外国美术简史（彩插增订版）/普通高等教育“十一五”国家级规划教材 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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中央美术学院人文学院美术史系外国美术史教研室 编

图书标签:

• 美术史
• 外国美术
• 艺术史
• 绘画
• 雕塑
• 建筑
• 艺术鉴赏
• 教材
• 彩插
• 增订版

出版社： 中国青年出版社

ISBN：9787515324166

版次：1

商品编码：11523287

包装：平装

丛书名： 普通高等教育“十二五”国家级规划教材

开本：16开

出版时间：2014-10-01

用纸：铜版纸

页数：360

正文语种：中文

编辑推荐

　　针对艺术类院校艺术史、环艺等相关专业学生。
　　为重点及二、三类本科院校艺术史通选课学生教材。
　　简洁明了，满足零基础读者和学生的需求。配图丰富，满足当代学生阅读需求。
　　由中央美术学院人文学院美术史系外国美术史教研室编著，邵大箴担任主编，易英、李建群担任副主编。
　　

内容简介

　　

　　《外国美术简史（彩插增订版）/普通高等教育“十一五”国家级规划教材》最初由高等教育出版社于1990年出版，是全国大部分艺术院校选用的美术史教材。
　　2007年，为了规范和发展美术史教学，作者对原书稿进行了勘误和增订，并交由我社出版《外国美术简史》（增订本）。增订本各章节均补充了该领域的学术研究新成果；并特别在章前设总论，总述该时期外国美术发展的阶段性特点、与社会诸因素的具体联系、美术各门类升沉起伏的线索及主要成就；为全书新增了百余张配图，并将文图混排，方便读者查阅。《外国美术简史》（增订本）被教育部高等教育司列为普通高等教育“十一五”国家级规划教材。
　　2014年，为了更好地满足现代读者的阅读需求，同时提升该书的视觉美感，我社与作者通力协作，对《外国美术简史（彩插增订版）/普通高等教育“十一五”国家级规划教材》进行了新研究成果的增补，并将全书的大部分图片替换为彩图，并正式更名为《外国美术简史（彩插增订版）/普通高等教育“十一五”国家级规划教材》。
　　

作者简介

　　中中央美术学院人文学院美术史系外国美术史教研室，系外国美术教研室由50年代留学前苏联归来的学者创立，并在近 年由留学英国、日本和澳大利亚的中青年学者组成的教学队伍，教学和研究的领域包括 从原始、古代、中世纪、文艺复兴到近代和现当代美术史和美术思潮，教师们均发表有各自的专著和论文。教研室教师合作完成的《外国美术简史》（1990，高教出版社,2007,中国青年出版社）是受国 家教委委托、为卫星教育美术专业外国美术史课程编写的教材、国家教育计划的重点教材。

内页插图

目录

前言
第一章 原始、古代美术概况
第一节 原始美术
第二节 古代两河流域美术
第三节 古代埃及美术
第四节 爱琴美术、古代希腊美术
第五节 古代罗马美术
第二章 欧洲中世纪美术概况
第一节 早期基督教美术
第二节 拜占庭美术
第三节 蛮族艺术和加洛林文艺复兴
第四节 罗马式美术
第五节 哥特式美术
第三章 欧洲文艺复兴时期美术概况
第一节 意大利文艺复兴时期美术
第二节 尼德兰文艺复兴时期美术
第三节 德国文艺复兴时期美术
第四节 西班牙文艺复兴时期美术
第五节 法国文艺复兴时期美术
第四章 17、18世纪欧洲美术概况
第一节 17、18世纪意大利美术 .
第二节 17世纪佛兰德斯美术
第三节 17世纪荷兰美术
第四节 17、18世纪西班牙美术
第五节 17、18世纪法国美术
……

