{RT}李东田作品集:Ⅱ-李东田著 北京美术摄影出版社 9787805015491 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

李东田著 著

图书标签:

• 李东田
• 摄影
• 艺术
• 作品集
• 北京美术摄影出版社
• 9787805015491
• 摄影集
• 中国摄影
• 美术出版
• 摄影作品

店铺： 华裕京通图书专营店

出版社： 北京美术摄影出版社

ISBN：9787805015491

商品编码：29752120378

包装：精装

出版时间：2013-10-01

图书基本信息
图书名称	李东田作品集:Ⅱ	作者	李东田著
定价	650.00元	出版社	北京美术摄影出版社
ISBN	9787805015491	出版日期	2013-10-01
字数		页码
版次	1	装帧	精装

内容简介

1. 李冰冰、章子怡等众多时尚名流经典妆发造型欣赏 2. 李东田先生多年匠心艺术的展示与回顾专辑 3. 大开本精美装订展示前沿时尚魅力 4. 多角度全方位诠释和分享东田造型美学理念 《李东田作品集Ⅱ》是东田造型公开发行的*造型师李东田先生的作品合辑，是近年行业扛鼎之作，也是东田造型倾力打造的力作，旨在通过对李东田先生多年匠心艺术的展示与回顾，诠释和分享东田造型美学理念，以“东田视角”见证行业的发展脉络和潮流趋势，在大师的作品中感悟时尚的前沿魅力。

作者简介

李东田，身为*造型师，德国哈苏公司高级客座讲师。世界姿生堂SHISEIDO的首席彩妆顾问,自1991年正式进入中国时尚圈以来，以其对国际流行元素的敏锐感觉和把握，多年来始终走在潮流前列，执掌造型界牛耳，左右时尚走向。其作品在时尚界非常响亮。

目录

精彩内容敬请期待

编辑推荐

在中国造型界，李东田的影响力不容置疑。他那招牌式的阳光笑容后，是舍我其谁的自信与大气。是他，改变了中国影视剧中浓墨重彩带有话剧气质的化妆方式，改为一种更贴近生活，又传神细腻的化妆手法；是他，发现了国际超级名模吕燕，推动了中国名模造型与国际接轨。他与近20年中国几乎所有的一线明星都合作过。他是中国时尚发展的见证者、参与者、推动者。他创造了一个行业，他获得了至高无上的封号——中国彩妆教父。 距离、空间、底蕴、灵犀、性格、纯色、气质、沉淀、格调、激情、纯美、品位、性感、坚持、冷漠、风尚、包容、洞察、本色、主流——徜徉于《李东田作品集》之中的时尚关键词……一同期待，一同感悟。

