中国音乐剧发展历程与现状研究 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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付磊 著

图书标签:

• 音乐剧
• 中国音乐剧
• 音乐剧史
• 文化研究
• 戏剧研究
• 艺术史
• 表演艺术
• 音乐
• 中国文化
• 舞台艺术

出版社： 四川大学出版社

ISBN：9787569015188

版次：1

商品编码：12314386

包装：平装

开本：16开

出版时间：2017-12-01

用纸：胶版纸

页数：198

正文语种：中文

内容简介

　　音乐剧这种艺术形式已经在中国发展了30多年。其间，除了引进、搬演外国经典音乐剧目外，中国音乐剧人也在不断努力将音乐剧本土化，尝试创作出中国题材中国风格的音乐剧作品。《中国音乐剧发展历程与现状研究》对音乐剧在中国发展的进程进行梳理，论述了音乐剧艺术成长、发展、成熟的历程，从声乐、表演等不同视角分析各阶段代表性表导演艺术家的艺术特色及其成就；并就音乐剧发展状况及其历史变迁脉络以及中外歌剧音乐剧演出交流与合作进行了必要的描述和记叙。

作者简介

　　付磊，四川自贡市人，中国舞蹈家协会会员、中国戏剧文学学会会员、四川戏剧家协会会员。大学本科毕业于北京舞蹈学院音乐剧系，艺术硕士毕业于北京舞蹈学院，现为西南石油大学艺术学院表演专业讲师。于《北京舞蹈学院学报》等核心期刊发表《叙事性舞蹈在音乐剧<西区故事>中的功能》等多篇论文。2017年中央电视台春节联欢晚会凉山分会场导演组导演、编导；2017年国家艺术基金大型儿童剧《海上的诺苏火布》舞蹈编导；2017年参加中央文化管理干部学院中国戏剧文学协会国家艺术基金音乐剧编剧班培训学习。

目录

第1章 中国音乐剧发展概述
1．1 音乐剧发展历史概述
1．2 中国音乐剧的发展历程
1．3 音乐剧音乐的创作特征
1．4 中西音乐剧的差异
1．5 中国音乐剧的振兴之路

第2章 我国音乐剧表演及导演艺术探讨
2．1 搬演外国剧目与我国音乐剧表演及导演艺术的成长
2．2 原创剧目演出中的音乐剧表演及导演艺术
2．3 我国原创音乐剧中的导演艺术家举隅
2．4 对我国歌剧音乐剧表演导演艺术的整体评价与建议
2．5 对我国音乐剧表演艺术的整体评价

第3章 新时期音乐剧的中国化尝试
3．1 音乐剧中国化发生的内在机制
3．2 20世纪80年代与90年代的音乐剧
3．3 本土化与歌剧化、戏曲化的度量衡

第4章 音乐剧中国本土化的发展路径
4．1 音乐剧的教育
4．2 音乐剧的创作
4．3 音乐剧的产业

第5章 音乐剧中国本土化的思考
5．1 中国音乐剧在艺术上的回归和自省
5．2 中国音乐剧的本土化
5．3 中国音乐剧的古典性
5．4 音乐剧与现当代文化思潮的关系
参考文献