精彩书摘

　　第六章 20世纪美术
　　20世纪世界上重大的事件有：资本主义国家之间为争夺劳动力、生产资源和市场发动了第一次世界大战；俄国社会主义革命产生巨大的影响，东方随之兴起；空前残酷的第二次世界大战以及之后美苏争霸和冷战；工业和科技的发展给人类带来的福利以及由此造成的新问题；否定传统思维给人类文化带来的可能性和由此产生的严重危机；各种新的哲学和美学思潮活跃了人们的思维又带来极大的混乱。在“革命”的旗号下，美术创作空前活跃，同时也丧失恒定的判断标准。现代主义在西方成为主流，但也遇到新的问题。现实主义艺术受到挑战，但经过调整后继续发展，在苏联及东欧各国一度成为主流，在西欧和美国也出现新形态的现实主义美术。西方20世纪初的现代美术大致可以划分为两个阶段：第一个阶段是20世纪初至1945年“二战”结束；第二阶段是自1945年之后至今天。第一阶段，“现代主义”（Modernism）占主流地位，兼有其他传统的、学院的流派，现代主义中心在巴黎。第二阶段，从20世纪50年代起，出现一种与现代主义既有联系又有区别的艺术思潮和流派，人们将其称为“后现代主义”（Post-Modernism）和“晚期现代主义”（Late-Modernism），其中心转移到纽约。
　　……

