莫扎特钢琴协奏曲(降B大调K450总谱)/全国音乐院系教学总谱系列 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[奥] 莫扎特 作曲 著

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店铺： 英典图书专营店

出版社： 湖南文艺出版社

ISBN：9787540429782

商品编码：1350713544

包装：平装

出版时间：2003-04-01

基本信息

书名：莫扎特钢琴协奏曲(降B大调K450总谱)/全国音乐院系教学总谱系列

原价：12.50元

作者：(奥)莫扎特 作曲

出版社：湖南文艺出版社

出版日期：2003-04-01

ISBN：9787540429782

字数：

页码：88

版次：1

装帧：平装

开本：

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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内容提要

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本曲作于1784年，28岁的莫扎特在维也纳创作了6首钢琴奏曲，其中这首降B大调协奏曲，值得我们特别关注。
本作曲第二乐章从这个从未出版过的初稿的写作风格完全与莫扎特的风格相吻合，我们可以非常容易地从结构的角度来证明这一点。莫扎特创作的习惯方法是在第一阶段写出一个大概轮廓——主题、支撑和声的低音旋律、独特的伴奏音型，然后再加入其他部分——和声、以前构思出来的模仿性素材、以及详细的配器——但这完成的阶段要晚一些。
莫扎特钢琴协奏曲由12个不同但互相相连的乐段构成，不仅符合整体结构，而且有着内在的力度变化，从一个变奏到另一个变奏，整个乐章通过乐器的扩充和音型的密集，演变成了一个渐强性的展开部。

