中国传统音乐理论述要田耀农人民音乐出版社正版教材课本音乐9787103045633 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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田耀农 著

图书标签:

• 中国传统音乐
• 音乐理论
• 田耀农
• 人民音乐出版社
• 教材
• 课本
• 音乐
• 9787103045633
• 民族音乐
• 高等教育

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103045633

商品编码：29684822054

页数：410

图书基本信息
书名：	中国传统音乐理论述要
丛书名：	高等院校音乐教师研究文丛
出版社：	人民音乐出版社
ISBN号：	9787103045633
出版年份：	2014年3月1日

版次：	第1版
总页数：	410页
开本：	1/32
图书定价：	51元
实际重量：	458g
新旧程度：	正版全新

 编辑《高等院校音乐教师研究文丛:中国传统音乐理论述要》指出西方音乐作为一个充分大的乐种，选取了七律作为其基本材料，以“八度七音列”的形式将其固定下来，这个音列也就称为西方音乐的自然音列。自然音列作为乐种个性的本源之一，对乐种有3个方面的服务与规范的意义。其一，乐种一般只使用自然音阶中的乐音以及由这些乐音所构成的音程材料；其二，自然音阶中各音间构成的音程关系限定了乐种的音乐语言组织和旋法模式；其三，自然音阶中的各音在具体作品中是作为音高使用的，需要用“调号”作明确规定，调号的作用也就是维护自然音阶的格式在各音高位置上的贯彻。中国传统音乐作为区别于西方音乐的一个充分大的乐种，其本质规定性之一就在于它选择了自己的“自然音阶”，并将这个自然音阶在各个音高位置上使用。 

目录绪论 第*单元 中国传统音乐美学理论 第*章 音乐的本质 第*节 音乐生于物使心动 一、心动与物动 二、人欲与天理 三、人乐与天乐 第二节 音乐生于度量，本于太 一、度量——音乐的本质在于数的比例和量的规定 二、太一——音乐的本质在于体现宇宙万物的结构状态和运行规律 第三节 音乐存在的方式 一、声——以主观方式存在的音乐 二、音——以客观方式存在的音乐 三、乐——有确定的内容、以综合性表演方式存在的音乐 第二章 音乐的形式和内容 第*节 德成而上 第二节 尽美尽善 第三节 放郑声 一、雅乐与俗乐 二、郑声的形式与内容 三、“放郑声”的原因 第四节 诗为乐心，声为乐体 一、音乐的“心”、“体”两个层面构成 二、音乐的“心”、“体”背离与统 三、听“声”容易听“心”难 第三章 音乐的审美 第*节 以和为美 一、儒家的“中和”之美 二、《吕氏春秋》的“适和”之美 三、阮籍的“平和”之美 四、周敦颐的“淡和”之美 第二节 大音希声 一、“大音希声”的本义所指 二、“大音希声”的阐释分歧 三、“大音希声”命题的发展轨迹 四、“大音希声”命题的现代阐释 第二单元 中国传统音乐表演理论 第*章 声乐表演理论 第*节 以“声”为旨趣的上古时期声乐技术理论 第二节 以“情”为旨趣的中古时期声乐技术理论 第三节 以“义”为审美旨趣的近古时期声乐技术理论 第二章 器乐表演理论 第*节 古琴是中国众多乐器的代表 一、古琴是使用历史悠久、历数千年从未中断的乐器 二、古琴主要是文人阶层使用、由文人雅士直接操演的乐器 三、古琴是雅俗共赏的乐器 第二节 融作曲与演奏为一体的古琴音乐创作 第三节 情感和意蕴是古琴演奏技术的高追求 一、古琴演奏与情感表达 二、古琴演奏与内容表现 三、古琴演奏中“韵”与“声”的关系 第三单元中国传统音乐乐律学理论 第*章 律学理论 第*节 标准音与黄钟音高 …… 第四单元 中国传统音乐记谱法理论 第五单元 中国传统音乐结构理论 

 《高等院校音乐教师研究文丛:中国传统音乐理论述要》提出：所谓调，就是一个充分大的乐种使用的自然音阶以及这个自然音阶所在的音高位置。一提起“自然音阶”人们总是习惯地把它和大音阶固定在一起，没有把它作为一种抽象的泛称。所谓“自然音阶”实际上是一个充分大的乐种在律的基础上对乐音材料所做的约定俗成式的选择。以采用十二律的乐种为例，这些乐种在具体的乐音作品中往往不会把十二律全部用上（十二音音乐例外），实际上大部分乐器也不可能奏全十二律，所以，通常总是从十二律中选出几律作为基本材料，构成由几个基本音程组成的音高关系，以“若干度若干音”的音列形式固定下来，这个音列便是一个充分大的乐种的“自然音阶”。  

