书法课-字美在何处+临帖九讲【共2册】方建勋 杨谔 北大校友书画协会书法课全新教学方法艺 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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方建勋 杨谔 著

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店铺： 尚诚嘉业图书专营店

出版社： 中信出版集团

ISBN：9787508674995

商品编码：17171201841

套装数量：2

全2册 书法课：临帖九讲+字美在何处

总金额186

编辑推荐

★北京大学校友书画协会书法课全新教学方法首度公开。北京大学美术教师研修班、北京大学校友书法公益班等各种书法课指定教材，像北大人一样学书法。
★更为的书法临帖指南，从读帖到临帖，从动作到结构，从章法到境界，讲解书法临帖的要诀。
★更为丰富的书法临帖范本，全书收入近三百件书法精品全彩高清图版，逐件解析临习要点，其中有不少是作者独*收藏的图版，弥足珍贵。
★更为正统的书法传承系统，作者方建勋继承近代大家林散之、高二适一派书学正统，将历代书法大家的临帖理论，融会贯通。跟随大师学习临帖，事半功倍。
★更为系统的书法教学体系，积作者三十年学书与教学经验，以北京大学为试验场，建立系统的书法教学体系。 从书法名作的欣赏，到书法临帖和书法创作，全程系统学习。
★北京大学常务副校长吴志攀，北京大学美学朱良志，书法家、南京艺术学院季伏昆联合推荐。

内容简介

本书是面向书法爱好者者的一部书法临帖指导普及图书。从为什么要临帖、临帖的“形”与“神”、临帖的“动作”、如何临金石碑版、临帖的结构、临帖的章法、“集古字”、如何读帖、临帖的境界等九个方面讲解书法临帖的要诀，将书法学习带回临帖这一基础又为重要的步骤中来。
作者方建勋是北京大友书画协会的书法导师，是一位拥有深厚美学素养的成熟书法家，又拥有书法教学的丰富经验，本书即为其为北大师生讲授书法临帖课程的蓝本。

作者简介

方建勋，浙江淳安人。北京大学美学博士，师从美学家朱良志；南京艺术学院书法篆刻硕士，师从书法家黄惇。北京大学文化研究与发展主任秘书，北京大友书画协会秘书长兼学术导师。著有《印境》《清秀飘逸的汉隶技法45 例》。在电视台书画频道主讲书法篆刻，书法、篆刻作品被作为校礼赠送 给访问北大的挪威首相索尔贝格、微软 创始人比尔?盖茨等各界人士。

