马革顺合唱学新编 (中英文版) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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马革顺 著

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出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552303858

商品编码：1094848296

出版时间：2013-12-01

作  者:马革顺 著作 定  价:128 出 版 社:上海音乐出版社 出版日期:2013年12月01日 页  数:489 装  帧:精装 ISBN:9787552303858 ●序
●自序
●引言
● 合唱的组织与种类
●合唱的声部――混声合唱的写作手法――音层式混声
●合唱的声部分配――合唱的记谱
●第二章 协调
●协调的三种因素：音量、音色、音准――听觉和内在
●感觉――必须相互取得统一的几个方面――合唱队形
●第三章 均衡
●合唱中担负各项不同任务的声部种类――各类声部在
●音量和音色上的要求――合唱组织中各声部的特性及
●作用――各类人声在合唱声部中的安排――不同合唱
●作品的均衡
●第四章 谐和
●艺术表现中的音准、音高――部分谐和――总的谐和
●――求得合理的谐和
●第五章 色调
●色调的三种因素：音量、音色、速度――逻辑重音、
●乐汇与整个作品的着色工作――依据音乐的一般规
●部分目录

内容简介

《马革顺合唱学新编(附光盘中英文版)(精)》在我社原有产品基础上，在文字上根据香港版进行修订，并加入全英文版。呈现一份近期新中英文对照版本。DVD内容为上海电视台“名家时间·往事栏目”纪录片《生命因你而动听》。马革顺是我国合唱指挥泰斗。上海音乐学院教授。今年正值马先生诞辰100周年、中国合唱100周年。 