文摘

序言

精彩内容敬请期待

视觉的盛宴与思辨的疆域：当代艺术与设计文集 本书汇集了一批在视觉艺术、设计理论、文化批评领域具有深远影响力的学者的精粹篇章。它并非聚焦于某一特定艺术家的个人创作历程，而是以更宏大的视野，审视和剖析了二十世纪下半叶至今，全球范围内艺术与设计思潮的演变、技术革新对视觉语言的重塑，以及文化语境如何形塑我们的审美体验。 本书的结构精巧，分为“图像的解构与重建”、“设计的哲学转向”、“媒介的边界与拓展”以及“当代艺术的社会学解读”四个主要部分，旨在提供一个多维度的知识框架，供研究者、创作者和所有对视觉文化抱有热忱的读者深入探索。 --- 第一部分：图像的解构与重建 本部分深入探讨了“观看”这一行为本身的复杂性，并分析了当代艺术如何挑战我们对真实与表象的既有认知。 “符号学的迷宫：从波德莱尔到赛博空间” 一文，细致梳理了视觉符号在不同历史阶段的能指与所指关系。作者通过对比十九世纪巴黎的都市景象描绘与当代社交媒体上信息流的碎片化表达，揭示了图像效率最大化的趋势，以及随之而来的意义稀释现象。文章特别关注了“超真实”（Hyperreality）在数字图像中的体现，即图像不再是对现实的模仿，而是成为了比现实更具影响力的存在。 紧随其后的是对“后摄影时代的面孔”的探讨。在人脸识别技术日益普及的今天，摄影的“在场证明”功能已被彻底颠覆。本章不再关注摄影器材的演进，而是聚焦于肖像艺术如何从记录转向了身份的建构与解构。通过分析当代艺术家对数字自拍、深度伪造（Deepfake）的挪用与批判，作者提出了一个深刻的问题：当面孔可以被无限编辑和复制时，我们如何定义个体的“真实肖像”？ 此外，本部分还收录了对“当代装置艺术中的时间性”的研究。与传统绘画或雕塑不同，装置艺术往往依赖于空间、观众的移动轨迹以及作品的物质衰变来完成其意义的表达。文章通过对多位国际知名艺术家的现场作品分析，阐释了艺术家如何通过操纵时间（如慢镜头、循环播放、或不可逆的腐蚀过程）来介入观众的经验，从而使作品成为一种“时间事件”而非静止的物体。 --- 第二部分：设计的哲学转向 设计领域已不再仅仅关乎功能性和美学包装，它已然成为一种解决复杂社会问题的工具和一种批判现有结构的哲学立场。 “从功能主义到体验经济：设计伦理的重塑” 是本部分的核心篇章。文章批判性地回顾了包豪斯以来设计对“形式追随功能”的执着，指出在消费主义的驱动下，许多设计沦为了刺激欲望的帮凶。随后，它转向了当代设计思潮中对“慢设计”（Slow Design）、“可持续设计”和“共创设计”（Co-creation）的强调。作者认为，真正的设计价值体现在其对用户生命周期的影响，而非单次交易的满足感。 另一个重要的论述集中在“界面（UI/UX）中的权力结构”。屏幕和交互界面是当代人接触信息的主要门户，但其背后的算法和设计决策隐藏着巨大的权力不对等。本章深入剖析了“暗模式”（Dark Patterns）——那些诱导用户做出非预期行为的界面技巧——并探讨了设计师在维护用户自主权方面的责任。这部分内容为那些希望将设计视为一种社会干预手段的设计师提供了坚实的理论基础。 “字体排印学的社会基因” 则提供了一个独特的视角，探讨了字母形态的选择如何潜移默化地影响信息的接受度与权威性。从黑体字的历史语境到无衬线体在数字环境中的统治地位，文章揭示了字体选择背后的文化偏好与意识形态倾向。 --- 第三部分：媒介的边界与拓展 科技的进步不断模糊着传统艺术门类的界限。本部分关注新媒介的崛起及其对艺术创作范式的冲击。 “算法叙事：生成艺术的本体论困境” 仔细考察了人工智能在艺术创作中的角色。它不仅仅是工具，更日益成为一个“合作者”。文章的核心辩论在于：当一个AI模型能够生成风格统一、技术精湛的视觉作品时，我们该如何界定“作者身份”？作者提出了对“生成性”（Generativity）的新理解，即艺术家的工作从“创造”转向了“策展与训练”数据模型。 “虚拟现实（VR）中的身体性与在场感” 探讨了沉浸式技术对传统剧场和展览空间构成的挑战。虚拟环境提供了一种前所未有的感官渗透，但同时也带来了“疏离感”的风险。本章分析了艺术家如何利用VR/AR技术来探讨身体的缺席与重构，尤其是在探讨身体政治和残障议题时，虚拟空间提供了新的表达维度。 此外，“声音景观与寂静的政治” 一文将焦点从视觉转向听觉。它分析了城市噪音污染、环境声音艺术（Sound Art）以及音乐在当代艺术中的运用，强调了声音作为一种非视觉的、更具侵入性的媒介，在构建社会氛围和表达政治诉求方面的潜力。 --- 第四部分：当代艺术的社会学解读 艺术从来都不是真空中的产物，它深深植根于其所处的经济、政治和社会结构之中。 “全球化背景下的艺术品市场与价值泡沫” 采用经济学和社会学的交叉视角，分析了当代艺术品如何从文化载体转变为全球金融资产。文章揭示了画廊系统、双年展机制以及艺术品投资顾问在构建天价艺术品价值链中的作用，并对“蓝筹艺术家”现象进行了批判性审视。 “博物馆的公共性危机与策展的立场” 探讨了大型文化机构在后殖民语境下面临的身份重塑压力。博物馆不再是中立的知识保管者，而是需要积极应对其馆藏的历史遗留问题（如殖民掠夺）以及如何构建更具包容性的叙事。本章重点分析了批判性策展（Critical Curating）的实践，即策展人如何通过展览设计来挑战既定的历史观。 最后，“青年亚文化的视觉渗透与主流挪用” 聚焦于街头艺术、模因（Memes）和网络迷因等非主流视觉语言如何被商业设计和高端艺术界迅速吸收和再生产的过程。文章探讨了这种快速的文化资本流动如何消解了亚文化最初的反叛精神，并对“原创性”的定义提出了挑战。 --- 总结而言，本书提供了一套严谨且充满洞察力的分析工具，用以理解我们所处的这个视觉爆炸的时代。它鼓励读者超越单纯的审美愉悦，深入探究图像背后的权力、技术与文化代码，从而在纷繁复杂的视觉世界中，建立起清晰而批判性的认知框架。