探索西方戏剧的辉煌与变迁：从古希腊到当代舞台的演进 一部深度剖析西方戏剧发展脉络、艺术特征与社会影响的百科全书式著作。 本书旨在为读者构建一幅宏大而精微的西方戏剧发展图景，系统梳理其自古希腊萌芽至二十一世纪的漫长历程。我们不侧重于单一的剧目评析，而是将戏剧视为一种动态的文化现象，深入探究其在不同历史阶段如何应对社会变革、哲学思潮与审美趣味的转向。全书以时间为轴，以思潮为核，力求呈现西方戏剧在结构、表演、主题与功能上的深刻演变。 第一部分：经典的奠基与形塑——古希腊至文艺复兴的源头活水 本部分着眼于西方戏剧的“原点”与“母题”。我们将详细考察古希腊悲剧与喜剧的社会功能、祭祀起源及其严格的结构规范（如三一律的形成与打破）。欧里庇得斯对人性的深入挖掘，索福克勒斯对命运与伦理冲突的探讨，以及阿里斯托芬的政治讽刺，构成了此后两千年戏剧的底层逻辑。 随后，我们将转向古罗马戏剧，分析其如何继承并改造希腊母题，特别是在喜剧（如普劳图斯、泰伦斯）方面展现出的世俗化倾向，以及其在公共仪式中的角色。中世纪的宗教戏剧——神秘剧、道德剧、民间传奇——则标志着戏剧从神坛走向广场的过渡，为世俗叙事的发展埋下了伏笔。 文艺复兴时期是西方戏剧的“黄金黎明”。本书将重点分析意大利人文主义复兴对古典戏剧的重新发现，以及伊丽莎白一世时代英国戏剧的空前繁荣。莎士比亚的戏剧被置于其独特的文化语境下——混合的体裁、宏大的时间跨度、对人类心理复杂性的描摹——如何彻底颠覆了古典的匀称与限制。这一部分还将考察西班牙黄金时代的洛佩·德·维加和卡尔德隆的戏剧特性，以及法国古典主义（高乃依、拉辛、莫里哀）对秩序、理性和情感节制的极致追求。 第二部分：理性的光辉与情感的觉醒——启蒙运动至浪漫主义的张力 进入十七、十八世纪，戏剧成为社会批判和道德教化的有力工具。启蒙运动时期，德国的“狂飙突进”运动与法国的狄德罗对“严肃喜剧”的倡导，反映了资产阶级对自身价值观的严肃审视。戏剧开始关注普通人的生活、家庭伦理和新兴的市民阶层道德。 浪漫主义的兴起，是对启蒙理性过度的反拨。本部分详述了浪漫主义戏剧如何解放舞台，拥抱非理性、激情、异域风情与历史的宏大叙事。拜伦、雨果等人的作品如何挑战既有的舞台规范，强调个体的自由意志和情感的至高无上，为现代戏剧的爆发积蓄了能量。 第三部分：现实的审视与形式的革命——从自然主义到现代主义的剧场转型 十九世纪下半叶，工业化和科学精神催生了对“真实”的极端追求。自然主义戏剧（如易卜生、斯特林堡的早期作品）以近乎病理学的严谨，将舞台变成了社会的显微镜，揭示隐藏在光鲜表象下的家庭秘密、阶级压迫与性别困境。本书将深入探讨自然主义如何影响舞台技术的革新，包括布景的写实化和表演方法的转变。 然而，对绝对“真实”的追求很快遭遇了瓶颈。二十世纪初，随着弗洛伊德心理学、尼采哲学对既有世界观的冲击，现代主义戏剧应运而生。象征主义、表现主义、未来主义、达达主义等一系列先锋流派，共同开启了一场对传统叙事和舞台美学的彻底颠覆。我们分析了布莱希特的“疏离效果”、爱德华·戈登·克雷的空间探索、以及荒诞派戏剧（贝克特、尤内斯库）如何通过非逻辑的对话和肢体动作，表达战后人类存在的荒芜感与对意义的绝望追寻。 第四部分：后现代的解构与多元的景观——当代戏剧的边界拓展 最后一部分聚焦于二战后至今的戏剧图景。后现代思潮对“宏大叙事”的质疑，使得当代戏剧更加关注身体性、身份政治、跨媒介融合以及观众的参与性。 我们将考察“新剧场”的兴起，探讨彼得·布鲁克如何追求“贫瘠的剧场”与普世意义的表达；分析后戏剧剧场（Hans-Thies Lehmann的理论框架）中，文本权威性的下降与视觉、听觉元素的并置；以及当代英美舞台（如莎米特、哈伍德）如何在经典重构中探讨全球化、身份认同与历史记忆的复杂性。本书也特别关注非西方戏剧思潮对西方戏剧的渗透与影响，展现当代戏剧作为一种开放、实验性极强的艺术形式，持续在空间、时间与观众关系上寻求新的可能性。 本书的独特价值在于： 它超越了简单的剧作家介绍，而是将西方戏剧视为一个不断自我质疑、自我更新的文化生态系统。通过对哲学思潮、社会结构与美学范式的交叉分析，读者将获得理解西方戏剧深层动力的钥匙，洞察其从祭祀仪式到全球剧场这一漫长演变中的关键转折点与永恒母题。这是一本献给所有热爱舞台艺术、探求人类心灵史诗的严肃读者的深度指南。

