大师镜头·第1卷：低成本拍大片的100个高级技巧（第2版） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[澳] Christopher Kenworthy 著，魏俊彦 译

图书标签:

• 电影制作
• 摄影技巧
• 低成本电影
• 独立电影
• 电影拍摄
• 灯光技巧
• 构图
• 后期制作
• 器材选择
• 视觉叙事

出版社： 电子工业出版社

ISBN：9787121188725

版次：2

商品编码：11146525

品牌：Broadview

包装：平装

开本：16开

出版时间：2013-01-01

用纸：胶版纸

页数：244

字数：288000

正文语种：中文

编辑推荐

　　《大师镜头》在2009年出版，当我看到它的时候，便冒出了一个念头：“普通人拍电影从此成为可能！”。
　　你也许没有在电影学院求学的经历，也许没有任何导演、编剧或者表演的经验，甚至从未涉足影视圈，但只要你怀有对蒙太奇艺术的憧憬，热爱电影并具备一定的影视语言基础，都可以拿起摄影机，去尝试本系列图书提供给你的有趣技巧，方便快速地实现高质量的镜头。本系列图书也带给了我们启发、勇气和灵感，从而帮助有志者实现技艺的创新和升华。它们让你更了解镜头语言，从DV随意拍的效果中解脱出来。它们不会使你立即成为一流的导演，但一定会拉近你的梦想。
　　《大师镜头》系列图书的读者群包括爱好拍摄的 DV用户、网络短片的发烧友、独立电影的制作者、影视院校各专业的学生等。
　　《大师镜头》系列图书适合有志于从事影视方面工作的人们阅读，同样，它们也适合如今正在从事影视工作的人们阅读和收藏，比如导演、制片、编剧、摄影摄像以及演员。即使你已经创作了很多经典作品，在圈子里享有盛誉，扬名立万，你仍需要它们——它们就像一本简明并实用的宝典，时常翻一翻，总有所获。
　　很有意思的是，本系列图书不但受到影视艺术家的喜爱，我所接触到的很多从事图片拍摄的摄影师们也对它们感兴趣。如果你最近正醉心于手中的单反相机，乐于拍摄静态画面，不妨也看一看本系列图书，它们将会为你打开另一扇艺术之门，用镜头记录动态的影像故事。

内容简介

　　为什么比起好莱坞电影，你拍的片子总是差点什么，总是让人感觉生硬和虚假？你缺少什么？好的演员，先进的设备，高超的编剧？
　　还不完全。你还缺少技巧，掌控镜头的技巧——而且这才是重要的。
　　《大师镜头·第1卷：低成本拍大片的100个高级技巧（第2版）》能给你灵感，让你有冲动去尝试那些复杂的、创意十足的镜头。书中引用的例证全都来自于大片，那些设备是你买不起的，钱也是你花不起的，但没关系，我们就是想告诉你，只要一台手持摄影机，你也能拍出同样惊艳的效果。这些技巧并不能马上让你成为很棒的导演，但了解它们，你才会知道电影怎样拍才有效果。希望本书激发出你更多的拍摄灵感。
　　《大师镜头·第1卷：低成本拍大片的100个高级技巧（第2版）》第1版问世后，受到读者朋友们广泛关注。此修订版在原版基础上修订了内容，优化了部分图片。

精彩书评

　　 ★这本书将大量实用又有趣的拍摄秘密揭示出来，让你产生立刻开始的强烈冲动，同时它没有用高深的理论吓唬你，这是zui难得的。
　　——杨树鹏，著名电影导演，作品有《匹夫》、《我的唐朝兄弟》

　　 ★这是一本用“闪回”和“慢镜头”的方式对影像魔术进行解构破译的一本书。它把符号学、阐释学、心理学等，和影像的实际拍摄深入浅出地结合，有趣，生动，好玩！
　　——王宁彤，央视主持人，CCTV6（电影频道）《世界电影之旅》栏目的国际制片、导演和主持

　　 ★有志于做电影的青年们有福了。这本书就像字典，揣在身边总能派上用场。
　　——尹丽川，著名导演、作彖，作品有电影《公园》、《牛郎织女》

　　 ★通读这本书，其中作者对镜头语言细致而精到的描述，对我的影像艺术深有启发，而作者用众多电影案例的分析让我对动态电影画面有进一步的理解，相信学摄影的朋友会因此书而获益匪浅。
　　——顾荣军，著名摄影师，薯百《构图实战：从人像到风光》