目录

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作者介绍

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文摘

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序言

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好的，以下是根据您的要求创作的、不包含《莫扎特钢琴协奏曲(降B大调K450总谱)/全国音乐院系教学总谱系列》内容的图书简介。 --- 探寻键盘艺术的深度与广度：精选西方钢琴文献导读 书籍定位： 本书旨在为专业音乐院校学生、钢琴教师及资深钢琴爱好者提供一套系统、深入的西方钢琴文献学习指南。它并非单纯的乐谱汇编，而是侧重于对经典与重要曲目进行历史背景、创作意图、演奏实践及风格分析的综合性导读，强调跨越不同历史时期的风格演变与技术挑战。 第一部分：巴洛克时期的结构与织体 本部分聚焦于巴洛克音乐中键盘乐器的发展脉络，重点分析了这一时期确立的复调思维和和声基础，这些为后世的协奏曲写作奠定了坚实基础。 一、 意大利键盘的活力：斯卡拉蒂奏鸣曲的“瞬间性” 本书深入探讨了多梅尼科·斯卡拉蒂（Domenico Scarlatti）的约555首键盘奏鸣曲。我们不以数量取胜，而是精选了最具代表性的作品（如K. 96、K. 380、K. 430等），分析其单乐章结构的巧妙布局，以及如何通过对位、模仿、快速音阶与琶音段落，在极短篇幅内营造出戏剧性的效果。重点解析其对西班牙民间音乐节奏的吸收，以及如何在巴洛克晚期预示了古典主义的清晰线条。 二、 德奥的集大成：巴赫赋格艺术的解析 本章的核心是约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（J.S. Bach）的鸿篇巨制——《平均律键盘曲集》（BWV 846-893）的深入剖析，尤其关注其对位法的精妙运用。 1. 《平均律》的体系构建： 探讨平均律在当时的意义，它如何解决了十二平均律的实际应用问题，并为所有后来的作曲家提供了和声的“语法书”。 2. 赋格的结构分析： 以C大调第一号赋格、c小调第一号赋格（两部与三部）和升g小调赋格（五声部）为例，详细图解呈示部、介入部、呈续部及加段（Stretto）的布局。强调主题的变形（移位、逆行、增值等）在结构发展中的核心作用。 3. 英国与法国组曲的风格差异： 对比分析巴赫晚期组曲中舞曲的精确性（如G大调第一号英国组曲）与富有歌唱性的法国风格（如c小调第一号法国组曲），探讨其在键盘演奏技巧上的区分点，如装饰音的使用规范。 第二部分：古典主义的清晰与平衡——奏鸣曲的典范 本部分转向海顿、莫扎特（避开K.450）和贝多芬早期的钢琴奏鸣曲，重点研究奏鸣曲式的确立、发展与早期钢琴（古典钢琴）的音色特点。 一、 海顿的幽默与结构：钢琴奏鸣曲中的叙事性 约瑟夫·海顿（Joseph Haydn）的键盘奏鸣曲是古典风格的教科书。本书选取了Hob. XVI:35（升c小调）、Hob. XVI:46（A大调）和Hob. XVI:52（降E大调）进行分析。 呈示部处理： 分析海顿如何利用对比性的材料（活泼的主题与抒情的副题）完成转调，以及其常用的“铺垫性”引子。 发展部的“游戏性”： 阐释海顿如何通过动机的快速分解和色彩变化，在保持结构严谨性的同时，注入他的标志性幽默感。 二、 贝多芬的早期变革：从海顿到自我声音的过渡 路德维希·范·贝多芬（Ludwig van Beethoven）的早期奏鸣曲是连接古典与浪漫的桥梁。 1. 《悲怆》与《葬礼进行曲》： 详细分析作品81a《告别》的标题性叙事（别离、缺席、重逢）如何融入古典的奏鸣曲框架。尤其关注其音域的拓展和踏板使用的初步探索。 2. 技法上的突破： 探讨贝多芬如何开始在奏鸣曲中运用更具戏剧张力的和声冲突（如增六和弦的早期使用）以及对力度对比的极端化处理，为后浪漫主义的钢琴表现力埋下伏笔。 第三部分：浪漫主义的抒情、激情与炫技 随着钢琴制造技术的飞速发展（如加固的琴框、更长的延音踏板），钢琴的音量、延音和色彩潜力被空前释放。本部分探讨肖邦、舒曼和李斯特的作品如何体现这种“解放”。 一、 肖邦：诗意与民族精神的融合 弗里德里克·肖邦（Frédéric Chopin）的作品是钢琴浪漫主义的至高典范。本书专注于其对小型体裁的精深掌握。 1. 夜曲（Nocturnes）的呼吸感： 分析Op. 9 No. 2与Op. 48 No. 1中的旋律线条如何依赖于精密的指法控制和柔板呼吸，以及装饰音的“即兴”化处理，如何使演奏听起来不像是重复，而是当下的创造。 2. 玛祖卡与波兰精神： 探讨玛祖卡舞曲（Mazurkas）中独特的三拍子律动、重音的侧移以及五度音程的大量使用，揭示其民族性在音乐语言中的表达。 3. 练习曲（Études）的技术范式： 以Op. 10 No. 1（琶音）和Op. 25 No. 11（冬季风）为例，解析肖邦如何将艰深的技巧训练与完整的音乐表达完美结合，使技术服务于情感。 二、 舒曼：内省的“纸上”对话 罗伯特·舒曼（Robert Schumann）的作品充满了文学性和内心独白。 《童年情景》（Kinderszenen）： 重点分析“梦幻曲”（Träumerei）的结构，探讨舒曼如何通过和声的游移和延迟解决，营造出梦境般的朦胧感。研究其标题对演奏情绪的指导作用。 浪漫主义的象征： 解析《狂欢节》（Carnaval）中“弗洛雷斯坦”与“尤塞比乌斯”两位假想人物的音乐性格转换，以及其对键盘音色的细微差别要求。 三、 李斯特：钢琴的交响化 弗朗茨·李斯特（Franz Liszt）是钢琴演奏技术的“革命者”。本书分析其对钢琴音域的极端开发。 1. 超技练习曲的分析： 以《钟》和《鬼火》为例，解析李斯特如何通过复杂的八度、快速的跨越和声部之间的模仿，试图在钢琴上再现管弦乐队的宏大音响。 2. 观念性作品： 探讨《彼特拉克十四行诗》和《旅游岁月》中，李斯特如何将异国情调和个人情感融入钢琴独奏中，以及其对踏板技巧的颠覆性要求。 第四部分：二十世纪及以后的拓展 最后一部分关注风格的多元化，探讨印象主义、新古典主义以及现代作曲家对钢琴音色和演奏法的探索。 一、 印象主义的光影：德彪西与拉威尔 本书分析了克劳德·德彪西（Claude Debussy）和莫里斯·拉威尔（Maurice Ravel）如何“溶解”传统的主题发展和清晰的结构，转而追求音色、氛围和光影的捕捉。 德彪西的“水”与“空气”： 以《前奏曲》（Préludes）中的《亚麻色头发的少女》和《水中倒影》为例，解析他如何运用全音阶、五声音阶和复杂的和弦叠置来创造模糊、漂浮的听觉效果。 拉威尔的精准与清晰： 对比拉威尔（如《镜子》中的《海上薄雾》）所展现的更精密的配器法和对古典结构的回归，展示浪漫主义之后的两种不同倾向。 二、 现代钢琴的音色探索 本章简要介绍二十世纪中期后，作曲家如何挑战钢琴的传统音域和演奏常规，例如： 无明确音高的探索： 探讨斯特拉文斯基或巴托克早期作品中，节奏和动机的极端重要性，以及对民间音乐的解构式运用。 非常规演奏法（Extended Techniques）的初步概念： 提及如琴弦的触碰、特制的弱音器使用等，这些标志着键盘艺术进入了一个寻求新声音的时代。 结论： 本书通过对上述关键文献的系统梳理与深度剖析，旨在帮助学习者构建一个清晰的、跨越近四百年历史的西方键盘音乐知识框架，从而在演奏和教学中，能够更准确地把握不同时代作品背后的音乐语言和演奏美学。

