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刘畅 著

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• 钢琴
• 表演艺术
• 音乐研究
• 钢琴演奏
• 音乐表演
• 艺术研究
• 音乐教育
• 钢琴技巧
• 音乐分析
• 舞台表现

出版社： 华南理工大学出版社

ISBN：9787562347415

版次：1

商品编码：11781073

品牌：墨点

包装：平装

开本：16开

出版时间：2015-08-01

用纸：胶版纸

页数：179

字数：166000

正文语种：中文

内容简介

　　《钢琴表演艺术研究》结合当今社会发展的新形势，对钢琴表演艺术的自身规律进行研究，积极探索教与学的艺术，不仅探讨哲学、美学视域融合下的钢琴表演艺术，也从具体的钢琴教学层面深入分析论证；不仅着重钢琴学习中的综合学习方式，也着眼综合类大学的不同教学实践，力图在这样一个浮躁的社会，重回教育的本义、艺术的本质来思考今天的钢琴专业教学，探索具有人文色彩的钢琴教学之路。论述富于启迪，文字充满温度。

目录

第一卷 导入——分寸篇
第一章 钢琴演奏中音乐表现的分寸感之哲学基础
第一节 音乐美的主观与客观
第二节 音乐美的绝对与相对
第三节 音乐美的内容与形式
第二章 钢琴演奏中音乐表现的分寸感之美学依据
第一节 美学范畴的“尺度”
第二节 演奏分寸的参考

第二卷 展开——教学篇
第三章 学钢琴的叩问与反思
第四章 钢琴教学中的几个重要层面
第一节 音乐的初始积累
第二节 技术&音乐
第三节 知其所以然
第四节 呵护创造力
第五节 放松与断奏
第六节 连奏的意义
第七节 触键与聆听
第八节 音乐逻辑
第九节 读谱的辩证
第十节 弧线的语气
第十一节 踏板的运用
第十二节 弹琴的效率
第五章 钢琴教学中的综合学习
第一节 易被忽略的立意
第二节 循序渐进的引导
第三节 知识的融会贯通
第六章 综合类大学的钢琴教学
第一节 思辨——钢琴专业学生的教学
第二节 结合——其他音乐专业学生的钢琴教学
第三节 传播——通识教育集体课中的钢琴教学
第四节 放飞——特长生的钢琴教学

第三卷 拓展——人文篇
第七章 钢琴表演艺术的意义归属
第一节 音乐作品的人文内涵
第二节 钢琴经典作品的例证
第八章 中国钢琴作品的人文意象
第一节 中西合璧的音乐文化
第二节 中国钢琴的梦

