中国美术史·大师原典系列 搜山图 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[明] 佚名 著

图书标签:

• 中国美术史
• 搜山图
• 范宽
• 五代
• 山水画
• 绘画
• 艺术史
• 大师原典
• 中国绘画
• 宋画

出版社： 中信出版社 ， 中信出版集团

ISBN：9787508666969

版次：1

商品编码：12040990

品牌：中信出版

包装：精装

丛书名： 中国美术史·大师原典

开本：10开

出版时间：2016-09-01

用纸：纯质纸

正文语种：中文

产品特色

编辑推荐

　　《搜山图》的流传有很多本子，从绘画到戏曲都有表现。

　　那么，这个故事来源于哪儿呢？相传二郎神打连环寨经过与哪吒比武，

　　带醉射破了锁魔镜，放走了被镇锁住的金睛百眼鬼和九首牛魔王，

　　因此引出了二郎神与哪吒赶到黑风洞，搜山追回二洞妖魔的一段故事。

内容简介

　　《搜山图》根据民间传说，表现二郎神搜山降魔的故事。图中描绘神兵神将们耀武扬威地搜索山林中各种魔怪。这些妖怪，或是原形，或化为女子，他们都在神将的追逐下，仓惶逃命或藏匿山洞。不知作者有意还是无心，观者常常会联想到，封建专制社会那些官兵欺负百姓的情形

作者简介

陆治（1496－1576），明代画家。吴县（今江苏苏州）人，字叔平，号包山子。曾从祝允明、文徵明学诗文、书画。擅花鸟，工笔写意俱有生趣，也工山水，用焦墨皴擦，风骨峻削，但少渲染，失之刻露。

内页插图

前言/序言

　　这批画集属于所有愿意认知华夏绘画的人。其功德，不仅仅是在赏阅，而在实实在在的爱国主义教育。

　　你爱这国家的什么？在无数可资援引的历史记忆中，眼下，请年轻人翻开这套画集。

　　——作家、画家、木心美术馆馆长 陈丹青

　　中国古代的文化成就，是我们这个东方大国五千年辉煌历史的重要组成部分，是基本国情，应成为常识，宜家喻户晓。

　　——国家文物鉴定委员会副主任委员 孙机

　　千百年来，这些杰作征服了无数观众，已成为华夏民族的美学基因、东方文明的背景符号！

　　过去，由于历史条件的限制，这些杰作往往深藏不露，普通读者难以一睹全貌，更无缘亲近赏鉴。本丛书企望“旧时王谢堂前燕”，得以“飞入寻常百姓家”。愿大师原典的灼灼华彩，成为读者的案头锦瑟、枕边韶华。

