三重奏：为小提琴单簧管和钢琴而作杨立青上海音乐学院出版社9787806926758 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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杨立青 著

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• 三重奏
• 室内乐
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• 杨立青
• 上海音乐学院出版社
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出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787806926758

商品编码：29684822894

出版时间：2011-09-30

页数：27

图书基本信息
书名：	三重奏：为小提琴单簧管和钢琴而作
丛书名：
作者/主编：	杨立青
出版社：	上海音乐学院出版社
ISBN号：	9787806926758
出版年份：	2011年10月

版次：	第 1 版
总页数：	27页
开本：	16
图书定价：	32元
实际重量：	0.181kg
新旧程度：	正版全新

《三重奏:为小提琴、单簧管和钢琴而作》由上海音乐学院出版社出版。

杨立青，作曲家，教授、博士生导师，上海音乐学院前院长。先后毕业于沈阳音乐学院作曲系（本科）、上海音乐学院作曲指挥系（硕士研究生）及联邦德国汉诺威高等音乐学校（钢琴硕士、作曲博士研究生）。兼任中国音乐家协会理事、上海音乐家协会副主席和上海现代音乐学会副会长。
多年来从事音乐创作及现代作曲技法、管弦乐配器技法的研究。论著有《梅西安作曲法初探》、《管弦乐配器法教程》等，译著《二十世纪音乐的和声技法》。主要音乐作品有声乐套曲《唐诗四首》、交响叙事曲《乌江恨》、管弦乐《节日序曲》、二胡与乐队《荒漠暮色》等，多次公演于中国大陆、香港和地区及欧美等国，并入选法国里昂现代音乐节、日本横滨亚洲现代音乐节等重要音乐节。

《中国现代室内乐作品系列·三重奏：为小提琴、单簧管和钢琴而作》为小提琴、钢琴和单簧管而作的《三重奏》，以《三重奏：遥远的曲调》（Dedicatedto the Verdehr Trio：A Tune Far Away）为题为美国Verdehr三重奏团而作的委约作品。始作于2002年，后完稿于2009年，并于同年10月首演于上海音乐学院第二届当代音乐周。乐曲以传统的主题贯穿发展手法写成，但运用了核心主题素材“后置还原”的处理方式，像是对意想中远去了的歌调的朦胧回忆。