参考文献
后记

前言/序言

好的，这里为您提供一份关于一本名为《弦音的诗篇：管弦乐队配器与织体探索》的图书简介，该书内容与您提到的《钢琴表演艺术研究》完全不同，专注于管弦乐队的创作、配器技术以及音响织体的构建。 --- 弦音的诗篇：管弦乐队配器与织体探索 作者： [此处留空，或填写虚构的管弦乐领域专家名称] 出版社： [此处留空，或填写虚构的专业音乐出版社名称] 内容提要 《弦音的诗篇：管弦乐队配器与织体探索》是一部深度聚焦于管弦乐队音响构建与色彩运用的专业学术著作。本书旨在为作曲家、配器师、音乐理论研究者以及对管弦乐法有浓厚兴趣的学习者，提供一套系统、前沿且兼具实践指导意义的理论框架与技术解析。本书摒弃了传统配器法中侧重于乐器音域与机械性能的简单罗列，转而深入探究音色组合的心理学效应、织体层次的动态构建，以及如何利用现代管弦乐语汇，描绘复杂的情感图景与叙事结构。 全书内容紧密围绕“如何利用管弦乐队的复杂性，创造出独一无二的听觉体验”这一核心命题展开。作者通过对十九世纪末至二十一世纪初的经典与当代管弦乐作品的细致剖析，揭示了从古典主义时期的清晰分层到印象主义的色彩晕染，再到后浪漫主义与现代主义中音响的解构与重组的全过程。 卷首语：超越工具箱的视野 本书的出发点在于，管弦乐队不应被视为一堆独立乐器的简单集合，而是一个可以进行无限化学反应的、有生命的音响实体。配器法的精髓，在于对“声音的化学反应”的精准控制。我们不再满足于知道长笛在高音区是明亮的，圆号在和声中是温暖的，而是探讨当特定的木管组、铜管组与弦乐组以特定的对位或和声方式交织时，究竟会在听者脑海中产生何种全新的、不可替代的听觉“物质”。 第一部分：管弦乐队音响的“原子结构” 本部分着重于解析管弦乐队的各个声部——木管组、铜管组、打击乐组和弦乐组——的内在潜力与局限。 1.1 弦乐组的声学心理学：从弓法到情感共振 深入探讨不同弦乐声部（小提琴I、II、中提琴、大提琴、低音提琴）在合奏中的功能差异。重点分析： 弓法（Bowing Techniques）的色彩谱系： 从 sul ponticello 到 sul tasto，探讨这些技术如何改变音质的泛音结构，并对应不同的叙事功能（如焦虑、漂浮、或坚实感）。 复调的织体构建： 如何通过细微的对位线条或声部交错，在不牺牲主要旋律清晰度的前提下，增加音响的密度和张力。 弱奏的极限与空间感： 分析如何利用极弱音的弦乐织体，模拟环境声或内在情绪的低语。 1.2 铜管组的“张力引擎”：动力学与金属质感 本章将铜管乐器视为管弦乐队的“张力核心”。研究重点包括： 不同调性铜管的音色融合： 探讨法国号的圆润与小号的穿透力如何在不同的和声上下文中相互补充或对抗。 弱奏的深度探索： 如何利用弱奏的弱音器（Mutes）和特定的吐音方式，使铜管乐器融入背景，而非作为突出的和声支撑。 高动态的结构控制： 分析在 fff 状态下，如何通过配器法避免音响的“浑浊”，保持清晰的线条和结构。 1.3 木管组的“色彩笔触”：混合与独立 木管组是色彩变化最丰富的声部。本书强调： 双簧与三簧的交织艺术： 详细解析双簧管与英国管、单簧管与低音单簧管之间的音色嫁接技术，尤其关注其在模仿人声或自然界声音时的应用。 长笛与短笛的动态范围： 探讨如何利用长笛族群在极高音区的“穿透力”与较低音区的“温暖感”来塑造音高空间。 1.4 打击乐组的“时间与空间标记” 超越简单的节奏填充，打击乐被视为对音乐“时间感”和“空间感”的雕塑工具。内容涵盖： 音高打击乐的“和声潜能”： 如何利用马林巴、颤音琴等，将其作为具有明确音高的旋律或和声色彩层。 非音高打击乐的“纹理化”： 对钹、军鼓、定音鼓等如何通过不同的击打位置与力度，为音乐织体提供微妙的“颗粒感”或“冲击力”。 第二部分：织体构建与音响的雕塑 本书的第二部分是实践的核心，侧重于如何将单个乐器的特性融合成一个统一而富有层次感的“织体”（Texture）。 2.1 织体密度的调控：从稀疏到饱和 分析作曲家如何通过增减声部数量、控制复调的复杂程度，来精确控制织体的“密度”： 层次化对位（Layered Counterpoint）： 探讨多重独立旋律线在不同声部间的分配策略，如何避免线条的相互掩盖。 垂直堆叠与和声色彩： 研究如何通过特定的和弦分置（Voicing）技术，使和声在不同乐器组中产生不同的“质感”——例如，弦乐组的饱满与木管组的透明。 2.2 空间感的营造：声场定位与距离感 本章探讨如何利用配器法在二维的乐队布局中，模拟出三维的声场效果： “远景”与“近景”的配器： 利用特定乐器的音色特性（如远景用柔和的弱音铜管或中音弦乐，近景用清晰的木管高音或独奏乐器）来建立声音的纵深感。 快速移动的音响“幻影”： 运用快速的、分散的音型或对位，在听众感知中制造声音的“移动感”或“闪现感”。 2.3 动态的“非线性”变化：过渡与转场 强调管弦乐的动态变化不应是简单的渐强渐弱，而应是结构性的转变。分析如何通过配器手法的突然切换（如从木管的单音到全体弦乐的齐奏），实现戏剧性的音响转折。 第三部分：现代语汇中的管弦乐创新 本书最后一部分将目光投向二十世纪中叶至今的管弦乐实践，探讨当代作曲家如何扩展配器的边界。 3.1 拓展技巧的系统梳理 详细介绍并分类近年来广泛应用的非常规演奏法（Extended Techniques），例如： 弦乐组的“非音高敲击”（percussive effects）。 铜管组的“气息音”（Air Sounds）与“啸叫”（Whistles）。 木管组的“超吹”（Multiphonics）及其在和声织体中的整合。 3.2 电子媒介与管弦乐队的对话 探讨在电子音效或预录声音介入时，传统管弦乐配器应如何调整其音色与密度，以实现声音的有效融合，而非简单的叠加或竞争。 结语 《弦音的诗篇》是一本关于“聆听”与“创造”的指南。它要求读者以一种全新的、富有想象力的方式去理解管弦乐队——这个人类历史上最复杂、最富表现力的单一乐器组合。通过对音色、织体与空间这三大要素的深刻洞察，本书将引导读者跨越配器技术的藩篱，真正掌握用“声音的语言”进行史诗般叙述的能力。 ---