　　 ★这本书应该被禁！里面讲的那些技巧本来是我们的行业机密，几美元就卖了，作者是怎么想的？
　　——John Badham，《周末狂热》、《战争游茂》的导演，著有《时刻电影》

目录

第一章 打斗镜头
1.1 长焦特效
1.2 一记重拳
1.3 紧跟演员拍摄
1.4 打倒在地
1.5 分别拍摄角色
1.6 近地仰拍
1.7 含蓄的暴力
1.8 胜利瞬间

第二章 追逐镜头
2.1 紧跟被追踪者
2.2 长焦摇拍
2.3 狭窄空间中追逐
2.4 宽阔空间中追逐
2.5 制造惊恐
2.6 看不见的追踪者
2.7 突然袭击
2.8 神出鬼没
2.9 千钧一发
2.10 追踪的脚步

第三章 角色登场和退场
3.1 焦点转换
3.2 从背景中突然现身
3.3 华丽转身
3.4 静静现身
3.5 关窗.....
3.6 场景无缝转换
3.7 摇拍中渐行渐远
3.8 转变演员行走方向

第四章 悬疑、搜索与潜伏
4.1 轻微后退
4.2 未知之惧
4.3 紧张期待
4.4 空无之惧
4.5 放大空间
4.6 两个场景同时进行
4.7 寻找线索
4.8 静中生疑
4.9 危险逼近

第五章 情节变化
5.1 镜头推近
5.2 戏剧性的一刻
5.3 摇拍加移步
5.4 背景移动
5.5 围绕角色拍摄
5.6 人机同时转向
5.7 无法逃脱
5.8 突出静态
5.9 运用移动道具

第六章 现身和发现
6.1 利用镜面门
6.2 拉开帷幕
6.3 鹤立鸡群
6.4 走出阴影
6.5 慢速呈现
6.6 平行拍摄
6.7 前进受阻
6.8 目光转移
6.9 目光扫视

第七章 惊惧镜头
7.1 营造紧张气氛
7.2 误导的震惊
7.3 吓人的角色
7.4 恐惧之地
7.5 空旷空间
7.6 视觉惊吓
7.7 无路可逃
7.8 出其不意
7.9 窗外的脸