翰墨芳华：中国传统书画艺术精粹探析 引言：探寻笔墨间的千年对话 中国书法与绘画，作为中华文明宝库中最璀璨的两颗明珠，承载着民族的审美情趣、哲学思想与人文精神。它们不仅是视觉艺术的展现，更是心性的修炼与文化的传承。本书旨在深入剖析中国传统书画艺术的精髓，带领读者穿越历史的长河，领略从古至今，文人墨客如何以笔为剑，以墨为魂，在一方宣纸之上，构建起气象万千的精神世界。我们将侧重于理论构建、风格演变、技法精要以及背后的文化意蕴，而非特定教材或教学方法的介绍。 --- 第一编：书之神韵——汉字形体流变与审美哲学 本篇聚焦于中国书法的历史脉络、字体演变及其蕴含的哲学意境，力求展现“笔墨不只是记录符号，更是精神载体”的深层含义。 第一章：文字的诞生与早期形态——从甲骨到金文的古拙之美 探讨汉字起源的神秘面纱，重点分析甲骨文的象形特征与卜辞文化背景，以及周代金文所体现的庄重、肃穆的礼乐精神。我们会审视铭文的铸刻工艺如何影响线条的质感，以及这种早期书风对后世篆书的奠基作用。 第二章：秦汉的统一与规范——大小篆的结构之美 详细考察秦始皇统一文字后，小篆在规范化过程中所达成的艺术高度。分析李斯等人的贡献，以及隶书在汉代兴起时的“蚕头燕尾”结构如何标志着实用性与艺术性的关键转折点。隶书的横向铺展，被视为打破篆书圆转拘谨，注入隶定意味的重大变革。 第三章：楷书的定型与法度——汉字美学的成熟阶段 楷书，被誉为“真书”，是后世学习书法的基石。本章将深入解析魏晋南北朝至隋唐楷书的流派纷呈。重点剖析欧阳询（险劲）、虞世南（温润）、褚遂良（秀逸）以及颜真卿（雄浑博大）、柳公权（骨力洞达）等大家的面貌，探讨他们如何在既有的笔画规范中，融入个人气质与时代精神，形成“唐楷”的宏伟格局。 第四章：行草的意态——速度、情感与气韵的交织 行书与草书是书法艺术情感表达最为淋漓尽致的载体。王羲之的《兰亭集序》为何被誉为“天下第一行书”？其“遒媚”之处究竟在哪里？张旭、怀素的“颠张醉素”如何将狂放不羁的情感融入连绵的笔势中？本章将侧重于分析行草在连带、提按、飞白运用上的技巧，以及它们如何体现中国文人“心手相应”的创作状态。 第五章：篆书的复兴与碑学的影响 晚清时期，金石学的兴起对帖学（主要指唐宋以来的法帖）产生了巨大冲击。本章将分析邓石如、吴昌硕等人如何从汉碑、秦篆中汲取力量，以厚重的笔法和古朴的形态，重塑篆书的时代面貌，展现出雄强、浑厚的“碑学”气象。 --- 第二编：画之意境——山水花鸟的笔墨情怀 本篇转向中国绘画领域，特别是占据中国艺术史主导地位的山水画和文人画，探究其“以形写神”的独特审美观。 第六章：山水之源——魏晋隋唐的早期探索 追溯山水画从“界画”和人物背景的附属地位，逐渐独立成为一门艺术的过程。重点解析顾恺之、陆探微等人的画风特点，以及荆浩、关仝在五代时期开创的北方山水画派的雄伟气势，奠定了后世山水画的格局。 第七章：宋代院体的精微与理性 宋代是中国绘画技艺发展的高峰。本章区分“院体”画派的严谨与“文人画”的写意。细致分析范宽的“势”、郭熙的“论画”，以及李唐、刘松年的“南宋院体”如何继承北宋的宏大叙事，同时融入南方的秀丽与细腻。重点探讨“皴法”的系统化与运用对山石形态表现力的提升。 第八章：元四家的写意精神——“逸笔草草，不求形似” 元代文人画家如黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙，将书法用笔融入绘画，极大提升了绘画的哲学高度。本章将阐释“文人画”的核心理念——“抒写胸臆”，分析倪瓒的“折笔”与黄公望的“披麻皴”如何成为个体精神的符号，而非单纯的景物描摹。 第九章：明清的流派纷呈与笔墨的创新 明代吴门画派（如沈周、文徵明）如何继承元代遗风，并发展出细润秀雅的风格。清代“四王”的集大成与复古，与石涛、八大山人“笔墨大胆，气象奇崛”的革新精神形成鲜明对比。本章将探讨笔墨在这一时期如何被推向极致的技法探讨与个性化表达。 第十章：花鸟画的“寓意”与“写实” 花鸟画不仅是描绘自然物象，更是托物言志的载体。从黄筌的工笔富贵，到徐熙的野逸洒脱，再到宋代院体对自然细致入微的观察，直至明清写意花鸟画对笔墨趣味的极致追求，本篇将梳理其审美趣味的转变，以及梅兰竹菊等“四君子”所代表的传统士大夫的道德象征。 --- 结语：艺术的永恒价值 本书力求以开阔的视野和严谨的梳理，展现中国传统书画艺术的博大精深。通过对笔法、结构、章法以及文化背景的深入解析，我们期望读者能够超越简单的技法模仿，体悟到“书画同源”的整体观，理解这份艺术形式如何成为中华民族文化自信的坚实基石，其价值与魅力，历经千年而不衰。

评分☆☆☆☆☆

这本书的文字功底非常扎实，读起来有一种沉浸式的体验。我尤其欣赏作者在讨论不同书体风格转换时的细腻观察。比如，当他从楷书过渡到行书时，那种对笔锋的提按、连带的处理，绝不是简单的速度加快或者笔画简化，而是内在精神气质的微妙转变。书中对于“韵味”的剖析，堪称一绝。它不是用一两个形容词敷衍过去，而是通过对古代大家作品中那些难以言喻的“动态”和“生命力”的精准捕捉和语言描述，让读者能够通过文字想象到笔尖在宣纸上运行的轨迹和力量感。这种描述能力，本身就是一种高超的文学艺术。我感觉自己好像被作者带着，穿梭于不同的历史时期，感受着不同时代文人墨客的心境。这种由内而外的学习引导，远比生硬的技巧灌输要有效得多。它教会我的，是如何用自己的眼睛去“看”书法，去感受线条背后的力量和温度，这才是真正的入门之道。

