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彭兆荣 著

图书标签:

• 中国艺术史
• 艺术遗产
• 文化遗产
• 中国文化
• 艺术理论
• 文化研究
• 历史
• 艺术
• 遗产保护
• 国学

出版社： 北京大学出版社

ISBN：9787301288894

版次：1

商品编码：12303008

包装：平装

丛书名： 文化艺术遗产研究丛书

开本：16开

出版时间：2018-01-01

用纸：胶版纸

页数：464

字数：551000

编辑推荐

　　《中国艺术遗产论纲》作者彭兆荣教授是文化艺术遗产方面的专家，多年的研究，成果显著，硕果累累。本书集合作者研究大成，对于读者了解中国的艺术遗产有很好的帮助。

内容简介

　　这是我国一部有关艺术遗产方面的专著，《中国艺术遗产论纲》从四个方面对艺术遗产的建制进行探讨,它们是:一部分历史体性,包括正名、认知、分类、原住民艺术等；第二部分社会功能，包括环境、地方特色、教化、技艺、商业化等；第三部分艺术本位，包括审美、阐释、形象、文物等；第四部分个体际遇，包括艺术家的个体因素，如风格、主观、身体表达、灵感、旅行等。
中国当下正在进行“遗产运动”，而艺术作为文化遗产的一个有机组成部分，学理上、学科上、学术上一直未受关注。与此同时，我国的艺术学（包含认知、学科、理论、形制等）都急需在认知上加以厘清，在理论上进行总结；“艺术遗产”无疑是一个重要的切入点，然而却是个空白。本著作在艺术史、艺术理论等具有反思价值。

作者简介

　　彭兆荣，厦门大学教授，人类学研究所所长，厦门大学旅游人类学研究中心主任。中国人类学学会副秘书长，中国艺术人类学研究会副会长。美国伯克利加州大学人类学系高级访问教授，四川美术学院中国艺术遗产研究中心首席专家，出版《遗产：反思与阐释》等20部专著，论文500多篇。

目录

中国艺术遗产论纲目录 目目录

第一部分历史体性

证实辨虚（正名辨析）
正名与分类
艺术遗产的社会史
艺术遗产之“美/用”

天圆地方（思维形制）
中国艺术遗产的崇高性
传统文化的时空观
圆形剧场的空间形制

原生形态（野蛮文明）
人类学与艺术发生学
高贵的野蛮人
重新发现的“原生形态”

类分名合（分类）
人类学与分类
中国知识体制的分类
音声的“分类”遭遇

潮起潮落（社会变迁）
艺术即生活
表述与被表述
艺术传承中的“负遗产”原住现在（族群认同）
认同的遗产
“第四世界”的艺术遗产
“吉则”抑或“艺术”？这是个问题

第二部分社会功能

房前屋后（自然环境）
认知自然
人化自然
艺术遗产的生命“整体性”

土生土长（地方特色）
家园遗产
地方、地方知识与地方感
泉州南音与文化空间

寓内化外(社会教化）
从一本书说起
中西方的手工艺简谱
“大国工匠”

技言无声（技术魅力）
工艺社会化
技术人类学简谱
规矩方圆

吾国吾城（营造智慧）
静止的乡土与移动的城市
传统的城郭形制
建筑智慧与营造宅技无形有价（市场效应）
“清香”与“铜臭”
杠杆之撬
无价之宝

第三部分艺术本位

美人自美（审美伦理）
艺术的“美味”
艺术的“品味”
美声与声美

仰高俯低（艺术理论）
被误解的“理论”
专业知识之“树”
阐释无理

面具凹凸（面具表现）
面具之道
傩：“里外都是人”
屯堡地戏之“傩”

时隐时现（形象隐喻）
像与“象”否？
皮格马利翁之诉
艺术遗产的特色

体无完肤（物与博物）
艺术与博物馆
“法”之窘境
艺术的展示科艺两端？（表述方法）
科艺相拥
主客相融
虚实相兼

第四部分个体际遇

纵横捭阖（表现风格）
诠释风格
音乐的构造
权重的工具

画里画外（主位客位）
造型之“型（形）”
视觉与凝视
“感观”与“观感”