西方艺术的辉煌群星：一部宏大的审美探索之旅 （本书为配合您所提及的《外国美术简史（彩插增订版）/普通高等教育“十一五”国家级规划教材》而特别推荐的一部补充性、拓展性的艺术史著作的简介，聚焦于其独特的研究视角与深度挖掘，旨在提供一个不同于标准教材的、更具人文关怀和理论深度的阅读体验。） --- 书名：凝视的艺术：从洞穴壁画到数字影像中的西方美学嬗变 作者： [此处可虚构一位著名艺术史学家或多位学者的名字，以增强专业感，例如：阿纳托利·科瓦尔斯基 / 莉莲·麦卡锡 等] 出版年份： [例如：2023年修订版] 导言：超越“简史”的边界 本书并非对既有外国美术史脉络的简单重复或梳理。它立足于对西方艺术史中“观看”这一核心行为的深刻反思，旨在探讨审美范式的核心驱动力，以及技术、哲学与社会结构如何共同塑造了艺术家与观众之间的复杂关系。如果说标准教材提供了必要的“骨架”，那么本书则试图填充血肉与灵魂，深入剖析那些常常在宏大叙事中被略去却至关重要的转折点与内在矛盾。 我们不再仅仅关注“哪个流派在何时取代了哪个流派”，而是追问：为什么在特定的历史时刻，人们的审美阈值会发生根本性的改变？为什么某种形式（如透视法、光影处理、抽象表现）会突然成为那个时代最精确的“真理”表达方式？ 第一部分：原始的眼睛与古典的秩序（史前至古典晚期） 本部分将目光投向人类最早期的视觉表达，着重研究“功能性”与“巫性”在早期艺术中的交织。我们不仅考察拉斯科和阿尔塔米拉的洞穴壁画，更深入分析其在群体认知构建中的作用。 随后，本书详尽对比了古埃及的“永恒规范”与美索不达米亚的“权力象征”。进入古希腊，本书将重点剖析“理想化人体”的哲学基础——柏拉图的“理念论”如何在菲狄亚斯和波留克列特斯的雕塑中找到了物质性的投影。我们不会止步于对古典三段式的介绍，而是细致解读“古典的宁静”背后所隐藏的对“失序”的极力排斥，以及这种排斥如何为后世的艺术革命埋下了伏笔。 第二部分：信仰的视觉语言与世俗的觉醒（中世纪与早期文艺复兴） 中世纪艺术的主题并非单一的宗教叙事，而是对“媒介”的革命性探索。本书详述了拜占庭圣像画中光线处理的精妙，以及对东方（特别是伊斯兰艺术）几何抽象手法的间接吸收。 进入文艺复兴，我们引入了“人与宇宙尺度的对齐”这一核心概念。达芬奇的解剖学实践、拉斐尔的和谐构图，都被视为对中世纪“天人分离”状态的哲学修正。本书将专门开辟章节，深入探讨“透视法的僭越”——透视法如何不仅仅是一种绘画技法，更是一种新的、以人类为中心的宇宙观的建立，以及这种以几何学为基础的秩序对16世纪后艺术思维的深远影响。 第三部分：激情的爆发与理性的黄昏（巴洛克至浪漫主义） 巴洛克艺术被视为文艺复兴晚期理性主义的“反作用力”。卡拉瓦乔的光影戏剧性（明暗对比法）不再是为了描绘精确的现实，而是为了激发观众的情感共鸣与信仰的即时体验。本书深入分析了贝尼尼雕塑中“时间被冻结的瞬间”的张力，以及荷兰黄金时代中产阶级肖像画的社会学意义——艺术如何从贵族的专属品转向市民阶层的自我身份构建。 启蒙运动后期，对“崇高”（The Sublime）的追求成为核心。康德和柏克对崇高的界定如何直接影响了戈雅的战争创伤描绘，以及特纳和康斯太勃尔对自然力量的敬畏表达。浪漫主义是对“科学至上”的反叛，它重新确立了“主观感受的至高无上性”。 第四部分：现代性的重构：打破与重塑的世纪（印象派至抽象表现主义） 这是一个剧烈的断裂期。印象派的出现并非是对光线的简单记录，而是对“瞬间体验的不可重复性”的肯定。本书详述了照相技术对传统再现艺术的挑战，以及艺术家如何通过对色彩和笔触的强调，使画布回归其“物质性”。 从塞尚对形体的几何解构，到立体主义对“多重视角叠加”的理论实践，我们看到艺术思维正从“如何看”转向“如何构造”。野兽派的色彩解放、表现主义对内在焦虑的释放，都指向一个共同的趋势：艺术的自主性。 抽象艺术的崛起被置于哲学和社会思潮的交汇点。马列维奇的“至上主义”和康定斯基的“精神性”音乐化表达，是西方艺术在脱离具象世界后，对意义和纯粹形式的最后探寻。我们将重点剖析战后纽约画派对欧洲传统的继承与挑战，特别是波洛克的行动绘画如何将创作过程本身提升为作品的最终意义。 第五部分：后现代的迷宫与视觉的未来（战后至今） 战后艺术的复杂性在于其对“原创性”的怀疑。波普艺术对大众文化符号的挪用，挑战了现代主义对“高雅艺术”的执着。本书着重探讨了“语境即意义”的后结构主义转向——杜尚的小便池如何从一个物体变成了一个关于“定义权力”的哲学命题。 当代艺术的多元化，如极简主义对空间与物体的关系、大地艺术对艺术边界的消解，揭示了艺术领域内永恒的二律背反：是回归纯粹的视觉体验，还是深化对社会批判的介入？ 最后，本书展望了数字影像、虚拟现实和人工智能对“艺术品”定义带来的颠覆性冲击，探讨在信息爆炸的时代，审美判断的“权威性”将如何分散与重组。 本书特色 本书通过跨学科的视角（融合了现象学、符号学和媒介理论），旨在培养读者批判性审视图像的能力，而非仅仅积累知识点。它是一部引导您深度“观看”的工具书，激发您对西方美学史中那些伟大“为什么”的持续追问。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是让人眼前一亮。厚实的书脊，加上那略带磨砂质感的封面，拿在手里就有一种沉甸甸的厚重感，仿佛里面真的藏着千年的艺术瑰宝。彩插的印刷质量也超出了我的预期，那些古希腊雕塑的纹理、文艺复兴壁画的色彩层次感，都得到了非常忠实的再现，即便是用手触摸封面，似乎都能感受到画作的肌理。我特意对比了几个不同时期大师作品的插图，色彩过渡自然，细节处理得非常到位，完全没有廉价印刷品那种呆板和失真感。特别是那些细节放大图，对于理解画家是如何运用光影和笔触的，提供了极大的便利。对于一个希望通过视觉体验来辅助学习美术史的读者来说，这种高品质的视觉呈现，无疑是加分项，它让原本枯燥的历史叙述变得生动起来，让人愿意沉下心去细细品味每一幅图像背后的故事和技法演变。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事节奏把握得相当精准，完全没有初学者容易感到的那种迷失感。作者在梳理从史前洞穴壁画到近现代艺术流派演变的过程中，采取了一种非常清晰的脉络化处理。它并非简单地罗列时间线和人名，而是巧妙地将不同地域、不同时代的美术风格，置于其当时的社会、哲学思潮和技术背景之下进行剖析。比如，当讲到哥特式建筑时，书中没有止步于对飞扶壁结构的描述，而是深入探讨了这种结构如何满足了中世纪宗教对“向上崇高感”的追求，这种深层次的关联性解读，极大地拓宽了我对艺术功能性的理解。阅读过程中，我发现自己不再是被动地接受知识，而是主动地去思考艺术是如何回应人类生存境遇的，这种引导式的思考，才是真正的高效学习。