乐章的交织：一部关于室内乐演奏与创作的深度探索 本书深入剖析了室内乐这一精妙的音乐形式，聚焦于其在不同时期、不同文化背景下的发展脉络、演奏技法以及创作理念。我们旨在为音乐学研究者、演奏家和爱好者提供一个全面而细致的视角，去理解并欣赏这种需要高度默契与个体表达并存的艺术实践。 第一部分：室内乐的历史回响与风格演变 一、早期奏鸣曲与合奏的萌芽（巴洛克时期前夜） 本章首先追溯了室内乐的源头，探讨了文艺复兴晚期至巴洛克早期，如维也纳学派和意大利早期奏鸣曲（Sonata da chiesa, Sonata da camera）的结构特点。重点分析了对位法在早期多声部音乐中的应用，以及乐器组合的灵活性如何塑造了最初的“室内”交流模式。我们详细考察了室内乐如何从宫廷和教会的附属品，逐渐独立成为一种严肃的艺术表达形式。 二、巴洛克时期的室内乐典范 巴洛克时期是室内乐形式确立的关键阶段。本部分深入研究了三重奏奏鸣曲（Trio Sonata）的结构——通常由两件高音乐器、一件低音持续声部（如大提琴、维奥尔琴或巴松管）以及一件通奏低音乐器（如大键琴或琉特琴）构成。我们将分析科雷利、维瓦尔第等人的作品如何定义了这一体裁的规范，并着重探讨了通奏低音的即兴演奏技巧及其在音乐织体中所扮演的“粘合剂”角色。此外，巴赫的《音乐的奉献》作为室内乐的集大成之作，其复杂的对位结构和精妙的声部布局，将被置于专门的章节进行细致的解构分析。 三、古典主义的平衡与清晰 进入十八世纪中后期，室内乐迎来了结构上的革命。海顿、莫扎特和贝多芬奠定了弦乐四重奏乃至钢琴三重奏的“黄金标准”。本章着重探讨了奏鸣曲式在室内乐中的应用，分析了主题呈示、展开与再现如何服务于多声部对话。我们考察了海顿如何通过“对话式”的写作手法，赋予每个声部同等的叙事权利；莫扎特则如何通过旋律的纯净性与情感的微妙平衡，将室内乐推向新的高度。贝多芬的后期室内乐作品，特别是其对结构极限的探索和情感深度的挖掘，将被视为古典主义向浪漫主义过渡的标志性文献。 四、浪漫主义的抒情性与个体表达 浪漫主义时期的室内乐创作，强调情感的深度释放和个人主观体验的表达。舒伯特、舒曼、勃拉姆斯以及德沃夏克等作曲家，极大地扩展了室内乐的音色可能性和情感范围。本章关注以下几个方面： 1. 钢琴的角色转变： 钢琴如何从单纯的伴奏者，转变为与弦乐器进行平等甚至主导性对话的“独奏家”。 2. 民间音乐元素的融入： 探讨民族主义思潮如何影响室内乐的旋律和节奏。 3. 组曲与幻想曲的复兴： 分析传统体裁（如奏鸣曲、回旋曲）如何被更自由、更具叙事性的形式所挑战和丰富。 五、二十世纪的革新与多元化 二十世纪的室内乐领域呈现出前所未有的多样性。从德彪西和拉威尔的印象主义色彩，到勋伯格的十二音体系和序列主义，再到斯特拉文斯基的新古典主义回归，室内乐成为作曲家实验新观念的理想场所。本章将系统梳理重要流派，特别是分析了非传统乐器组合（如萨克斯风、打击乐器）在室内乐中的引入，以及空间性、音色（Timbre）在音乐结构中日益增强的重要性。 第二部分：演奏的艺术：技巧、诠释与合作 一、乐器间的化学反应：合奏的本质 成功的室内乐演奏，并非简单地将几位独奏家的技艺叠加，而是一个复杂的“声音化学反应”过程。本部分核心探讨了“默契”的构成要素： 1. 呼吸与律动（Tempo and Pulse）： 探讨如何在不依赖指挥的情况下，实现对音乐节奏和速度的共同感知和微调。 2. 音色匹配与平衡（Balance and Blend）： 分析不同乐器（如小提琴的穿透力与单簧管的圆润音色）如何在动态对比中达到和谐统一，避免任何声部被过度凸显或压制。 3. 乐句的对话性（Phrasing as Dialogue）： 如何在乐句的起承转合中，明确区分“提问者”与“应答者”的角色，使音乐成为一场持续的、有逻辑的对话。 二、诠释的挑战：文本与情感的张力 演奏家在面对同一部作品时，如何构建自己的诠释体系？本章强调了对原作文本的“考古式”研究： 历史演奏实践（Historically Informed Performance, HIP）： 分析十九世纪末至二十世纪初的演奏习惯（如运弓、揉弦频率、音准概念）对现代诠释的启发与反思。 记谱法的解读： 深入研究作曲家标记（如表情术语、力度记号）的歧义性，以及演奏者如何通过上下文进行合理的取舍和阐发。 情感的克制与释放： 探讨如何避免过度感伤，用精准的技术手段去传达深刻的情感内核，特别是对于勃拉姆斯这类强调“内在性”的作品。 三、排练的策略与高效合作 本章提供了针对室内乐排练的具体方法论： 分段技术（Sectional Work）： 如何高效地解决技术难题，避免在整体演奏中重复犯错。 听觉训练与反馈机制： 培养演奏者超越自身乐器声部，对整体声场进行实时监控和修正的能力。 明确角色分配： 在排练初期便确定清晰的音乐“领导者”或“引导者”，尤其是在处理复杂的对位段落时。 第三部分：创作视角：室内乐织体的构建 一、声部配置的逻辑 本章从作曲家的角度，探讨了特定乐器组合背后的声学和美学考量。为什么选择小提琴、单簧管和钢琴（或任何其他组合）？ 1. 音域的互补性： 分析弦乐（小提琴）、木管（单簧管）和键盘乐器（钢琴）在各自音域内的优势，以及如何巧妙地安排声部，避免高频的拥挤或中低频的混浊。 2. 音色对比的潜力： 探讨如何利用单簧管独特的圆润音色与小提琴的穿透力形成鲜明对比，以及钢琴的和弦色彩如何作为背景或支撑。 二、结构与对话的编排 室内乐的结构远比独奏作品复杂，因为它需要处理多重独立声部的互动关系。本章将重点分析以下创作技巧： 主题的分拆与重组： 一个核心动机如何在三个声部间流动、变异，甚至被拆解成碎片进行平行运动。 织体的密度控制： 如何通过增减声部数量、改变和声密度来控制音乐的张力，例如从密集的赋格段落过渡到稀疏的对位旋律。 钢琴作为“环境”的塑造： 钢琴如何通过琶音、分解和弦或固定音型，为上层两个旋律声部营造特定的“声学环境”或“情绪基调”。 三、现代作曲技法在室内乐中的体现 本部分考察了当代作曲家如何利用新的技术手段丰富室内乐的表现力。这包括对拓展技巧（Extended Techniques，如小提琴的琴码上演奏、单簧管的泛音与气息声）的系统梳理，以及如何将这些非常规音响融入到传统的结构框架中，使室内乐保持其生命力与前瞻性。 本书不仅是一部理论专著，更是一份对室内乐艺术最高境界的致敬，鼓励读者在理论学习、演奏实践和听觉体验中，不断发现并重塑这种亲密而复杂的音乐交流形式的无限可能。