　　——中国美术馆副馆长 张子康

《中国绘画史：从史前到近现代的流变与风格》 一部纵览中华文明艺术脉络的恢弘巨著 本书并非聚焦于单一画作或某一特定时期的艺术现象，而是一部旨在全面梳理和深入剖析中国绘画发展历程的通史性著作。它以时间为轴线，以艺术演变为核心，系统勾勒出中国绘画自远古萌芽至近现代转型数千年间的波澜壮阔的历程。 本书的撰写秉持严谨的学术态度与广阔的史学视野，力求突破传统画史叙事中常见的断代壁垒与流派固执，将绘画置于广阔的社会、哲学、文化与技术背景下进行考察。 --- 第一部分：源流与奠基——图腾、符号与文人画的兴起 (史前至唐代) 第一章：远古的呼唤与文明的曙光 本章追溯中国绘画的源头，聚焦于新石器时代的岩画、陶器纹饰，以及早期墓葬壁画中所蕴含的原始生命力和巫术观念。重点探讨几何纹样、动物形象如何从纯粹的实用功能向象征意义过渡。 第二章：青铜的辉煌与早期卷轴的雏形 考察秦汉时期帛画、墓室壁画的成熟，分析《思绪图》、《宴乐狩猎图》等重要出土文献的艺术特征。探讨“气韵生动”理论的早期萌芽，以及服饰、仪态描绘中的社会等级观念。 第三章：魏晋风骨与士人精神的觉醒 着重分析东晋至南北朝时期，随着玄学兴起和佛教的传入，人物画如何摆脱纯粹的写实，转向注重“神似”和士人精神的表达。对顾恺之“迁想妙得”的理论基础及其在人物画中的实践进行细致剖析，并引入早期山水画（如顾景山水）的零星迹象。 第四章：盛唐气象与“画科”的成熟 盛唐时期，绘画艺术全面繁荣。本章详述人物、花鸟画科的专业化，特别是吴道子“吴带当风”的笔法革命。同时，深入探讨李思训、李昭道父子所代表的青绿山水与王维田园诗歌所倡导的水墨山水画的理论对立与相互影响，为五代、宋代的专业化竞争埋下伏笔。 --- 第二部分：规范与高峰——院体、文人与格律的確立 (五代、宋、辽金元) 第五章：五代十国的南北分野与风格定型 细致对比江南（南唐）的细腻典雅和北方（荆浩、关仝）的雄浑壮阔。着重阐释北方山水画在笔墨结构上如何确立了后世山水画的“体势”规范，以及早期“巨碑式”山水构图的形成。 第六章：北宋的院体规范与文人自律的冲突 北宋是院体画的鼎盛期，也是文人画理论体系的最终确立期。本章分析徽宗朝的院画如何将花鸟画推向了写实与象征的极致（如赵佶的瘦骨清相）。同时，详细阐述以范宽、郭熙为代表的北方山水大家如何运用“近景、中景、远景”的空间处理技法，构建稳定的山水世界。对苏轼、米芾提出的“论画以形似，见与鄙夫不殊”的文人画核心理念进行辨析。 第七章：元四家的崛起与笔墨精神的解放 元代是绘画史上一次重大的转向。随着士人阶层政治地位的下降，绘画成为寄托情怀的主要手段。本章重点研究“元四家”（黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙）如何彻底否定院体色彩与精工，转向对笔墨语言本身的探索。尤其是倪瓒的“一抹天、两笔石”的极简主义，标志着绘画主体性意识的极大提升。 --- 第三部分：意趣与世俗——地域风格与程式化的演进 (明清) 第八章：明初的延续与吴门画派的复兴 明初院体虽有复兴，但文人画的势头已不可逆转。本章聚焦吴门画派（沈周、文徵明、唐寅、仇英），分析他们如何以宋元传统为基础，融合青绿与水墨，将笔墨的“趣味”提升到审美高度，形成了江南地区文人艺术的标杆。 第九章：董其昌的“南北宗论”与笔墨哲学的再构建 详细解读董其昌“南北宗论”的理论意义与历史局限性，它如何巩固了文人画的正统地位，并对后世的笔墨实践产生了深远影响。并探讨其对元代诸家，特别是董源、巨然的再发现过程。 第十、十一章：晚明变异与清初的革新 晚明时期，以“松江派”的应酬与“金陵画派”的地域特色为代表，绘画开始出现世俗化和形式化的倾向。清初，以“四僧”（弘仁、髡残、朱耷、渐江）为代表的遗民画家，如何通过对笔墨的极端变形和符号化处理，表达深沉的个体悲剧与精神洁癖，标志着中国传统绘画语言的又一次极端拓展。 第十二章：清中晚期：程式的固化与“扬州八怪”的冲击 考察清代中期，如“扬州八怪”如何通过夸张的造型、强烈的色彩对比，以及民间趣味的介入，对僵化的传统程式发起挑战。同时，也分析了“四王”（王时敏、王鉴、王翚、王原祁）如何通过对元人笔法的“集大成”实践，将传统笔墨推向了程式化的终点。 --- 第四部分：转折与融合——近现代绘画的艰难探索 (晚清至今) 第十三章：西风东渐的冲击与“折中派”的尝试 晚清时期，西方透视学、解剖学等观念传入，对中国传统“散点透视”造成巨大冲击。本章探讨在救亡图存的时代背景下，如任伯年、吴昌硕等画家如何试图在传统笔墨与西方写实技法之间寻找平衡点，催生了新的、更具生命力的绘画样式。 第十四章：革命与变革：中国画的现代转型 系统梳理近现代“改革派”如“岭南画派”的折衷实践，以及徐悲鸿对素描基础的强调，如何试图“改造”中国画结构。重点分析了齐白石如何以民间艺术的稚拙趣味和深厚的文人笔墨功底，开辟了一条继承传统又不泥古的现代道路。 第十五章：当代语境下的传统延续与创新 考察新中国成立后，中国画在题材、观念和体制上所经历的深刻变革。分析当代艺术家如何面对全球化语境，在坚守笔墨本体价值的同时，探索诸如水墨抽象、观念水墨等新的表达可能性，为中国绘画的未来走向提供多维度的思考。 --- 本书特色： 宏大叙事与细节并重： 不仅描绘朝代更迭中的艺术风貌，更深入分析了每一关键时期的笔墨技法、理论思潮和重要人物的创作心路。 理论深度： 详细梳理了中国绘画史上历次重大的理论争论（如“形似”与“神似”、“南北宗”的争执），帮助读者理解绘画背后的哲学基础。 跨学科视角： 结合社会学、哲学史和文学史的成果，提供更为立体和饱满的艺术史解读。 本书是艺术史研究者、美术专业学生以及所有热爱中华传统文化的读者，理解中国绘画作为一门独立而深刻的艺术体系的必备参考。它描绘的不是一幅幅孤立的画作，而是中华民族精神在千年宣纸上留下的清晰印记。

