正版音乐欣赏教程王伟仁人民音乐出版社中小学音乐教师丛书9787103012536 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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王伟仁，王顺通 著

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• 王伟仁
• 人民音乐出版社
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• 9787103012536

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出版社： 人民音乐出版社 ?

ISBN：9787103012536

商品编码：29684821918

图书基本信息
书名：	音乐欣赏教程
丛书名：	中小学音乐教师丛书
作者/主编：	王伟仁  王顺通
出版社：	人民音乐出版社
ISBN号：	9787103012536
出版年份：	1995年

版次：	第1版
总页数：	644页
开本：	1/32
图书定价：	56.00元
实际重量：	572g
新旧程度：	正版全新

题词 序言 中国音乐部分 第*章 中国民族间音乐 第*节　民歌一、概述（一）民歌的产生和发展（二）民歌的一般特点（三）民歌是民族音乐的基础（四）民歌的体裁分类二、号子（一）号子的音乐特点（二）号子音乐欣赏曲目黄河打硪号子（山东）春米号子（安徽）哈腰挂（东北）澧水船夫号子（湖南）三、山歌（一）山歌的音乐特点（二）山歌音乐欣赏曲目脚夫调（陕北）当红军的哥哥回来了（陕北） 红区干部好作风（江西）槐花几时开（四川）放马山歌（云南）四、小调（一）小调的音乐特点（二）小调音乐欣赏曲目绣荷包（山西）沂蒙山小调（山东）放风筝（河北）茉莉花（江苏）孟姜女（江苏）五、儿歌（一）儿歌的音乐特点（二）儿歌音乐欣赏曲目对花（天津）花蛤蟆（山东）站岗放哨歌（河北）六、少数民族民歌（一）蒙古族民歌——“长调”的音乐特点及欣赏曲目……第二章 中国近现代音乐 外国音乐部分 第*章 欧洲音乐发展概况 第二章 声乐 第三章 器乐 第四章 歌剧 舞剧 附：本书音乐用语及名词简释 后记  

掌握相当数量的中外古今音乐作品熟悉并背诵，还能作一般意义的分析和正确的理解，是一个合格的中学音乐教师应的修养之一，本书对中外音乐提供了作品介绍分析材料，还介绍了中外音乐史，中国民族音乐，音乐体裁和曲式以及其它的一些有关的音乐知识，本书深入浅出，内容丰富，是一本很好的音乐教材。 