评分☆☆☆☆☆

作为一名常年与古典音乐打交道的演奏者，我对于作品的演奏难度和技术挑战性有着非常直观的感受。这部作品对三位演奏者之间的默契程度提出了近乎苛刻的要求，这不是那种可以靠单独练习达到水准的曲目。在快板乐章中，我注意到那段要求小提琴和单簧管进行快速的、交错的十六分音符对答，要求两者的音准和时值控制必须达到毫厘不差的同步，任何一方的轻微延迟或颤抖都会立刻破坏掉那种如瑞士钟表般精准的律动感。而钢琴部分，尤其是一些涉及跨度较大的和弦分解和复杂的踏板运用，对踏板的控制要求极高，既要保证和声的连贯性，又要避免声音的浑浊，这需要演奏者对钢琴的音色控制有着炉火纯青的掌控力。因此，我敢断言，这首作品不仅仅是技术展示的舞台，更是一场对ensemble（合奏）艺术理解深度的终极考验，只有经过长期深入的合作与磨合，才能真正将谱面上的符号转化为富有生命力的音乐体验。

评分☆☆☆☆☆

这本乐谱的装帧设计给我留下了非常深刻的印象，封面采用了简约而富有艺术感的排版，黑白为主色调，中间点缀着一抹沉静的蓝色，仿佛预示着音乐中那种深邃而又多变的色彩。纸张的质地也令人称赞，厚实且富有纹理，翻阅时能感受到一种踏实的手感，这对于经常使用的乐谱来说至关重要，毕竟好的乐谱不仅要内容精良，外在的物理感受也不能妥协。内页的印刷清晰度极高，五线谱和所有的演奏标记都呈现得一丝不苟，即便是最复杂的和声进行和快速的十六分音符跑动，也能一眼看清，这极大地减少了排练时的阅读负担。尤其要提的是，不同声部的谱表之间的间距处理得恰到好处，小提琴和单簧管的旋律线条在钢琴的低音区上方交织时，既保持了各自的独立性，又能在视觉上感受到它们之间的紧密联系，这种精心考量的排版，无疑是出版方专业水准的体现，让我在面对这首室内乐作品时，能更专注于音乐本身的情感流动，而不是去对抗模糊不清的记谱。

评分☆☆☆☆☆

从整体结构上来看，这部作品的内在逻辑极其严密，它似乎遵循着某种古典的或者至少是清晰的建筑蓝图在进行。作品的开端并非那种突兀的宣言式进入，而是以一种缓慢的、递进的方式将听众引入到音乐的世界，像是走进一座宏伟建筑的序厅，先是被周围环境的氛围所包裹。随着乐章的推进，主题元素被不断地拆解、重组、变奏，但无论变化如何复杂，主导性的音乐动机始终潜藏在表面之下，如同地下的暗流，牵引着整体的走向。这种结构上的连贯性，使得听众在欣赏过程中，不会感到任何片段的松散或突兀，每一个乐句的出现都像是对前一个乐句的必然回应，或是对后一个乐句的必要铺垫。这种有机的、生长式的结构安排，充分展示了作者在宏大叙事和微观细节把握上的双重功力，让这部作品具有了可以反复聆听并从中挖掘出新意的持久魅力。

评分☆☆☆☆☆

初次接触这首作品的乐思时，我立刻被它在不同乐器间那种巧妙的“对话”方式所吸引。它绝非简单的三声部叠加，更像是一场精心编排的哲学辩论，小提琴以其穿透力强、富有歌唱性的音色，往往承担着提出核心论点或情感主线的角色，其旋律线流畅却不乏内敛的张力。而单簧管则像是深思熟虑的辩者，它的音色温暖而富有木质的颗粒感，经常以一种略带诙谐或沉思的方式回应小提琴的陈述，时而模仿，时而对位，创造出极为丰富的织体变化。最绝妙的是钢琴的介入，它不仅仅是提供和声背景，它更像是主持这场对话的舞台，时而用强劲的琶音推动节奏的紧张感，时而用分散的和弦营造出空灵的氛围。这种乐器间的动态平衡和角色转换，使得整部作品的叙事性极强，即使闭上眼睛聆听，也能清晰地“看”到乐思是如何一步步被建构和解构的，其复杂程度和精妙程度，远超一般意义上的三重奏。

评分☆☆☆☆☆

我特别喜欢这部作品中那些“呼吸点”的设置，那些看似不经意的休止符和长音的处理，往往蕴含着作曲家对于音乐节奏的独特理解。在慢板乐章中，有一个段落，旋律线进行到高潮之后，突然被一个极长的休止符打断，所有的乐器仿佛都在瞬间凝固，空气中似乎还残留着上一个音符的振动余音，接着，由钢琴以极弱的力度引入一个全新的、带有忧郁色彩的主题。这种处理方式，极大地拓展了音乐的时间感和空间感，它教会了我们，音乐的力量不仅在于“发出声音”的瞬间，更在于“声音消失”之后的寂静之中所蕴含的张力。这种对“沉默”的艺术化运用，体现了作者深厚的音乐修养，它超越了单纯炫技的层面，直抵音乐最本质的情感表达——那种无以言说的、潜藏在心底的复杂情绪。这种细致入微的处理，是真正伟大的室内乐作品所共有的特质。