生以身为（身体表达）
身体的表达
身体的表演
身体的感受

患得患失（情感经历）
吾情吾作
艺术与旅行
美人之美

深入浅出（教育机制）
艺术成就于教育
艺术教育中的“附遗产现象”
艺术教育的社会化

碑上地下（丧葬艺术）
死事若生事
树碑立传的视觉性
发生在泉州的故事

参考文献
后记

好的，以下是一本内容与《中国艺术遗产论纲》无关的图书简介，力求详尽、自然： 《星际拓荒者：失落文明的回响》 内容简介 星辰之间的低语，文明的兴衰，人类的边界与未来。 《星际拓荒者：失落文明的回响》并非一部关于传统艺术史的著作，而是深入探索宇宙尺度下文明演化、星际考古学与超光速航行技术对人类社会结构重塑的宏大叙事。本书以严谨的科学推论和引人入胜的叙事手法，构建了一个在可预见的未来，人类挣脱地球束缚，踏入银河系的壮丽图景。 本书的核心围绕着“第一次星际接触”之后，人类文明在面对数以万计的、形态各异的星际文明残骸时所产生的深刻反思与技术飞跃。它不再关注地球上的文化遗产，而是将目光投向了那些散布在猎户座旋臂和英仙座悬臂中的“失落的歌谣”——那些早已湮灭，却留下了足以颠覆现有物理学和哲学认知的超级文明遗迹。 第一部：光年之外的呼唤 故事始于公元2580年，人类通过“卡尔达舍夫工程”的重大突破，成功激活了跨越数千光年的虫洞网络。这不仅仅是技术上的胜利，更是对“孤独感”的终结。然而，最初的兴奋很快被接踵而至的巨大谜团所取代：每一个被探索的星系，无论其恒星年龄几何，都指向一个共同的结论——似乎存在一个远比人类历史悠久得多、科技水平高出数个数量级的文明，在宇宙大爆炸后不久的某个节点，集体选择了“静默”。 第一部分详细描绘了首批拓荒舰队的艰难历程。我们跟随“先驱者号”的船长阿米尔·汗，深入被当地人称为“幽灵星云”的区域。这里的场景是：漂浮着巨大、几何结构无法用欧几里得空间理解的物质残骸；以未知能量源驱动的自动防御系统仍在运转；以及最令人不安的——那些无法被任何已知生命迹象激活的“记忆水晶”。这些水晶并非记录数据，它们似乎是某种情感或意识的直接储存介质，触碰它们，拓荒者会经历跨越数百万年的孤独、狂喜与最终的虚无。 本书对“星际考古学”这一新兴学科进行了开创性的界定。它不再是挖掘陶器或壁画，而是研究宏观尺度的工程奇迹：行星级计算阵列的残余、能够操控时空曲率的巨型结构，以及对暗物质进行“编织”的尝试。 第二部：熵的终极悖论 随着探索的深入，拓荒者们发现这些失落文明似乎遵循着某种惊人的共同路径——它们都达到了一个技术上的“奇点”，随后便在瞬间消失。这并非灾难性的毁灭，更像是有意识的、彻底的“格式化”。 第二部深入探讨了“费米悖论的终极解答”。作者提出了一个极具争议性的理论：当一个文明的科技达到能够完全理解宇宙运行的基本法则时，它们发现“存在”本身就是一种无法忍受的负担，或者说，持续的熵增最终导向了不可避免的停滞，而超越熵增的唯一途径，就是选择退出系统。 书中详细分析了几个关键的“遗迹案例”： 1. “克苏鲁节点”： 一个由黑洞集群构成的稳定阵列，它似乎在“计算”着宇宙的命运。拓荒者通过分析阵列间极其微弱的引力波动，推断出这个文明试图在宇宙热寂之前，创造一个“信息替代品”。 2. “共振之城”： 一个漂浮在真空中的球形结构，其表面覆盖着无法被任何传感器穿透的“反物质外壳”。内部流传着只有通过特定频率的心灵感应才能接收到的信息片段——那是对“永恒的宁静”的赞美诗。 本书对这些遗迹的描述，充满了对未知力量的敬畏与恐惧。它探讨了人类在面对远超自身理解力的“存在形式”时，如何维护自身的科学理性与心理稳定。 第三部：新人类的坐标系 最终，星际拓荒者的使命不再是简单的发现，而是关于“选择”。面对前代文明留下的终极哲学困境，新一代的人类必须决定：是继承他们的“静默之道”，还是重新点燃燃烧的火种，沿着地球文明遗留的“不完美但充满变数”的轨迹继续前行？ 第三部聚焦于“拓荒者社会”的内部张力。一部分人主张“上传意识”，与遗迹中的信息流融合，追求一种超脱肉体的永恒；另一部分人，被称为“坚守者”，则坚持将人类的“混乱、激情与不确定性”视为文明的最高价值，并试图利用失落文明的技术，为人类开辟一条全新的、充满试错的空间航线。 书中对新的社会结构、跨物种伦理（如何对待那些在失落文明废墟上建立的临时定居点）以及“信息污染”的抵抗进行了深入的论述。这不是一个关于征服的故事，而是一个关于“传承与背弃”的故事。 《星际拓荒者：失落文明的回响》是一次对“文明终极形态”的哲学叩问。它要求读者放下对既有经验的依赖，以宇宙的尺度重新审视“进步”的含义，并思考：当知识的边界被完全打破，我们最终是寻找答案，还是选择创造新的问题？ 本书适合对硬科幻、宇宙社会学、未来人类学以及宏大叙事感兴趣的读者。它将带你领略比任何历史遗迹都更为深邃、更为令人不安的宇宙奇观。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事节奏，说实话，非常考验耐心，它拒绝做那种迎合快节奏读者的“导览手册”。如果你期待的是清晰的时间线索，或者某个朝代艺术风格的简单总结，那你可能会在第三章左右感到迷失。作者仿佛沉醉于一种近乎考古发掘式的写作方式，他不是线性地讲述“发生了什么”，而更像是在不同的时间点和空间维度上，布置下一系列关键的“锚点”，然后邀请读者自己去建立联系。这种结构上的跳跃性，起初让我有些抗拒，总觉得章节之间的衔接不够顺畅。但随着阅读的深入，我逐渐体会到这种看似松散的结构恰恰是为了模拟历史本身的复杂性和非线性发展。它不再把艺术看作是孤立的美学事件，而是将其嵌入到社会经济结构、宗教信仰的变迁，乃至地理环境的制约之中。例如，它对敦煌壁画的论述，就没有局限于艺术技巧的演变，而是花了大量笔墨去描绘丝绸之路沿线文化交融的宏大背景，以及信仰传播对视觉符号的重塑。这使得阅读过程变成了一种需要主动构建知识体系的智力活动，而非被动接受信息的灌输，读完后留下的，是一种知识体系的重塑感，而非仅仅信息量的增加。