第八章 引导注意力
8.1 线索物
8.2 人物交替
8.3 掉头

精彩书摘

　　长焦特效　　怎样才能拍摄出打斗场面中那狠狠的一拳？教你最简单的一招，效果相当好。电影《搏击俱乐部》中，爱德华打出的第一拳就采用了这种简单的技法，随后，影片多处采用了这种方法。　　大多数的演员都愿意做这样的表演，因为这种特技不需要太多的技巧，你只要能准确地把握时问就行了，演起来还挺过瘾的。要拍摄出狠狠的一拳，基本方法很简单，让一个演员出空拳打到对手头侧就可以了。当然，猜出这点小伎俩一点也不难，问题是很多人选错了镜头。要是那样的话，结果就可笑了，本来借位产生的错觉也就完全没了效果。　　要拍好这一拳，秘诀就是：一定要用长焦镜头。长焦镜头有压缩空问的功效，使用长焦镜头，会让物体问的距离看起来比实际距离短。在《搏击俱乐部》中，由于使用了长焦镜头，演员看起来就离后墙很近，但实际上那距离还是挺远的。同样，长焦镜头也能缩短人与人之间的距离。爱德华·诺顿一拳打中了布拉德·皮特头侧的空气，但在片中看来，这一拳可是扎扎实实地落在了布拉德的头上。当然，布拉德也恰到时机地假装被打中了，这也是镜头成功的关键。　　调好摄影机，装好长焦镜头，照上面讲的方法拍摄吧！关于取景，图中采用的方式只是给个例子，实际上，不管是紧凑取景还是宽松取景，这方法都可以使用。　　拍摄的时候，摄影机的位置要摆好，以保证拳头的落点藏在受害者的脑袋后面。为了场面真实，演员们会尽量打得很近，但其实没那必要。作为导演，你可以向他们保证，就算拳头的落点离对手好几英寸远，拍出来的效果也绝对真实。拍完后，记得慢速回放一遍，在摄影机或者监视器里仔细看看，确保特效没有问题。更妙的是，这一拳还可以摆到受害者的前面来，只要被打的人能默契地把头甩到后面去，就像真的被打中了一样。　　当然，拍摄这类镜头的时候，摄影机是可以移动的。关键是，一定要确保拳头的落点始终藏在被打中的脑袋后面。细心地计划一下，排练几遍，你一定可以拍出精彩的打斗镜头。　　一记重拳　　有时候，只需一记重拳，一切就都搞定了。只见主角一拳挥过去，又狠又准，坏蛋应声倒地。没有回手，没有激烈的打斗，一切都干净利落。　　如果你的电影也需要这种效果，那你一定要确保这一拳打得非常有力，非常完美。拍摄这一拳的时候，你需要用到上一节中我们讲到的技巧，也就是说，要保证这一拳的落点藏在受害者的脑袋后面。但是，这一次拍摄手法有一点变化：摄影机必须紧跟演员的出拳动作一起移动，这样才能表现出这一拳的速度和力度。　　首先，摄影机的角度很重要，它必须紧靠着受害者，并且迎着主角走来的方向。如果你使用了长焦镜头，摄影机就要离演员足够近，这样才能确保镜头刚好同时拍到两个演员。但是，摄影机也不能离演员太近，如果靠得太近的话，受害者就会占了大部分镜头，且以这种角度拍摄，观众会觉得自己是受害者，也就无法感受到主角这一拳的畅快淋漓。所以一定要记得，出拳者才是重点，在拍摄时米用中心取景，效果就不错。　　当主角朝着挨打者走来时，他可能会跑，可能会一个箭步扑上来，也可能会坚定地迈步过来，不管怎样，在这个时候，摄影机必须稍稍地向后退一点，仿佛被主角的英气震慑了一样。　　最后，就是那关键的一拳了。当这一拳挥过来的时候，摄影机要定住，但要跟着出拳的方向摆过去一个角度。拍摄的时候，要有摄影机也被打中的了感觉，并随着那力度摆向一边。这时，主角和挨打者就会从画面的中间偏到了左边。要拍摄类似的出拳镜头，摄像师需要有很好的时间感，但只要拍好了，现实中毫无力量的一拳就会变得帅气十足，英勇无比。　　……