音乐史的恢弘画卷：西方古典音乐精要导览 引言：探索西方音乐的辉煌传承 本书旨在为读者提供一部全面、深入的西方古典音乐史导览。从古老的希腊音乐萌芽，到巴洛克时期的繁复华丽，经由古典主义的典雅平衡，浪漫主义的激情迸发，直至二十世纪的多元探索与现代先锋实践，本书将带领读者穿越时空，领略西方音乐思想、风格流变与杰出作曲家群像。我们不拘泥于简单的年代罗列，而是着重于分析不同历史阶段的社会文化背景如何塑造了音乐的形态与内涵，探讨核心音乐概念的演变，以及技术革新对音乐表达的影响。 第一部分：源起与奠基——中世纪与文艺复兴的曙光 本部分聚焦于西方音乐的早期发展阶段，揭示西方音乐体系的根本性构建过程。 一、 古代遗产与教会的塑造力（中世纪前期） 首先回顾古希腊罗马音乐理论对后世的间接影响，特别是音阶（调式）概念的萌芽。随后，重点解析基督教的兴起如何将音乐纳入宗教仪式。格里高利圣咏的单音音乐特征、记谱法的初步尝试——纽姆（Neumes）的出现，是理解西方音乐从口头传承向书面记录转变的关键。我们将探讨中世纪早期对“旋律”这一核心要素的初步认知与规范化过程。 二、 复调的诞生与早期技法（中世纪盛期与晚期） 复调音乐的出现是西方音乐史上最重大的技术飞跃之一。本章详细阐述奥尔加农（Organum）的起源与发展，从平行四度/五度的简单构造，逐步发展到自由奥尔加农和经文歌（Motet）的复杂对位。巴黎圣母院乐派（如列奥南与佩罗坦）在节奏组织上的突破性贡献将作为核心案例进行剖析。同时，世俗音乐（如游吟诗人、游唱诗人）的角色及其与宗教音乐的相互影响也将被提及。 三、 人文主义的回响：文艺复兴的复苏与成熟 随着人文主义思潮的兴起，音乐创作开始将焦点转向人类情感的细腻表达。本部分探讨模仿复调（Imitative Polyphony）的完善，特别是在法兰克-佛兰德学派（如若斯坎·德普雷）的作品中达到的巅峰。我们深入分析弥撒曲与经文歌在结构上的精妙设计，以及对和声（初步的三度体系）的重视。此外，世俗音乐——特别是法国香颂（Chanson）和意大利假面歌（Frottola）的风格特点，展示了音乐如何开始脱离纯粹的宗教禁锢，转向更具娱乐性和情感深度的领域。 第二部分：巴洛克的激情与秩序——风格的确立 巴洛克时期（约1600-1750年）是西方音乐技巧和体裁大爆发的时代，确立了我们今天所熟知的许多音乐形式的基础。 一、 歌剧的诞生与情感的爆发 本章将追溯歌剧在佛罗伦萨“新艺术社”中如何作为对希腊悲剧的复兴而诞生。重点分析早期歌剧（如蒙泰威尔第的作品）中“宣叙调”（Recitative）与“咏叹调”（Aria）的功能区分，以及“巴洛克音乐美学”中“激情理论”（Doctrine of the Affections）的核心理念。 二、 协奏曲与奏鸣曲的框架 通奏低音（Basso Continuo）作为巴洛克音乐的骨架，其演奏构成与功能将详述。我们将解析大协奏曲（Concerto Grosso）与独奏协奏曲的结构差异，并讨论奏鸣曲体裁（室奏鸣曲与教堂奏鸣曲）的初步定型。对位法的精湛运用，尤其是在赋格曲（Fugue）这一体裁中的体现，将通过巴赫的典范作品进行细致的图解分析。 三、 德奥晚期巴洛克的集大成者 重点聚焦于巴赫与亨德尔两位巨匠。巴赫对复调技艺的极致整合与对调性系统的巩固，亨德尔在清唱剧（Oratorio）领域对戏剧性叙事的掌控，共同构成了巴洛克音乐的最后辉煌。 