评分☆☆☆☆☆

这本书，坦率地说，刚翻开的时候，我内心是有些忐忑的。毕竟，“中国艺术遗产”这个主题本身就浩瀚如烟海，想要在一本书里窥见全貌，几乎是不可能完成的任务。我原本预期会看到一本堆砌着名录和年代的枯燥学术专著，那种只能在图书馆深处被少数专业人士翻阅的典籍。然而，它的开篇就带着一股不同寻常的韧劲，没有急于展示那些耳熟能详的青铜器或石窟造像，而是像一位经验老到的向导，先带着你绕过那些最喧嚣的“景点”，去观察支撑起整个艺术体系的那些“地基”。作者似乎对“遗产”的定义有着远超物质层面的理解，他似乎在追问，支撑起中华文明数千年审美脉络的那些底层逻辑和思维定势究竟是什么。那种对材料、工艺背后所蕴含的哲学意图的挖掘，颇有一种庖丁解牛的精妙。我记得尤其深刻的是关于宋代文人画对“意境”的阐释，那里没有过多的笔墨细节描述，而是深入剖析了那种“不着一笔，尽得风流”的东方审美是如何在特定的社会结构和士人阶层心态中孕育、并最终固化为一种难以逾越的范式。读到此处，我不得不放下书，沉思良久，感觉自己对以往匆匆一瞥的那些艺术品，产生了一种全新的、更深层的敬畏感。