前言/序言

　　译者序
　　“拍电影就像编舞，每一个场景，你都要设计好演员和摄像师的舞步。”
　　——克里斯托弗·肯沃斯
　　打斗场面那么残忍，难道都需要替身吗？
　　看恐怖片，为什么汗毛都会竖起来？明知是假的，可为什么还是那么害怕？
　　就算主角走在人群中，为什么还总是能被一眼认出来呢？
　　在看电影时，你是否也会想到这些问题？这本书的作者克里斯托弗·肯沃斯就用他最简单的语言，告诉了我们大导演的秘密。如果你只是爱看电影的普通人，看过这本书，你一定会跃跃欲试，情不自禁地拿起手边的DV机拍点什么；当然，如果你已经开始拍自己的作品，那么这100条真诚的建议，就能让你拥有用简单的设备拍出好莱坞大片的感觉。
　　克里斯托弗·肯沃斯的100条秘密，可以概括地浓缩成两点，一是镜头的选择，二是拍摄时镜头和演员的运动轨迹。
　　关于镜头的选择，虽然作者强调这不是一本专门讲镜头的书，但他还是在每一节都强调了镜头的重要性。选长焦还是选广角，表现出的视觉效果迥然不同，作者会不断地提醒你，怎样选择才能拍出你需要的效果。比如，在很多的打斗场面中，看上去打得很真实，其实只是虚晃了一拳，甚至都没有发生身体的接触。这就要归功于长焦镜头的运用，它大大缩短了空间的距离，给观众造成了这样的假象。作者关于镜头的讲解十分简单明了，让人很有亲自感受的欲望。作为译者，我也无数次地拿起DV机摆弄，体验不同焦距带来的乐趣。
　　在选对镜头之后，摄影机和演员行进的路线就成了拍摄的关键。这也就是克里斯托弗·肯沃斯所说的“编舞”。有时，镜头快速跳过会给人惊恐之感，有时，反而静止的镜头更能营造恐怖的气氛；有时，镜头中需要一下子拍到很多角色；有时，空无一物却是最有感染力的。
　　在翻译时，电影中的场景经常跳进我的脑子里，我仿佛看到《天使爱美丽》中，奥黛丽塔图跟踪着她喜欢的人，然后又带着怦怦直跳的心躲了起来；我也能看到《人工智能》中那个机器人小男孩，从阴影走进阳光时，那发丝温暖的颜色；而想到《少数派报告》中先知突然跃出水面的场景，我甚至还是在心里惊了一下。
　　除此之外，对于光线采集，轨道车、摇臂等摄影器械的使用，影片的后期剪辑等，克里斯托弗·肯沃斯也有自己的见解，并毫不吝惜地与读者分享。书中每个拍摄技巧，都有成功的影片为例，并且还都附有图解，生动易懂又不失专业性。
　　总之，不论你已经走上了导演的道路，还是仅仅喜欢拿小DV拍些生活小片段，又甚至仅仅只是个电影迷，这本书里都有你想要的东西。克里斯托弗·肯沃斯100条经验之谈告诉我们：电影不是特技和设备的游戏，只要有巧思，你就能让镜头说话，抓住观众最敏感的神经——小成本也能拍大片。
　　魏俊彦
　　2010年月1月