《和声学基础与应用：巴赫到印象派的音乐语言探析》 内容简介 本书旨在为音乐学习者、专业人士以及对西方音乐理论有浓厚兴趣的读者，提供一套系统、深入且兼具历史视野的和声学知识体系。我们聚焦于分析自巴洛克晚期至20世纪初，西方音乐和声语言的演变脉络、核心原则及其在不同风格时期的具体实践。全书结构严谨，内容覆盖了从基础的声部进行规则到复杂的调性外和声处理，力求在理论阐述的深度与实际音乐作品的联系之间找到最佳平衡点。 第一部分：古典调性体系的构建与规范（1600-1820） 本部分从调性和声的基石开始，详细剖析了建立在大、小调体系之上的和声法则。 第一章：音高、音程与三和弦的构建 首先，我们回顾了西方十二平均律的基础框架，并深入探讨了纯律与平均律在和声构建上的差异性影响。重点在于精确界定各类三和弦（大、小、增、减）的声学特性和功能。我们使用听觉训练与视觉图示相结合的方式，帮助读者建立对和弦色彩的直观感知。 第二章：功能和声的运作机制 本章是理解古典时期音乐语言的核心。我们详细阐述了主、属、下属三和弦（T、D、S）的三大基本功能，以及它们在建立乐段、乐章的终止式中所扮演的角色。通过对“和弦的连接”和“声部进行”的精细分析，阐明了如何通过正确的声部进行（如解决导音、处理平行五/八度、保持声部进行平稳性）来确保和声逻辑的清晰和流畅。针对四部和声的写作规范，如高音部、内声部（中音、次中音）的音域限制和独立性，提供了详尽的范例和练习。 第三章：七和弦与延伸和声 七和弦被视为功能和声的深化。本章集中探讨了属七和弦（D7）的强解决倾向及其在和声转折中的关键作用。同时，我们引入了下属九和弦（S9）、导七和弦（vii°7）等次要功能和弦，并深入分析了它们如何丰富了古典乐派（如海顿、莫扎特）的音乐织体，使其在保持调性框架稳定的前提下，实现色彩的细微变化。 第四章：调性转换（转调）的艺术 转调是拓展音乐空间的关键技术。本书详细区分了平行调转调（如C大调转a小调）与关系调转调（如C大调转G大调）的常用手法。我们重点分析了“共同音和弦”、“半音连接和弦”等作为转调桥梁的和弦，并结合莫扎特奏鸣曲乐章的实例，展示了如何在不破坏听觉连贯性的前提下，实现流畅且富于逻辑的调性转换。 第二部分：浪漫主义的扩张与和声的复杂化（1820-1900） 浪漫主义时期，作曲家们开始挑战古典和声的边界，追求更丰富的情感表达和更广阔的和声色彩。 第五章：副属和弦与和声的色彩化 本章深入探讨了“副属和弦”（Secondary Dominants）的应用，这是浪漫主义和声的标志性特征之一。通过分析肖邦、舒曼的作品，我们揭示了如何利用D/V、D/IV等和弦暂时性地“导向”非主功能和弦，从而极大地增强了音乐的进行感和色彩对比度。此外，我们也讨论了增六和弦（意大利式、德意志式、法国式）在制造紧张感和导向属和弦方面的独特功能。 第六章：半音化和弦与调性模糊 随着浪漫主义的发展，和声的半音化程度日益加深，导致调性中心的模糊化。本章聚焦于瓦格纳、李斯特等作曲家对半音化和弦的大胆运用。特别是对“三全音替代”（Tritone Substitution）的早期形式进行了探讨，分析了这些和弦如何在结构上保持了功能上的联系，但在听觉上却营造出强烈的暧昧感和不确定性。 第七章：和声的“非功能化”倾向 进入晚期浪漫主义，和声的逻辑开始从严格的功能性转向纯粹的色彩性。本章分析了和弦的“悬置”现象，即和弦的解决被推迟或完全避免。通过对布鲁克纳和马勒管弦乐作品的分析，我们理解了和弦如何被用于构建宏大的音响结构，其意义超越了传统的终止式功能。 第三部分：印象主义与调性边缘的和声探索（1890-1920） 本部分转向印象派作曲家（如德彪西、拉威尔）对传统和声的彻底颠覆，标志着西方音乐和声进入了新的纪元。 第八章：平行和声与调性的解构 印象派作曲家最引人注目的手法之一是平行和声（Parallel Harmony），也称为“自由和声进行”。本章详细分析了平行五度、平行七和弦的合法化，以及它们如何打破了传统声部进行必须遵循的规则。我们探讨了这种手法如何创造出一种“漂浮的”听觉体验，将和弦的垂直维度（色彩）置于水平维度（功能）之上。 第九章：五声音阶与全音阶的和声应用 德彪西大量借鉴了东方音乐和中世纪音乐的元素。本章专门分析了五声音阶（Pentatonic Scale）和全音阶（Whole-Tone Scale）在和声构建中的作用。这些音阶缺乏半音之间的强导向性，使得其构成的和弦（如全音阶七和弦）拥有独特的、非传统的色彩，有效避免了传统调性色彩的束缚。 第十章：和弦的非功能性色彩化 印象派和声的终极目标是色彩的描绘。本章探讨了和弦的“增殖”现象，例如九和弦、十一和弦、十三和弦的大量使用，以及这些和弦中常常被保留的、但在传统上被视为“不协和”的音程（如大二度、小二度）。我们分析了德彪西如何利用和弦的内部张力，而非功能解决，来推动音乐的进行。 总结与展望 全书最后部分对所学知识进行了梳理，并简要展望了20世纪初的音乐和声，包括十二音体系的出现对传统和声的挑战，为读者理解从调性到无调性的过渡提供了必要的理论背景。本书强调，理论是理解音乐语言的工具，而非限制。真正的艺术实践，在于理解规则之后，如何有意识地运用、甚至超越这些规则，以达到最佳的表达效果。 本书特色： 体系完整性： 覆盖从巴洛克晚期到印象派约300年的和声发展脉络。 实例丰富性： 理论均结合德奥、法兰西等主要流派的经典作品进行解析。 注重听觉训练： 强调理论与实际听觉感受的结合，提升读者的音乐感知力。 术语精确性： 采用严谨的音乐学术语，确保专业性和准确性。

评分☆☆☆☆☆

评价三： 这本书的排版和结构设计简直是教科书级别的典范！我以前买过不少音乐理论书，很多都因为图文混排混乱或者专业术语堆砌过多而让人望而生畏。但《马革顺合唱学新编》采用了清晰的逻辑脉络，从基础的视唱练耳到高级的和声配置，每一步都铺垫得恰到好处，确保读者能够平稳过渡。我是一名音乐教育专业学生，在使用这本书进行课程准备时，发现它提供的练习素材非常丰富且具有针对性。尤其是关于如何训练非音乐专业背景的合唱团员，书中给出的具体练习方法和心理建设指导，非常接地气。它没有故作高深，而是脚踏实地地解决教学实践中的痛点。那种感觉就像身边坐着一位经验丰富的导师，随时准备为你答疑解惑。这本书的价值，在于它能真正地将“理论”转化为“可操作的实践”，这在同类书籍中是极其难得的品质。