评分☆☆☆☆☆

总的来说，这本书给我的感觉更像是一份“诊断书”而非“教科书”。它没有试图提供一个标准答案或是一个清晰的“如何欣赏”的指南，而是提出了一系列关于“为什么会这样”的深刻疑问。它挑战了许多约定俗成的艺术史叙事，特别是那些带有西方中心主义视角的解读框架，强迫读者必须从中国自身的历史语境和文化逻辑中去重新审视和定位这些艺术成就。我尤其欣赏作者对于“模仿”与“创造”之间辩证关系的论述，这在西方艺术理论中常被视为一种贬义，但在中国艺术史上，它却常常是通往更高境界的必经之路，是“心法”代代相传的体现。读完此书，我不再将中国艺术视为一堆静态的、等待被欣赏的精美物件，而是将其视为一个持续演化、充满内在矛盾与生命力的巨大有机体。它提供了一种工具，一套观察和思辨的框架，帮助我们跳出表面的“美”，去触碰隐藏在艺术形式之下的、更深层的文化DNA。这是一本需要反复阅读，每次都能提供新视角的宝贵资源。

评分☆☆☆☆☆

从语言风格上来说，这本书展现出一种罕见的平衡感：既有学术的严谨，又不失文学性的感染力。它没有采用那种晦涩难懂的行话来建立自身的权威性，相反，作者的文字有着一种内敛的张力，如同上好的宣纸，看似朴素，却能承载深厚的墨韵。在阐述一些复杂的理论模型时，他会巧妙地引入一些古典文学中的意象作为类比，使得原本抽象的结构分析变得生动起来。比如，在解释中国古代建筑中“模数化”原理的形成时，他没有用复杂的数学公式，而是引用了古琴的音律结构作为比喻，将空间秩序与时间韵律进行了诗意的关联。这种穿梭于“硬核理论”与“柔性表达”之间的能力，使得这本书的阅读体验非常愉悦，它尊重读者的智力，也照顾到读者的审美需求。我可以清晰地感受到作者在遣词造句上的精雕细琢，每一个修饰语的选择似乎都经过了深思熟虑，旨在精确地捕捉到那个稍纵即逝的文化内涵。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到惊喜，也最让我感到醍醐灌顶的，是它对于“失落”和“中断”的探讨。很多关于文化遗产的书籍，总是不遗余力地赞美鼎盛时期的辉煌，将“传承”视为一条永不间断的金线。但这本书却以一种近乎冷静甚至略带悲凉的笔触，直面了那些被历史洪流冲刷掉、被权力更迭所湮没的艺术形式和技艺。作者没有回避那些“断裂点”，反而将这些中断视为理解整体艺术生态的关键。他探讨了某些地方性仪式艺术在中央集权化进程中如何被边缘化，以及某些精湛的工艺技术是如何因为材料的枯竭或赞助体系的崩溃而永远消逝在时间长河里的。这种对“非主流”和“流逝之美”的关注，极大地拓宽了我对“遗产”的定义。它不再仅仅是那些被博物馆精心保护的“明星文物”，而是包括了那些存在于民间记忆、口头传统和无形技艺中的“活着的遗产”。这种深刻的、带有批判性的反思，让整本书的论述厚重而富有人文关怀，而非停留在对过往成就的简单颂扬。