第三部分：古典主义的理性与完美——结构的典范 古典主义时期（约1750-1820年）追求清晰、平衡、对称的结构美学，对音乐形式进行了革命性的规范。 一、 奏鸣曲式与交响乐的诞生 本部分的核心是对奏鸣曲式（Sonata Form）的结构解构——呈示部、发展部、再现部的内在逻辑。这种结构思想被广泛应用于协奏曲、奏鸣曲和室内乐中，最终催生了交响乐（Symphony）这一宏大体裁。我们将分析海顿被誉为“交响乐之父”的原因，及其对四乐章结构的完善。 二、 莫扎特的精致与维也纳古典乐派 莫扎特音乐中天赋般的旋律性、歌唱性以及对不同乐器音色的驾驭能力将作为重点考察对象。通过对其歌剧（如《费加罗的婚礼》）中对人物心理刻画的分析，展示古典主义如何将戏剧性融入结构严谨的音乐之中。 三、 贝多芬：古典的终结与浪漫的先声 贝多芬的工作被视为承上启下的关键点。他继承了古典主义的体裁框架，但通过扩展奏鸣曲式，增加情感张力，并引入更具个人意志的表达，为即将到来的浪漫主义运动铺平了道路。 第四部分：浪漫主义的抒情与宏大——情感的无限释放 浪漫主义时期（约1820-1910年）是作曲家个人情感、想象力和民族精神全面爆发的时代。 一、 艺术歌曲与小型体裁的兴盛 舒伯特与舒曼在艺术歌曲（Lied）中的创新，展示了钢琴与人声如何共同构建一个完整的诗意世界。同时，性格小品（Character Pieces）如夜曲、即兴曲的流行，标志着对大型结构的反思与对瞬间情感捕捉的偏爱。 二、 标题音乐与大型管弦乐的扩张 本章探讨“标题音乐”（Program Music）的兴起，特别是李斯特开创的交响诗（Symphonic Poem）如何通过音乐描绘文学或绘画题材。乐队编制的空前扩大、和声的色彩化与不协和音的使用，以及对“主导动机”（Leitmotif）的早期运用，都反映了对既有音乐语汇的极大拓展。 三、 民族乐派与瓦格纳的综合艺术 探讨肖斯塔科维奇、德彪西等民族乐派作曲家如何将民间音乐元素融入古典传统，以表达独特的民族身份。而瓦格纳的“音乐戏剧”理念，对整体艺术（Gesamtkunstwerk）的追求，及其对和声功能性的颠覆性处理，构成了浪漫主义晚期最激进的变革。 第五部分：二十世纪的革命与多元探索 进入新世纪，传统的调性体系崩溃，音乐语言呈现出空前的多样性和实验性。 一、 印象主义与无调性音乐的突破 德彪西和拉威尔如何运用新的音色、和弦外音和模糊的结构来营造“印象”，标志着对德奥传统的一次优雅的“逃离”。紧接着，勋伯格在第二维也纳乐派中对调性系统的彻底抛弃，以及其后发展出的十二音体系（Dodecaphony），是理解现代音乐逻辑的关键。 二、 原始主义、新古典主义与电子音乐的开端 斯特拉文斯基在《春之祭》中展现的原始节奏力量，对欧洲音乐界产生了巨大冲击。同时，一部分作曲家（如保罗·兴德米特）转向“新古典主义”，试图在现代和声下恢复古典的清晰结构。最后，我们将简要介绍早期电子音乐与磁带音乐的出现，预示着音乐创作媒介的根本性转变。 结语：古典音乐的永恒价值 本书最后总结了西方古典音乐发展历程中体现出的永恒价值——结构之美、情感之深邃、以及对人类理性与精神世界的不断追问。通过对这些历史脉络的梳理，读者将能够以更具洞察力的视角去聆听和理解这些不朽的音乐遗产。