评分☆☆☆☆☆

作为一个长期沉浸在古典音乐领域的资深乐迷，我对《钢琴表演艺术研究》的期待值本就很高，而它所呈现的内容也着实没有让我失望。这本书的价值不仅仅在于对演奏技巧的梳理，更在于它对于“艺术”二字的深刻探究。作者并未止步于枯燥的技术讲解，而是将历史背景、作曲家生平、以及作品创作的时代语境紧密结合，来阐述何谓“表演的艺术”。举例来说，在解读肖邦的作品时，书中不仅分析了其独特的浪漫主义风格和钢琴写作技巧，还深入探讨了肖邦所处的社会环境和个人经历如何影响了他的音乐创作，进而影响了演奏者在诠释作品时需要把握的“肖邦式的忧郁”或“肖邦式的激情”。这种多维度、深层次的分析，极大地丰富了我对这些经典作品的理解，也让我明白了为何同一首乐曲，在不同演奏家的演绎下，会有如此天壤之别。这本书无疑是每一个渴望深入理解古典钢琴音乐的乐迷的必备读物。

评分☆☆☆☆☆

我一直对演奏背后的心理学因素感到好奇，而《钢琴表演艺术研究》在这一方面的内容，简直是给我打开了新世界的大门。我原以为演奏的成功与否，全凭技术和乐感，但书中关于“演奏者的心理状态”和“舞台恐惧的克服”等章节，让我深刻意识到，内心世界的强大同样是成就卓越表演的关键。作者引用了一些心理学研究成果，解释了紧张感如何影响手指的灵活性和音乐的流畅性，并提供了一些行之有效的心理调适方法，比如意象训练、积极的自我对话等等。我尝试着在练习中运用书中提到的一些放松技巧，发现效果惊人，原本因为紧张而常犯的小错误，现在明显减少了。而且，书中还探讨了如何通过理解乐曲的情感主旨来培养内在的感染力，从而在舞台上与听众建立起更深层次的情感连接。这不仅仅是一本关于钢琴演奏的书，更是一本关于如何释放内在潜能、实现艺术表达的书。

评分☆☆☆☆☆

对于一些初学者来说，钢琴学习之路常常充满了迷茫。《钢琴表演艺术研究》这本书，虽然名为“研究”，但它的语言风格却异常亲切，充满了引导和鼓励。作者并没有直接给出“这样做”或“那样做”的硬性规定，而是通过大量的案例分析，引导读者去思考“为什么”。例如，在讲解如何处理快速音阶时，书中列举了不同大师的指法选择，并分析了各自的优劣，让读者可以根据自己的情况进行选择，而不是盲目模仿。此外，书中还穿插了许多关于“音乐感知”和“听觉训练”的建议，这对于初学者建立正确的音乐审美观至关重要。我曾一度觉得自己的音乐感受力不够强，听不出乐曲的细微之处，但通过阅读书中提供的听赏方法，我开始学会分辨不同的音色、力度变化和节奏律动，感觉自己的耳朵仿佛被唤醒了。这本书就像一位经验丰富的良师益友，默默地陪伴着我在钢琴学习的道路上前行。

评分☆☆☆☆☆

我是一名对音乐教育抱有浓厚兴趣的从业者，而《钢琴表演艺术研究》这本书，为我提供了宝贵的教学理念和方法论。书中的内容，并非仅仅针对演奏者，更是对于如何“培养”演奏者，有着深刻的洞见。作者在探讨“教学法”时，引入了许多跨学科的视角，比如认知科学、发展心理学等，这让我了解到，优秀的钢琴教学并非简单的技术传授，而是要结合学习者的生理和心理特点，制定个性化的教学方案。我尤其欣赏书中关于“即兴创作”和“合作表演”的章节，这部分内容拓展了我对钢琴教育的边界，让我看到了培养学生创造力和协作能力的更多可能性。在实践中，我尝试将书中提出的一些启发式教学方式应用到我的课程中，学生们的学习积极性和主动性都有了显著提升，他们不再是被动接受知识，而是开始主动探索和表达。这本书让我对钢琴教育的未来充满了信心和憧憬。

评分☆☆☆☆☆

这本《钢琴表演艺术研究》真的是让我大开眼界！我一直是个钢琴爱好者，虽然算不上专业，但对弹奏的热情从未减退。平时看一些演奏视频，总觉得那些大师们的手指在琴键上翩跹起舞，能将音乐的情感表达得淋漓尽致，但其中的奥秘我却知之甚少。这本书恰恰填补了我的知识空白。它深入浅出地剖析了钢琴演奏的各个层面，从指法、触键的细微之处，到乐句的呼吸、情感的塑造，再到不同时期作曲家作品的风格解读，都做了详尽的论述。我尤其喜欢其中关于“音乐的语言”的章节，作者用生动的比喻将抽象的音乐理论变得触手可及，让我第一次真正理解了乐谱上的符号不仅仅是音符，更是作曲家想要传达的情绪和故事。读完这本书，我感觉自己对音乐的理解提升了一个档次，在弹奏时也更加得心应手，仿佛打开了通往更深层次音乐世界的大门。