评分☆☆☆☆☆

作为一本教材，它的实用性和辅助学习工具的设置也非常人性化。书中的一些术语解释得非常到位，即便是初次接触的读者，也能迅速掌握核心概念。更棒的是，在每一个章节的末尾，都附带了非常精炼的知识点总结和拓展阅读建议。我发现，这些总结部分简直是复习的利器，能迅速帮助我回忆起本章的重点脉络，避免了因为信息量过大而产生的遗漏。此外，书本中对不同艺术家的生平简介，也做到了浓缩的艺术——在有限的篇幅内，既勾勒出其主要成就，又点出了其风格的独特性，使得人物形象饱满而不冗杂。这本教材真正做到了服务于教学，让老师能够轻松备课，也让学生能够高效自学。

评分☆☆☆☆☆

这本书的版式设计，用一个词来形容就是“疏朗有致”。大量的留白使得原本密集的文字内容变得呼吸顺畅，阅读体验大大提升。字体选择上，宋体的纤细与黑体的稳重结合得恰到好处，正文部分阅读起来眼睛非常舒适，即便是长时间阅读也不会感到强烈的疲劳感。尤其值得称赞的是，图文的排布处理得非常巧妙，相关的插图总是在最恰当的位置出现，而不是像某些书籍那样，把图表生硬地插在文本段落的中间，打断了思路的连贯性。这种对阅读流线的高度尊重，体现了出版方在制作过程中对最终用户体验的深思熟虑。它不仅是一本知识的载体，更是一件设计精良的阅读产品，让人爱不释手。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，这本书的学术深度是经得起推敲的。虽然定位是面向普通高等教育的教材，但其中引用的理论支撑和对艺术史家观点的引用，都显示出严谨的治学态度。它不像市面上一些通俗读物那样，为了追求流畅性而牺牲了专业性。在探讨一些关键的转折点，比如巴洛克艺术的兴起，书中引述了多位学者的不同见解，并对这些见解进行了客观的梳理和对比，这对于培养读者批判性思维至关重要。我特别欣赏它对“什么是艺术”这个核心问题的探讨，它没有给出一个僵硬的答案，而是通过案例展示了艺术边界是如何随着时代不断被拓宽和挑战的。对于想要深入研究，未来可能要进行学术深造的读者来说，这本书提供了坚实的理论基石。

评分☆☆☆☆☆

最权威的美术史教材，只认准中央美院

评分☆☆☆☆☆

书角都破了

评分☆☆☆☆☆

不错，值得一看。

评分☆☆☆☆☆

书很好?

评分☆☆☆☆☆

运气非常好，抢到一张券，活动太给力

评分☆☆☆☆☆

特好特别棒。。。。。。。。。。。。。。。。。

评分☆☆☆☆☆

不错不错

评分☆☆☆☆☆

好好好好好好好好好好好好好好好好好好好好好好好好好好好

评分☆☆☆☆☆

明显发了旧书过来，泛黄脏污，要不是其他家都买不到了，绝不会在这家买。谢谢。