《聆听的艺术：西方音乐史与鉴赏入门》 作者： 李明 著 出版社： 艺术之光出版社 出版时间： 2023年10月 ISBN： 978-7-80987-654-3 --- 内容提要 本书旨在为音乐爱好者、初学者以及对西方音乐文化感兴趣的读者提供一套系统而又引人入胜的音乐欣赏入门指南。它并非一部枯燥的学术专著，而是将宏大的西方音乐史脉络与具体、可感的音乐作品分析相结合，致力于搭建起听者与古典音乐世界之间的桥梁。全书共分八个主要篇章，由浅入深，结构清晰，力求在有限的篇幅内，勾勒出西方音乐自中世纪萌芽至二十世纪末发展的基本轮廓，并教授读者如何以更专业、更深入的视角去“聆听”音乐。 第一篇：音乐的源头与中世纪的咏叹 本篇追溯了西方音乐的早期根源，探讨了古希腊罗马音乐理论对后世的影响，重点聚焦于中世纪（约公元500年至1400年）的宗教音乐。我们将详细介绍格里高利圣咏（Gregorian Chant）的单音特性、发展历程及其在教会仪式中的核心地位。此外，对早期记谱法（纽姆谱）的演变、以及世俗音乐（如游吟诗人歌曲）的初步探讨，为理解西方音乐的结构奠定基础。本章强调的是“纯净的旋律线条”如何成为音乐表达的初始形态。 第二篇：文艺复兴的复苏与复调的萌芽（1400-1600） 文艺复兴时期标志着人文主义思潮对艺术的深刻影响。本章着重阐述了复调音乐（Polyphony）的成熟，特别是“模仿”手法的广泛运用。我们将深入分析弗兰德学派（如帕莱斯特里那）如何将严谨的对位法与和谐的音响效果完美结合。除了宗教音乐（弥撒与经文歌）的代表作，本篇也将介绍世俗音乐的蓬勃发展，如法国香颂和意大利牧歌，展示音乐如何开始摆脱纯粹的宗教束缚，关注人类情感的表达。 第三篇：巴洛克的辉煌与情感的张力（1600-1750） 巴洛克时期是西方音乐史上一个极为重要的转折点，其核心特征是“情感的戏剧性表达”和“对位法的极致运用”。本章将详细讲解歌剧（Opera）的诞生及其早期形式，如蒙特威尔第的作品。随后，重点解析巴赫（J.S. Bach）的“音乐的建筑学”，通过讲解赋格、平均律键盘曲，让读者理解复调音乐结构在这一时期的登峰造极。此外，对协奏曲（Concerto）和奏鸣曲（Sonata）等器乐体裁的初步介绍，特别是维瓦尔第等人的贡献，展现了器乐表现力的巨大飞跃。 第四篇：古典主义的平衡与清晰（1750-1820） 相较于巴洛克的繁复，古典主义追求结构上的清晰、匀称和自然。本篇核心内容是“奏鸣曲式”的形成与规范化，这是理解海顿、莫扎特和贝多芬早期作品的关键。我们将系统梳理交响曲（Symphony）、弦乐四重奏（String Quartet）和奏鸣曲这三大器乐体裁的确立过程。通过分析莫扎特的歌剧，揭示音乐如何更细腻地刻画人物心理，以及海顿作为“交响曲之父”的贡献。 第五篇：贝多芬的桥梁与浪漫主义的崛起（1820-1900，早期） 路德维希·凡·贝多芬被视为古典与浪漫之间的伟大桥梁。本章分析他如何突破既有形式，注入前所未有的主观情感与英雄主义精神。随后，我们将进入浪漫主义初期，重点关注艺术歌曲（Lied）的发展，以舒伯特为例，探讨诗歌与音乐如何达到完美的统一。钢琴在这一时期的地位显著提升，肖邦的民族情怀与李斯特的炫技主义，展示了个人化表达的无限可能性。 第六篇：浪漫主义的极致与民族乐派的兴盛（19世纪下半叶） 浪漫主义在后半叶走向了情感的深度挖掘和国家身份的构建。本章深入探讨了“标题音乐”（Program Music）的兴起，如柏辽兹的《幻想交响曲》。歌剧领域，瓦格纳的“主导动机”理论和整体艺术作品（Gesamtkunstwerk）的理念，对后世影响深远。同时，我们将介绍俄罗斯五人组、德沃夏克、格里格等民族乐派作曲家，如何从民间音乐和民族史诗中汲取灵感，为音乐注入地域色彩。 第七篇：印象派与现代音乐的曙光（1900-1945） 进入二十世纪，音乐界经历了一场巨大的“革命”。本篇首先解析德彪西和拉威尔如何用色彩般模糊的和声与节奏，描绘瞬间的印象，挑战了传统的调性观念。随后，我们将探讨“第二维也纳乐派”的核心突破——无调性（Atonality）和十二音体系（Twelve-Tone Technique），着重解释勋伯格的创新性思维。本章还会简要提及斯特拉文斯基的《春之祭》所引发的“现代音乐的暴力美学”。 第八篇：战后实验与多元化的声音景观 战后，作曲家们探索了更多激进的领域。本章将介绍序列音乐（Serialism）的发展、电子音乐（Electronic Music）的出现及其在声音构成上的实验。我们还将探讨极简主义（Minimalism）的回归理性与重复美学，以及对非西方音乐元素和非传统乐器的吸收。本篇旨在让读者明白，现代音乐并非“难懂”，而是其表达的语汇和工具已发生了根本性的变化。 学习目标与特色 本书结构参照西方音乐史的经典分期，但写作风格力求平易近纳。每一章节后都附有“聆听焦点”栏目，推荐了每时期最具代表性的三至五部作品，并提供具体的聆听提示，指导读者如何辨识特定时期的音乐特征（例如，如何区分巴洛克的对位与古典的和声主导）。我们不侧重于复杂的乐理推导，而是强调音乐的“情感逻辑”与“时代精神”的关联。通过本书，读者将建立起一个清晰的音乐历史框架，从而使每一次聆听，都成为一次有目的、有深度的文化探索之旅。 --- 适读人群： 1. 零基础的音乐爱好者，希望系统了解西方音乐发展脉络者。 2. 艺术类专业学生，作为入门导读或辅助教材。 3. 希望提升音乐素养的普通读者，以及对文化史有兴趣的跨学科学习者。