探索光影的未知领域：经典电影摄影技术精讲 书籍简介 本书深入剖析了世界电影史上那些令人难忘的视觉奇观，聚焦于那些开创性的摄影技术、布光哲学以及镜头语言的精妙运用。它并非一本关于“如何用最少的预算拍出效果”的操作指南，而是一部献给电影艺术深度探索者的专业手册，旨在揭示那些经受住时间考验的、大师级的视觉叙事策略。 本书的结构分为三个核心部分：光影的雕刻艺术、镜头语言的心理学，以及经典影像的解析与重构。 第一部分：光影的雕刻艺术——从基础到殿堂 本部分着重于光线作为叙事工具的本质。我们不会讨论LED灯板或便携式照明设备的性价比，而是深入探讨传统胶片时代和早期数字时代对光线特性的理解与驾驭。 1. 复杂光源环境下的曝光哲学： 高反差的控制与应用： 探讨如何利用三色分离原理（Tricolor Separation）处理极端高光和深影，不仅仅是“压光”或“提亮”，而是理解不同波长光线在胶片或特定传感器上的响应差异。 体积光与氛围营造： 细致分析蒸汽、烟雾、雨水等介质如何与光线发生相互作用，形成具有重量感的“体积光束”（Volumetric Light）。我们将重现费里尼（Fellini）电影中那种梦幻般的、颗粒感十足的室内光影，以及伯格曼（Bergman）作品中那种冷峻、具有雕塑感的自然光处理。 自然光的情感映射： 深入研究一天中不同时间点（如“黄金时段”与“蓝色时段”）的光线温度、角度和柔和度对角色内心状态的影响。这要求摄影师对地理、季节和时间具备精确的感知和预判能力。 2. 经典布光模型的深层解读： 伦勃朗光（Rembrandt Lighting）的现代变体： 不仅展示三角光，更分析其在不同焦距下对脸部特征的变形，以及如何通过调整关键光的位置来暗示角色的道德模糊性。 蝴蝶光与底光（Butterfly and Underlighting）的心理暗示： 分析在好莱坞黄金时代，如何利用这些照明模式来强调对称、庄重或制造不安与恐怖感。我们将拆解希区柯克（Hitchcock）电影中那些微妙的阴影，它们如何引导观众的注意力，而非仅仅是照亮场景。 柔光与硬光的哲学辩证： 探讨柔光（如使用大柔光箱或漫射材料）与硬光（如使用裸灯或强烈的聚光灯）在信息传达上的根本区别。硬光提供清晰的纹理和明确的界限，常用于揭示真相；柔光则包裹、模糊，常用于美化或隐藏。 第二部分：镜头语言的心理学——超越焦距的选择 本部分致力于解析镜头选择、景深控制和运动方式如何直接作用于观众的潜意识，构建电影的叙事节奏和情感节奏。 1. 焦距与视角的叙事力量： 广角镜头（Wide Lenses）的空间压迫感： 剖析20毫米甚至更广的镜头如何夸大透视，拉伸近景人物，压缩远景空间，从而制造出疏离感、威胁感或英雄主义的史诗感。我们将研究库布里克（Kubrick）如何运用极广角镜头来展现环境对个体的吞噬。 长焦镜头（Telephoto Lenses）的扁平化与隔离： 分析长焦镜头如何“压缩”空间深度，使前景和背景人物仿佛置于同一平面，从而强化角色间的隔阂、疏远感或凝视的强度。经典追逐戏中，长焦镜头营造的失控感是本书重点探讨的方向。 中性焦段的“真实性”陷阱： 探讨在50mm至75mm之间，镜头如何模仿人眼视角，但正是这种“拟真”反而可能在不经意间隐藏了导演的意图，使观众放松警惕。 2. 景深（Depth of Field）的控制艺术： 深景深（Deep Focus）的哲学： 详细解析奥逊·威尔斯（Orson Welles）及其摄影师格雷格·托兰（Gregg Toland）如何通过精确计算，使前景、中景和背景都保持清晰，从而迫使观众自行选择关注点，实现多层次的信息解读。 浅景深（Shallow Focus）的情感聚焦： 分析如何通过极浅的景深来剥离背景干扰，将观众的全部注意力锁定在角色的微表情上，强调瞬间的情感爆发或脆弱性。这需要对光圈、焦距和对焦点的极度敏感。 3. 摄影机运动的内在逻辑： 摇摄（Pan）与移摄（Tilt）的情感暗示： 运动不仅仅是为了跟随动作。慢速、不平稳的摇摄往往代表着不安的搜索；精确、流畅的移摄则暗示着掌控或发现。 跟拍（Tracking）的沉浸感与疏离感： 探讨低位跟拍（Low-angle Tracking）如何增强角色移动的力量感，以及固定在特定距离上的侧向跟拍如何制造一种“观察者”的超然视角。 第三部分：经典影像的解析与重构——视觉叙事的高级范式 本部分将通过对特定大师作品的案例研究，将前两部分的技术理论整合到实际的叙事结构中。 1. 东方美学的视觉张力： 黑泽明的空间调度： 分析其在《七武士》等作品中，如何利用极端天气、环境光线和广角镜头来构建团队的凝聚力与个体的渺小。 小津安二郎的“榻榻米”视点（Tatami Shot）： 深入研究他坚持的低机位、固定机位、无运动的镜头策略，探讨这种看似限制如何反而创造出独特的、尊重人物精神层面的叙事节奏。 2. 欧洲艺术电影的光影哲学： 安东尼奥尼（Antonioni）的疏离感： 剖析其如何利用大面积的空旷背景、平淡的布光和不协调的景深，来表现现代都市中人物的精神迷失。 塔可夫斯基（Tarkovsky）的“时间之流”： 探讨其对自然光、水中倒影以及长曝光镜头的偏爱，如何将光影塑造成时间的实体载体，而非仅仅是照明工具。 3. 经典对白场景的镜头解构： 本书将选取数个教科书级别的对白场景进行逐帧分析，揭示摄影指导如何在不使用任何“噱头”的情况下，通过光影的细微变化、焦距的微妙切换以及景深边缘的模糊，来烘托人物关系、预示转折，并最终完成一场成功的视觉沟通。 结语： 本书旨在提供一个深厚的理论和历史基础，让读者能够超越“快速出片”的思维定式，转而关注视觉表达的深度、精确性和持久的艺术价值。它要求读者以一名电影史学家、一位布光工程师和一位心理学家的多重身份来审视光与影的奥秘。