评分☆☆☆☆☆

从装帧设计到内容排版，这本书都透露着一种对阅读体验的尊重。纸张的选择和墨色的呈现，都力求还原出书法作品的质感，这对于一个视觉敏感的艺术学习者来说，是相当重要的加分项。但最让我欣赏的，还是它在“创新”与“传承”之间找到的那个平衡点。它并没有盲目地鼓吹对传统的颠覆，而是强调如何在深刻理解了前人精髓的基础上，寻找自我表达的可能性。书中的某些章节，甚至探讨了现代材料和现代审美思潮对书法的影响，这使得全书的内容既有深厚的历史底蕴，又充满了对未来的展望。它鼓励学习者保持开放的心态，用今天的眼光去重新审视那些经典的范本。这种兼容并包的胸襟，让这本书不仅仅是一本教学参考书，更像是一部关于当代书法审美哲学的思考录。它激发了我去探索自己的“书体语言”的渴望，而不是仅仅成为某个古人的影子。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排，非常注重递进式的学习体验。它不像某些教程那样上来就给你一套复杂的理论体系，而是采取了一种“问题导向”的叙事方式。开篇通常是提出一个学习者经常遇到的困惑，比如“为什么我写的字总觉得‘板’？”或者“如何避免‘匠气’？”然后，作者顺理成章地引出相应的理论和练习方法。这种对话式的结构，让读者在阅读时总能找到共鸣，仿佛作者就是那个最了解你瓶颈的人。特别是关于“临帖的层次”的讨论，作者将其细分为模仿、理解、内化三个阶段，并给出了针对每个阶段的练习侧重点。这对于我这种习惯于“一锅烩”式练习的人来说，无疑是极大的启发。它强调了“慢”的价值，告诉我们不要急于求成，要在一个阶段真正扎根后再向更高处迈进。这种循序渐进的引导，体现了作者对书法学习规律深刻的洞察，也让整本书的实用价值大大提升。

评分☆☆☆☆☆

这部书真是让人眼前一亮，特别是对于那些初学书法或者想找到新灵感的老手来说。我一直觉得书法学习的过程，很大程度上是与古人对话，去理解那些横平竖直背后蕴含的精气神。市面上很多教材往往只停留在“照着写”的层面，教你笔画的起收、结体的匀称，但很少有人能深入到“意境”的层面。这本书给我的感觉是，它试图打破这种纯粹的技法堆砌，而是从更宏观的美学视角去切入。比如，它对“气韵生动”的阐释，不是空泛的口号，而是结合具体范例，告诉你如何通过墨色的浓淡变化、线条的粗细对比来营造画面的张力。这对于我这种容易陷入细节纠结的练习者来说，无疑是醍醐灌顶。我尤其欣赏作者在讲解某个字形结构时，会穿插一些历史背景或者文化典故，这样一来，你写的就不仅仅是一个符号，而是在重现一段历史的审美趣味。读起来非常流畅，作者的叙述口吻既有学者的严谨，又不失引导者的亲和力，让人感觉像是听一位经验丰富的前辈在耳边细细点拨，而不是对着一本枯燥的说明书。这种将审美理论与实际操作紧密结合的方式，极大地提升了学习的趣味性和深度。

评分☆☆☆☆☆

我得说，这本书的编排思路非常新颖，完全跳出了传统书法教材那种板着面孔的教条主义。它更像是一场精心设计的书法“漫游”，引领读者去探索“美”的本质。很多学习者都有过这样的困惑：临摹了很多碑帖，但自己的作品总是“形似而神不似”。这本书似乎精准地捕捉到了这种痛点，它花了大量篇幅去探讨如何将个人的情感和理解融入到书写中去。我印象最深的是其中关于“空间处理”的章节，作者没有简单地教你字与字之间的间架结构，而是上升到“留白”和“气口”的哲学层面去解读。这种高屋建瓴的讲解，让我对“计白当黑”有了全新的认识。以前总觉得留白是写完后自然剩下的部分，现在才明白，优秀的留白是需要主动规划和经营的，它是构成整体美感不可或缺的一部分，甚至比墨迹本身更重要。这种对传统技法进行现代性解读的做法，非常符合当代审美对创新和个性表达的需求。阅读过程中，我忍不住停下来，反复琢磨那些配图，作者用非常清晰的图解和对比，将抽象的理论具象化了，极大地降低了理解门槛。