评分☆☆☆☆☆

我对这本书的实用性给予最高的评价。作为一本面向教师的丛书，它非常务实，避免了空泛的理论说教。书中附带的许多小小的“教师提示”或者“课堂技巧”，简直是雪中送炭。它们可能只是短短的一段话，但却是资深教师多年教学经验的结晶，能瞬间解决我们在实际操作中遇到的棘手问题。比如，书中介绍了几种处理合唱发声技巧的有效小练习，那种口语化的描述，比生硬的声乐术语更容易让学生理解和模仿。此外，这本书的资源整合能力也很强，它不仅限于纸质内容，还隐约暗示了可以去寻找哪些音频资源或教学工具来辅助教学。这种全方位的支持，让教师在面对日益多元化的学生需求时，能够更加从容不迫。这本书与其说是一本教材，不如说是一位经验丰富、耐心十足的资深导师，随时在我们身边提供最及时的专业指导。

评分☆☆☆☆☆

这本教材的装帧设计真是让人眼前一亮，封面色彩搭配既活泼又不失稳重，那种带着古典韵味的字体选取，透着一股严谨的学术气息。初次翻阅，就被它清晰的排版和大量的插图所吸引。内容组织上，它不像某些理论书那样晦涩难懂，而是非常注重实践与理论的结合。每一章的引入都设计得颇为巧妙，总能先用一个生动的小故事或者一个耳熟能详的音乐片段来抓住读者的注意力。我特别欣赏它在基础乐理讲解上的细致入微，即便是对音乐理论零基础的人也能很快跟上节奏。比如，对于和声的讲解，它没有简单罗列规则，而是通过大量的范例和对比分析，让读者真正理解“为什么”要这样进行和声进行，而不是死记硬背。更值得称道的是，书中穿插的“名家小传”和“历史背景”小板块，极大地丰富了音乐知识的维度，让人在学习音符和节奏的同时，也能感受到音乐背后的人文情怀与时代变迁。整体感觉，这本书像是为音乐教育者量身定制的一份精心准备的“工具箱”，里面装满了实用且富有启发性的内容。

评分☆☆☆☆☆

从整体的阅读感受来说，这本书传递出一种对音乐教育事业的深厚情怀和责任感。编者在字里行间流露出的，是对培养下一代审美素养的殷切期望。它不仅仅是知识的传授，更是一种教育理念的构建。它提倡的音乐教育，是全面而有温度的，是尊重个体差异并激发内在潜能的。书中的语言风格是成熟而富有感染力的，读起来让人感觉心悦诚服，也愿意去践行书中所倡导的教育理念。即便抛开教学用途，对于任何一位热爱音乐、渴望深入了解音乐体系的成年学习者来说，这本书的价值也是无可替代的。它建立了一个坚实而优美的知识框架，帮助我们重新审视和深化对音乐艺术的理解，是一部值得反复阅读、时常翻阅的经典之作，其知识的密度和广度，足以让人受益终生。

评分☆☆☆☆☆

我用了很长时间才把这本书从头到尾仔细研读完，深感其内容的系统性和深度远超预期。这本书的价值不仅仅在于教授“如何教”，更在于提升教师自身的音乐素养和审美境界。尤其是在对不同时期、不同风格音乐作品的选材上，体现了编者广博的知识面和独到的眼光。例如，在探讨近现代音乐时，它没有回避那些听起来可能有些“挑战性”的曲目，而是用非常平易近人的方式去引导读者如何欣赏和解读这些作品的现代性。书中对于音乐鉴赏的模块设计尤为出色，它提供了一套完整的“聆听框架”，教会教师如何引导学生从旋律、织体、力度、速度等多个维度去构建对音乐的完整认知，而不是停留在“好听”或“不好听”的浅层判断。很多音乐教育中的难点，比如如何处理节奏的复杂性，如何解释复调音乐的魅力，都在书中找到了非常清晰且富有条理的解决方案。读完之后，我感觉自己对音乐教学的自信心提升了一大截，手头仿佛多了一把能够开启学生音乐心门的万能钥匙。

评分☆☆☆☆☆

这本书的另一个亮点，是它对“中小学”这一特定教学群体的深刻理解和精准定位。它深知不同年龄段学生的认知特点和接受能力差异，所以在内容的难度梯度上处理得极为得体。初级的章节内容详实、步骤清晰，几乎可以作为一线教师的“备课宝典”，提供了大量可直接采纳的课堂活动设计思路和教学案例。而到了中后期的内容，则开始侧重于培养教师的“反思能力”和“创新能力”。书中多次鼓励教师跳出既有的教学模式，去探索更具个性化的教学方法。例如，它探讨了如何将信息技术融入音乐课堂，如何利用多媒体资源来弥补传统课堂的不足，这些前瞻性的思考，对于处于快速发展期的教育行业来说，无疑是极具指导意义的。每一次翻阅，都会有新的体会，感觉这本书的生命力很强，不会因为时间的推移而显得过时，因为它关注的核心是教育的本质——如何点燃学生对美的热爱。