评分☆☆☆☆☆

我最近在尝试临摹一些古代的山水画，这对工具书的要求就比较高了。我通常会带着放大镜去研究那些大师级的作品，看他们是如何处理皴法和点苔的。这本书给我带来的最直接的帮助，就是那种“身临其境”的观察体验。以往看的很多复制品，在边缘处理上总会丢失一些细节，但这次感受到的清晰度，让我能够更细致地分析不同时期画家在用笔上的细微差异。比如，有些作品中那种看似随意却蕴含着深厚功力的“飞白”处理，在这本书里展现得淋漓尽致，这对于我理解“气韵生动”的真正含义非常有启发。总的来说，它更像是一个高精度的工作底稿，而不是一本泛泛而谈的画册，它鼓励你去“看进去”，而不是仅仅“看过去”。这种高水准的再现技术，确实是将原作精髓保存下来的有效途径，大大提升了自学过程中的参照价值。

评分☆☆☆☆☆

这本画册的装帧设计真是让人眼前一亮，硬壳的封面摸上去很有质感，而且字体排版的设计也显得相当考究。翻开扉页，首先感受到的是一种扑面而来的庄重感，仿佛真的在触摸历史的脉络。纸张的选择也非常用心，厚实且不反光，即便是高精度的复制品，色彩还原度也达到了一个令人惊叹的程度，细节之处的笔触和墨韵都能清晰地捕捉到，这对于研究古代绘画的人来说，无疑是一份宝贵的资料。我尤其欣赏它在版式布局上的克制与大气，没有过多花哨的修饰，将视觉的焦点完全集中在了作品本身，这种“留白”的处理，恰到好处地衬托出了原作的意境。当然，作为一本艺术类书籍，我最关心的还是它在呈现古代艺术巅峰作品时的专业性。从初翻的几页来看，无论是高清的图版还是对装帧工艺的要求，都透露出出版方致力于打造“传世经典”的决心，这让我对后续内容的期待值飙升，相信它在提供视觉享受的同时，也能提供坚实的学术支撑。

评分☆☆☆☆☆

我非常注重阅读体验，尤其是关于艺术鉴赏类的书籍，如果排版设计让人感到压抑或混乱，再好的内容也会大打折扣。这本画册在开本的选择上显得非常大气，给予了画面足够的呼吸空间，这在展示宏大叙事的山水画时尤为重要。它没有过度依赖现代的色彩校正技术去“美化”古画，而是保持了一种对历史原貌的尊重，那种经历岁月洗礼后的陈旧感和韵味被很好地保留了下来。这种克制的编辑手法，让我感到出版方对原作抱有敬畏之心。对于一个纯粹的爱好者而言，这种舒适、流畅的阅读节奏，比那些信息量过载、恨不得把每一寸空间都塞满文字和标注的“百科全书式”书籍，更能让人沉下心来，进行长久的品味和思考。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本书时，我第一反应是它的分量，不仅仅是物理上的重量，更是它所承载的文化厚度。我不是科班出身，但对中国传统文化一直抱有浓厚的兴趣，尤其是那些流传千古的艺术杰作。我期待在这本书中找到一种平易近人的入口，去理解那些深奥的笔墨语言。我特别留意了它在引介作品时是否配有足够的背景介绍，毕竟，脱离了时代背景和画家心境去欣赏艺术，总觉得少了点什么。理想中的艺术书籍，应该是一座桥梁，连接着古代的智慧与现代的观者。我希望它不仅仅是视觉的展示，更能在文字的引导下，让我理解每一条线条背后的思考和情感的波动，帮助我构建起一个立体的艺术史图景，而不是一堆孤立的图像碎片。

评分☆☆☆☆☆

我一直认为，高质量的艺术图录是收藏和学习的必备品，它们承载的价值远远超过了印刷成本。我对比过市面上几家不同出版社的同类主题作品集，很多时候，为了追求“鲜艳”，过渡色处理得非常生硬，导致水墨的层次感完全丢失。这本图录给我的印象是，它在处理墨色的深浅渐变上做得非常出色，深墨的厚重、淡墨的氤氲、乃至干笔的枯涩感，都得到了恰如其分的体现。这种对“墨分五色”的精准还原，是衡量一本画册专业水准的关键指标。如果能够持续保持这样的印刷和装帧水准，它将成为我案头常备的参考书之一，因为它真正做到了用现代工艺来致敬和传承古代的艺术精神。

评分☆☆☆☆☆

终于买下了，很喜欢这套丛书

评分☆☆☆☆☆

哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈

评分☆☆☆☆☆

非常好的书，印刷颜色亮，图清晰，就是有些地方粘连，要小心打开。

评分☆☆☆☆☆

闲暇时间可以跟随艺术瑰宝，徜徉在北宋汴梁的街头巷尾，细细旁观市井百态，静静倾听航道的喧嚣，内心演绎着千种人间琐碎！享受！

评分☆☆☆☆☆

图还是比较清晰色彩也还行，只是感觉装帧做得差了点，不过这个价格不能要求太高。

评分☆☆☆☆☆

怎么说呢，就是爱不释手，重要的是印刷非常清晰，质量没得挑，而且书本封面很漂亮，值得购买，值得收藏

评分☆☆☆☆☆

正版，在京东买了很多了，送货也快，好好好

评分☆☆☆☆☆

很好的书、买了一套八本、喜欢正版、大爱

评分☆☆☆☆☆

原汁原味，古色古香，爱不释手