评分☆☆☆☆☆

这本书的阅读体验非常流畅，不像有些技术书籍读起来费劲。作者的文笔非常风趣幽默，仿佛在跟你进行一场轻松愉快的下午茶交流。他总能用最简单的比喻来解释最复杂的概念。比如，他把景深比喻成“给观众的视觉焦点引导”，把色彩校正比喻成“情绪的调味剂”，这些比喻让我瞬间就抓住了重点。而且，这本书的排版设计也做得非常好，大量的留白和清晰的图文对照，让长时间阅读也不会感到眼睛疲劳。我经常是抱着消遣的心态翻开它，结果一不小心就沉浸进去两三个小时。它不仅仅是教会你“怎么做”，更重要的是激发你“为什么这么做”的好奇心。这本书绝对是那种你会反复翻阅，每次都能从中发现新亮点的工具书，而不是那种只看一遍就束之高阁的“快餐读物”。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是摄影爱好者的福音！我刚拿到手的时候，那种厚重感和纸质的质感就让人觉得物超所值。我本来以为这会是一本枯燥的理论书籍，但翻开目录我就被吸引住了。它没有那些晦涩难懂的术语，而是用一种非常接地气的方式，把复杂的布光和构图原则讲得清清楚楚。特别是关于场景选择的部分，作者简直是个宝藏猎人，他介绍的那些不需要昂贵器材就能拍出电影感的场景设置，让我这个预算有限的独立制片人如获至宝。我按照书里提到的几个小技巧，用一台普通的微单相机，尝试拍摄了一个夜景人像，朋友们都以为我是租用了专业的电影打光设备，效果实在太惊艳了。这本书的实用性远超我的预期，它更像是一位资深前辈手把手教你如何用有限的资源，去实现最大的视觉冲击力。我感觉自己的拍摄思路一下子被打开了，不再被设备束缚，而是把注意力重新聚焦到了“如何讲故事”和“如何控制光线”这两个核心问题上。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，这本书的价值远超其售价。市面上很多声称能提升拍摄水平的电子书或课程，往往只是停留在表面的参数设置上，而这本书则深入到了视觉心理学的层面。它教你的不是某一个固定机位的最佳设置，而是一种思考模式。比如，如何利用自然光线的微妙变化来营造特定的时间感和氛围，如何通过镜头的选择来控制观众的情绪起伏。书中提到的一些“反直觉”的布光方法，比如故意使用一些看起来不完美的柔光，反而能增加画面的颗粒感和真实性，这些都是我在其他地方接触不到的“内行秘籍”。我特别喜欢作者对于“缺陷美学”的探讨，这使得我的作品在追求技术完美的同时，也拥有了独特的艺术个性和灵魂。这本书，是真正意义上的“心法”传授。

评分☆☆☆☆☆

这本书的深度和广度令人称奇。它不仅涵盖了室内布光、室外自然光运用，甚至还延伸到了后期调色中如何通过模拟胶片质感来增强低成本画面的高级感。我之前在后期软件上总是找不到方向，觉得调色就是瞎鼓捣颜色，但这本书提供了一套结构化的色彩哲学，教你如何围绕“故事核心”来设计你的色彩方案。更值得称赞的是，作者在书中多次强调了“安全拍摄”和“风险控制”的重要性，这让这本书在追求艺术性的同时，也充满了对创作者的关怀。它提醒我们，技术是为表达服务的，而不是反过来被技术所奴役。对于那些想从业余水平跨越到专业水准，但又苦于没有资源积累的新手来说，这本书提供了一条清晰、高效、且极具性价比的成长路径。我强烈推荐给所有对视觉表达有追求的朋友们。

评分☆☆☆☆☆

我必须要给这本书点个赞，因为它彻底颠覆了我对“大片”的理解。以前总觉得电影感是烧钱堆出来的，看了这本书才明白，很多时候，创意的光芒远胜于昂贵的镜头。作者在阐述一些高级技巧时，非常注重循序渐进，他不会直接扔给你一个复杂的公式，而是会先从基础的光学原理入手，然后通过大量的实战案例来佐证。最让我印象深刻的是他对“负空间”和“环境叙事”的讲解，那是以前很多教程都会略过的地方。书中的配图质量极高，每一张都像是一件艺术品，并且每张图下面都配有详细的技术解析，告诉你这张照片是如何在低成本下实现的，包括使用的光照角度、反射板的摆放位置等等。读完这本书，我感觉自己不仅仅是学会了一些技巧，更是建立了一套完整、系统的电影化视觉语言体系，这对于提升我个人作品的质感至关重要。

评分☆☆☆☆☆

这是好长好长，好长，，，，，，，，

评分☆☆☆☆☆

宝贝收到了，非常喜欢，质量很好，卖家热情，物流给力，非常愉快的一次购物，好评！

评分☆☆☆☆☆

好，不错，棒极了

评分☆☆☆☆☆

正版图书，纸张很好，相信京东的品质！

评分☆☆☆☆☆

很好，非常喜欢，以后好好研究

评分☆☆☆☆☆

买这么多次书，拿到最新的一次

评分☆☆☆☆☆

教科书般的珍贵，收藏了。

评分☆☆☆☆☆

很好，非常喜欢，以后好好研究

评分☆☆☆☆☆

这本书特别特别特别差