评分☆☆☆☆☆

这部乐谱的装帧实在令人惊艳，纸张的质感厚实而富有韧性，即便是频繁翻阅也不会轻易出现磨损或泛黄的迹象。印刷工艺更是无可挑剔，每一个音符、每一个力度记号都清晰锐利，即便是面对那些复杂的琶音和快速音群，视谱时也毫无压力。装订方式也显得非常专业，平摊后能稳稳地固定在谱架上，这一点对于演奏者来说至关重要，谁都不希望在演出或练习的紧要关头，乐谱突然合拢。翻阅过程中，我注意到扉页和注释部分的处理也十分考究，排版简洁明了，既提供了必要的历史背景信息，又不会显得过于拥挤，让人在研究乐曲结构时感到赏心悦目。整体来看，这不仅仅是一份教学资料，更像是一件值得珍藏的艺术品，体现了出版方对经典音乐作品应有的尊重和对学习者需求的深刻理解。这种对细节的极致追求，无疑大大提升了我在日常学习和排练中的效率与愉悦感。

评分☆☆☆☆☆

对于协奏曲这种需要与独奏乐器和乐队进行精密配合的曲目，我非常看重乐谱中对于“平衡性”的探讨。这不仅仅是音量上的控制，更关乎乐器音色之间的融合与对比。我希望能找到的版本，能够提供一些关于如何处理“对话感”的指导，比如在哪些段落独奏声部需要保持绝对的穿透力，而在哪些地方又必须巧妙地“隐退”，让乐队的织体浮现出来。优秀的乐谱应该能帮助演奏者预判不同声部在空间中的相对位置和声响特性。如果乐谱能对一些著名的乐队“织体”进行简要的分析或图示说明，并提示独奏者在这些关键时刻应如何调整自己的演奏方式来适应整体氛围，那将极大地弥补仅凭自己摸索所产生的盲区。这种对整体音乐场景的把握，是技术层面之外更深层次的追求。

评分☆☆☆☆☆

我最近的排练时间安排得相当紧张，经常需要在短时间内熟悉新的、复杂的乐段。因此，乐谱的“可读性”在很大程度上决定了我能否高效利用有限的练习时间。具体来说，我指的是在不牺牲准确性的前提下，如何优化视觉上的信息密度。例如，某些版本在处理连续的重音记号和连音线时，会使用过于细小的符号，使得在快速扫视时容易产生视觉疲劳和误判。我更偏爱那些使用恰当字号和间距，并且在关键的乐句划分上做了清晰标记的版本。想象一下，在舞台灯光下，你需要迅速定位到某个复杂的和弦组，清晰的视觉引导能让你更加从容不迫。如果一个版本能将那些令人眼花缭乱的装饰音符用一种既不拥挤又不失其形态的方式呈现出来，那它绝对是我的首选。

评分☆☆☆☆☆

我最近在研究海顿的早期奏鸣曲，尤其是那些偏向“喜歌剧”风格的轻快作品，对于手指独立性和触键的清晰度要求极高。我发现，很多市面上的版本在处理力度变化时都显得过于保守，总让人感觉少了那么一股灵动的“生气”。然而，我在其他一些作品集里曾领略过那种极为精妙的指法标记，它不仅仅是告诉你“强”或“弱”，而是暗示了一种微妙的情绪起伏和声音层次的构建。比如，在某些快速的对比乐段中，如果能有更细致的关于触键深度和释放速度的提示，对于我打磨演奏效果会有决定性的帮助。我希望能找到一本能真正体现作曲家时代风格特点，并且在指法上提供大胆而富有启发性建议的乐谱，而不是仅仅停留在基础的音高和节奏校对上。那种能让我感受到“原来还可以这样处理”的惊喜，才是优秀版本真正的价值所在。

评分☆☆☆☆☆

作为一名长期与古典音乐理论打交道的学习者，我对于任何版本中的“校订说明”部分都格外关注。一份优秀的乐谱，其价值绝不仅仅在于音符的准确性，更在于它如何与历史文献进行对话。我期望看到详尽的脚注，说明哪些标记是基于原始手稿的考证，哪些是特定时期演奏实践的演化，或者哪些是现代编辑基于对作曲家整体风格的理解所做的优化建议。如果能附带对某些巴松管或圆号等伴奏乐器声部处理上的考量，那更是锦上添花。单纯的印刷清晰度只能满足基础需求，真正高阶的学习者需要的是“思想的传递”。我希望看到的，是一种严谨的学术态度，能够帮助我穿透时空的阻隔，理解创作时的真实意图，而不是被后人武断的“标准答案”所束缚。