事的核心目的。这对于很多初学者来说，是一个非常及时的警醒，避免了为了炫技而拍片的误区。这本书的结构安排也十分巧妙，逻辑层层递进，从宏观的剧本结构到微观的运镜技巧，都做了详尽的论述，让人感觉每读完一章，自己的知识体系就坚实了一分。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和视觉呈现也值得称赞。它没有采用那种密密麻麻的文字堆砌，而是大量运用了清晰的图示、流程图以及关键概念的醒目标注。这种设计极大地减轻了阅读疲劳，尤其是在讲解一些相对抽象的理论时，一张精准的示意图胜过千言万语的描述。例如，当它解释“三幕剧结构”的内在张力变化时，配上的那个动态变化曲线图，让我立刻就捕捉到了高潮和转折点需要达到的力度级别。另外，书中引用的案例选择非常具有代表性，既有耳熟能详的好莱坞大片，也有一些艺术性极强、注重细节把控的独立制作。这种跨度的引用，保证了读者在学习过程中不会陷入单一的风格定势。我特别喜欢作者在某些章节末尾设置的“自检清单”或“实践挑战”，它们不是强迫性的任务，而是提供了一个温和的引导，鼓励读者立即将学到的知识投入到自己的小项目中去尝试。

评分☆☆☆☆☆

我接触过不少声称是“速成”的教程，大多是浅尝辄止，或者过于偏重某一个技术环节，导致读者学完后依然觉得抓不住重点。然而，这本书的广度和深度都超出了我的预期。它真正做到了“速成”的精髓——不是让你成为大师，而是让你迅速建立起一个完整的、可操作的电影语言框架。最让我惊喜的是其中关于“声音设计”的部分。很多入门书籍往往将其一笔带过，认为那是后期制作的事情。但这本书却用很大篇幅论述了声音在前期设计和现场收音中需要考虑的要素，以及声音如何与画面共同构建沉浸感。作者强调的“沉默的力量”尤其发人深省，提醒我们在信息爆炸的时代，懂得何时“留白”比懂得如何“填充”更为重要。阅读过程中，我忍不住会停下来，回想自己看过的几部经典影片，尝试用书中的理论去解构它们，这种实践性的学习方式，极大地增强了我的理解和记忆。这本书更像是一本“思维模型”的搭建手册，教会你如何像一个电影人一样去观察和思考世界。

评分☆☆☆☆☆

这本书最宝贵的一点在于，它成功地打破了“技术壁垒”的神话。很多人认为电影制作是一门只有科班出身才能掌握的复杂技艺。但这本书以一种极其平等和鼓舞人心的方式告诉我们，核心的叙事技巧和影像表达规律是共通的，关键在于理解和应用。它的行文风格非常富有感染力，那种对电影艺术由衷的热爱贯穿始终，读起来让人热血沸腾，仿佛手中的笔或眼前的镜头都充满了无限的可能性。对于那些因为种种原因无法进入传统电影学院深造的人来说，这本书无疑是架设在他们与梦想之间的一座高效且坚固的桥梁。它不仅教会了“怎么做”，更重要的是，它激发了我们“为什么做”的内在动力，让我们开始思考自己想要通过影像传达的独特信息是什么。阅读体验是连续且沉浸的，常常不知不觉间就读到了深夜，那种知识被有效吸收和内化的满足感是无可替代的。

评分☆☆☆☆☆

老实说，作为一名长期在影视行业边缘摸索的爱好者，我最怕的就是那些只会夸夸其谈、缺乏实操经验的“导师”。这本书的作者显然不是这类人。他的文字中透露出一种久经沙场的务实精神，不回避电影制作中的困难和妥协。例如，在讨论预算限制下的创作策略时，他没有给出虚无缥缈的建议，而是非常具体地指出了在有限资源下，如何通过景别选择、演员调度和灯光设计来最大化视觉冲击力。这种“打地基”式的讲解，让人感到非常踏实可靠。书中的部分章节对“镜头语言的语法”进行了系统性的梳理，从景别、角度到运动轨迹，作者都给出了明确的功能性定义，这为我后续的剧本创作提供了坚实的工具箱。读完后，我感觉自己看电影的视角都发生了根本性的改变，不再是被动地接受信息，而是主动地去分析和欣赏创作者的每一个决策背后的逻辑。

评分☆☆☆☆☆

好好学习天天向上，哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈

评分☆☆☆☆☆

感兴趣的书，但还没时间读。所以现在作什么评价，都为时过早，都不算数。

评分☆☆☆☆☆

感受文化气息，做工好，正品书，值得信赖

评分☆☆☆☆☆

好好学习，天天向上，买书容易看书难

评分☆☆☆☆☆

【作者简介】

评分☆☆☆☆☆

内容比较简单，是入门读物。

评分☆☆☆☆☆

天天向上：品质生活速成读本”是三联生活书店推出的一套畅销十余年的知识读本，丛书包含电影、音乐、歌剧、时装、设计、艺术、文艺复兴等内容，一本书一个主题，用简练的图文介绍了一个艺术领域的历史和知识，是学生丰富知识，年轻人提高艺术修养的速成读本。阅读本书，让自己的生活天天向上！

评分☆☆☆☆☆

世界上没有任何事情没有其决定性的一瞬间。在几分之一秒的时间里，在认识事件意义的同时，又给予事件本身以适当的完美的结构形式。　　——亨利·卡蒂埃-布列松　　如果你的照片拍得不够好，那是因为你离得还不够近。　　——罗伯特·卡帕　　想象力跑焦了，眼力就靠不住了。　　——马克·吐温　　用相机表达出人类心灵*底层的东西，启开原本在每人内心深处的本性。熟悉的事物不可思议面，不可思议事物的熟悉面。　　——黛安·

评分☆☆☆☆☆

以前在京东买东西不知道评论都是系统自动评论。以至于钱花了不少京享值也不高。现在知道评论字数必须以上才可以加分，东西很棒。京东送货也很快！！非常完美，五星好评。哈哈