评分☆☆☆☆☆

这本新淘到的画册，拿到手沉甸甸的，光是装帧就透着一股子老派艺术家的讲究劲儿。封面设计简约却不失韵味，黑白影调的处理尤其抓人眼球，让人迫不及待想翻开看看里面的世界。我一直对那种将传统意象和现代视角结合得恰到好处的艺术家抱有极大的兴趣，总觉得他们能捕捉到时代变迁中最微妙的诗意。内页的纸张质感非常棒，即便是大幅面的作品，色彩的过渡也显得非常细腻、富有层次感，这对于欣赏绘画作品来说太重要了，直接影响了观感的沉浸度。尤其是那些早期的人体速写和风景写生，线条里充满了生命力和激情，能清晰地看到艺术家是如何一步步打磨自己的观察力和表现力的。翻阅的过程中，我仿佛能听到他作画时的笔触声，那种对材料的敬畏和对瞬间的捕捉，确实是值得反复揣摩的范本。

评分☆☆☆☆☆

作为一本摄影艺术集，它的排版布局和文字注释的严谨程度也值得称道。那些配在作品旁的简短文字，并非冗长的解读，而是像一把精准的钥匙，恰到好处地打开了理解作品的侧门。尤其是那些黑白摄影作品，颗粒感和层次的把控简直是教科书级别的。在数码时代，我们很容易遗忘胶片时代那种光与影的颗粒是如何共同构成叙事的。这本画册在还原这些细节上做得非常出色，每一张照片都仿佛能听到快门“咔嚓”一声定格时间的声音。它提醒着我，技术永远是为表达服务的，但当技术被运用到极致时，它本身也会成为一种动人的美学。这本书不仅是艺术作品的展示，更是一堂关于视觉语言的综合课程。

评分☆☆☆☆☆

说实话，这本书对我个人创作思路的启发，远超乎我预期的收获。我之前在处理一些复杂叙事场景时，总感觉画面信息量过载，显得冗杂而缺乏焦点。而这本书中后期的抽象表现主义作品，则提供了一种“减法”的艺术。他如何用最少的笔触去暗示最丰富的情感和空间，这门学问实在高深。观察那些大幅油画作品的局部特写，那些厚涂的肌理感、颜料的堆叠方式，简直就是一本立体的“材料使用说明书”。我特别喜欢他处理的那些“留白”区域，与其说是空白，不如说是被赋予了呼吸的空间，让观看者自己的想象力得以参与到作品的完成过程中。这是一种非常成熟且自信的艺术表达方式，不试图取悦任何人，只忠于自己内心的律动。

评分☆☆☆☆☆

最近在整理书架时，无意间又翻出了这本装帧古朴的图集，这次细看，感受又多了几分沉淀。比起初次翻阅时的惊艳，现在更注重的是其中那些看似随性实则处处精妙的构图逻辑。艺术家的构图常常是打破常规的，他似乎总能找到一个非中心化的焦点，却又能巧妙地引导读者的视线在画面中游走，最终回归到核心的情感表达上。特别是那几幅关于都市夜景的系列作品，光影的对比极其强烈，高饱和度的色彩堆叠在一起，却又和谐得像一首都市的交响乐，没有丝毫的喧宾夺主。这已经超越了单纯的“记录”层面，更像是一种对存在状态的哲学式提问。我试着模仿其中一幅小品的布景和用光，才发现其中隐藏的数学般精确的几何关系，真是令人叹服。

评分☆☆☆☆☆

这本选集收录的作品跨度相当大，时间线索非常清晰，能明显看出艺术家在不同人生阶段，心境上的巨大变化是如何投射到画布上的。早期的写实功底毋庸置疑，线条的精准和对光影的捕捉达到了学院派的顶尖水准。但真正让我感到震撼的是，当他开始转向更为内省和观念性的表达时，所展现出的那种挣脱既有框架的勇气。比如那些将传统水墨的韵味融入到版画创作中的尝试，不同媒介之间的碰撞，产生的化学反应极其迷人。这让我反思，艺术的精髓或许不在于掌握多少技巧，而在于能否持续地、真诚地与自己对话，并找到最适合传达这份对话的“语言”。这本书的价值就在于，它完整地展示了这种对话的轨迹。