评分☆☆☆☆☆

这本书在理论体系的构建上，展现出了极高的学术严谨性和清晰的逻辑脉络。我之前接触过一些关于中国古代乐律学的资料，常常因为术语的晦涩和概念的跳跃而感到吃力，但在这本书里，作者似乎深谙初学者的困境，他把复杂的“五音”、“十二律”等核心概念，拆解得极为细致，每一步推导都有详实的论证和清晰的类比。我尤其喜欢他对比中西方音乐理论的章节，这种跨文化的视角，极大地拓宽了我的思路。他不是简单地罗列差异，而是深入探究了不同文化背景下，人们对“和谐”与“秩序”的不同理解是如何投射到音乐结构上的。这种深度的思辨，使得原本枯燥的理论学习变得充满了探索的乐趣。读到一些关于“中和之美”的论述时，我甚至停下来反复琢磨了很久，文字中蕴含的那种东方哲学思想的韵味，真是让人回味无穷。对于想要系统性掌握中国传统音乐精髓的人来说，这本书无疑是一份非常扎实的导航图。

评分☆☆☆☆☆

作为一名长期接触音乐实践的人，我一直在寻找一本能够有效连接理论与演奏的书籍。这本书在这方面做得非常出色，它没有仅仅停留在纸面上的描述，而是充满了对音乐“活态”的关注。书中对某些传统乐器的演奏技法、音色特点的描述，细致到几乎可以让人在脑海中“听”到那种独特的声音质感。比如，当他描述古琴的“徽位”和“指法”如何共同塑造出那种空灵悠远的意境时，我立刻联想到了自己演奏时遇到的困惑，书中提供的思路简直就是茅塞顿开。更让我惊喜的是，作者似乎非常注重非物质文化遗产的传承价值，他不仅讲解了理论的“是什么”，更探讨了“如何做”以及“为什么这样保留”。这种既有历史深度又有现实关怀的写作方式，让我感到这本书不仅仅是一本教材，更像是一份沉甸甸的文化责任的承载者。读完相关章节后，我立刻拿起乐器尝试，发现对音乐的处理方式真的有了微妙而积极的变化。

评分☆☆☆☆☆

从排版和注释的细致程度上看，出版方确实下了大功夫，这体现了对学术教材应有水准的尊重。每一章的末尾，都有一个精炼的“本章小结”，这个设计对于学习者梳理知识点简直太友好了，省去了我整理笔记的大量精力。更值得称赞的是，注释部分的处理非常得体，关键术语的英文或原文标注清晰明了，对于需要进一步深入研究的读者，提供了非常可靠的索引入口。另外，书中引用的乐谱示例，不管是手稿的摹写还是现代记谱法的转化，都清晰可辨，这对于分析乐曲结构至关重要。我对比了几本其他版本的相关书籍，这本书在图文的排布上，显得更为均衡和人性化，页边距的设计也考虑到了读者书写批注的需求。总的来说，这本书在内容深度和外在形式上都达到了一个很高的平衡点，让人感觉物超所值，是一本值得反复研读的案头必备书。

评分☆☆☆☆☆

这本书的阅读过程，对我而言更像是一场缓慢而富饶的文化之旅。作者的叙事风格非常雅致，遣词造句间透露着一种学者的内敛与从容，但绝非故作高深。他懂得在恰当的地方穿插一些鲜为人知的历史趣闻或者音乐家的轶事，这些小故事犹如旅途中的清泉，让紧凑的理论学习不至于过于疲惫。我记得有一段写到唐代燕乐的盛况，那种宫廷雅乐的宏大叙事与民间小调的生动活泼被巧妙地交织在一起，文字的画面感极强，仿佛能闻到盛唐的歌舞之风。这种将史料、人物与音乐理论巧妙融合的叙事技巧，极大地增强了阅读的趣味性和可读性。它成功地将一门看似高冷的学问，拉近到了普通爱好者的身边，让我体会到传统音乐背后那份深厚的、流淌着的民族记忆。这本书真正做到了“以文载道，以史证理”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，封面那种深沉的靛蓝色调，配上烫金的字体，一下子就抓住了我的目光，很有古典韵味又不失现代的精致感。我特地选了一个周末的午后，泡上一杯清茶，捧着它慢慢翻阅。首先映入眼帘的是序言部分，作者的行文流畅而富有情感，仿佛能感受到他对中国传统音乐那种深沉的热爱和敬畏。他并没有一上来就抛出艰涩的理论，而是用非常生活化的语言，引导我们进入一个古老而迷人的音乐世界。我特别欣赏他引用的那些古代文献片段，那些只言片语，经过他的梳理和阐释，立刻鲜活了起来，让我对音乐背后的文化意涵有了更深一层的理解。初读下来，最大的感受就是“沉浸”，那种被文字带着缓缓走进历史长河的感觉，非常舒服。而且，这本书的纸张质感也相当不错，拿在手里沉甸甸的，感觉很可靠，让人有种想要珍藏的冲动。整体来说，从视觉到触觉，这本书都提供了一种高品质的阅读体验，为接下来的深度学习打下了坚实的基础。