评分☆☆☆☆☆

评价一： 这本书简直是音乐学习者的一盏明灯！我刚接触合唱指挥没多久，市面上那些教材要么过于理论化，要么就是零散的片段，让人摸不着头脑。但《马革顺合唱学新编》真的不一样，它以一种非常系统和实用的方式，将合唱艺术的精髓娓娓道来。马革顺先生的编著功力深厚，不仅仅停留在基础的声部组合上，更深入探讨了如何通过指挥的肢体语言去引导情感的流动，如何处理不同声部间的平衡与张力。我尤其欣赏其中对于曲目分析的细致入微，它不是简单地告诉你“应该怎么唱”，而是告诉你“为什么这样唱会更好听”。书中对于呼吸控制和气息运用的讲解，对于我这种初学者来说，简直是醍醐灌顶，让我对合唱的“精气神”有了全新的认识。读完第一部分，我感觉自己对合唱的理解已经上升到了一个更高的维度，不再是机械地数拍子，而是真正开始体会音乐的呼吸。这绝对是一本值得反复研读的经典之作，强烈推荐给所有对合唱艺术有追求的同仁们。

评分☆☆☆☆☆

评价五： 说实话，我最初是被这本书的“新编”二字吸引的，因为传统合唱理论更新速度较慢，我希望能找到一本跟得上时代步伐的教材。这本书绝对没有让我失望。它不仅扎实地继承了合唱艺术的百年精华，更融入了许多近现代的合唱作品的编配特点和演唱理念。特别是关于现代合唱技巧，如节奏的复杂性处理、非传统发声法（如气声、嘶哑音的恰当运用）的探讨，都体现了作者与时俱进的视野。对于处理当代作曲家的作品，这本书提供的分析框架非常有力，帮助我们避免陷入旧有思维定势。阅读过程中，我感到作者的激情和对合唱艺术的无限热爱，这种情感是能够穿透纸张，感染读者的。它不是一本冷冰冰的工具书，而是一部充满生命力的音乐文献，值得每一位致力于推动合唱艺术发展的音乐人珍藏。

评分☆☆☆☆☆

评价二： 作为一名资深的合唱团成员，我一直渴望找到一本既能提高演唱技巧，又能深化对合唱文化理解的书籍。这本书完美地满足了我的期待。它的中英文对照版本设计得非常人性化，方便了不同语言背景的音乐人进行交流和学习。书中对合唱历史上一些关键流派和风格的梳理，展现了作者广博的学识。我特别喜欢它对不同时期合唱作品处理手法的对比分析，这让我在排练时能更精准地把握作曲家的意图。例如，书中对巴洛克时期清唱剧与浪漫主义时期弥撒曲在力度和情感处理上的差异阐述得极其精辟，这些都是在一般教材中难以获得的深度见解。读这本书的过程，与其说是学习，不如说是一次精神上的朝圣之旅，它引导我们去探索声音背后的文化和历史的重量。这本书绝对是工具书与思想启迪的完美结合体，让我的合唱生涯受益匪浅。

评分☆☆☆☆☆

评价四： 我一直对如何构建一个富有层次感和穿透力的合唱音响抱有极大的兴趣，这本书在这方面提供的洞见让我茅塞顿开。它对于“音准”的探讨，远超出了简单的半音校对，而是上升到了对泛音列的理解和对空间声学的考量。书中关于如何利用不同音区歌手的气息特点来“塑形”合唱团声音的章节，我反复阅读了好几遍。作者似乎有一种魔力，能将抽象的声音概念具象化，通过精确的文字描述，让人仿佛能“听见”书中的每一个例子。更让我惊喜的是，它还涉及到了录音技术对合唱声学的影响，这对于当今这个需要大量线上排练和录音制作的时代来说，显得尤为前瞻和实用。这本书不仅仅是教你唱歌，更是在教你如何用耳朵去“建造”声音的艺术品，拓宽了我对“好听”的定义边界。