评分☆☆☆☆☆

初翻目录，那份对时间线的精确划分就让人感到踏实，它暗示着作者试图构建一个清晰的逻辑框架来承载复杂的演变过程。作为一名业余戏迷，我最容易犯的错误就是将所有音乐剧混为一谈，忽略了它们背后复杂的产业背景和政策导向。我非常期待书中能详细探讨政策环境对音乐剧创作的“双刃剑”效应。一方面，国家层面的扶持无疑为艺术形式的普及和人才培养提供了前所未有的机遇；但另一方面，过度依赖行政推动或主题性创作，是否在某种程度上抑制了作品的个体生命力和艺术的内在张力？书中对于商业运营模式的探讨也令我非常期待。音乐剧本质上是一种高投入、高风险的商业演出，在中国，这条产业链条的每一个环节，从剧本孵化、投资回报、票务营销到巡演机制，都充满了本土化的挑战。书中是否能提供成功的商业案例分析，解析它们是如何在保证艺术水准的同时，实现可持续运营的？这对于那些渴望将热爱转化为事业的年轻一代，无疑是极具操作指导价值的。

评分☆☆☆☆☆

拿到书后，我立刻被其严谨的学术态度和广阔的视野所吸引，这绝非一本简单的“回顾录”，而是一场深入骨髓的文化诊断。我个人对音乐剧的认知，长期以来都停留在对百老汇或西区经典剧目的模仿与引进阶段，对于本土创作如何在引进吸收的基础上，发展出自己独特的声腔设计和舞台调度方法，一直感到非常困惑。这本书显然正视了这一挑战，它没有回避中国音乐剧在寻找“声音身份证”过程中的彷徨与试错。我特别想知道，书中是如何剖析那些在不同地域、由不同团队主导的音乐剧流派之间的差异性的。例如，南方的精致细腻与北方的磅礴大气，在音乐语言上是如何体现的？更重要的是，它如何评估当下涌现的大量原创作品，它们在艺术质量上呈现出“良莠不齐”的现象，背后的深层原因究竟是人才结构失衡，还是剧本创作的底层逻辑尚未完全成熟？这种对现状的精准把脉和不加粉饰的批判性反思，对于推动行业健康发展至关重要，它能让身处其中的创作者和观众都清醒地认识到，我们站在历史的哪个坐标点上，离真正的世界级水平还有多远的路要走。

评分☆☆☆☆☆

这部研究的份量感，不仅仅体现在厚厚的篇幅上，更在于它试图将音乐剧置于更宏大的文化场域中进行考察。我一直认为，衡量一个艺术门类是否真正“成熟”，不仅要看其舞台表演的精湛度，更要看它是否能成功地将本土的经典文学、历史叙事或民间传说，转化为具有普世感染力的音乐戏剧。那些优秀的外国音乐剧之所以能够跨越文化鸿沟，是因为它们触及了人性共通的情感内核。那么，我们的中国音乐剧，在改编和原创的过程中，是否找到了属于自己的“普世性语言”？书中对近年来成功的改编剧目，例如那些取材自古典名著或历史人物的尝试，是否进行了深入的剧本结构和人物塑造的解剖？特别是音乐创作方面，中国音乐剧的“歌唱性”与“戏剧性”之间，到底是一个互相成就还是互相掣肘的关系？我希望能看到作者对如何平衡“咏叹调的华丽”与“对白的情景交融”这一核心矛盾的深刻见解，这直接关系到中国音乐剧能否真正摆脱“歌剧的翻版”或“话剧的加唱”的质疑，迈向独立成熟的阶段。

评分☆☆☆☆☆

阅读这类学术著作，最能带来满足感的，是那些揭示了“为什么会这样”的深层原因的论述。对于音乐剧这个相对年轻的艺术门类，其人才培养体系的建立无疑是关键中的关键。我深信，再好的剧本和投资，没有受过专业训练的演员、导演和乐队，一切都无从谈起。这本书是否对国内各大艺术院校的音乐剧教育模式进行了对比分析？例如，是偏重于美声唱法的基础训练，还是更强调现代声乐与戏剧表演的融合？这种教育路径的选择，直接决定了未来十年舞台上呈现的演员群像。此外，关于舞台美术和技术创新在推动中国音乐剧发展中的作用，我也非常好奇。我们是否已经开始应用更先进的数字技术、多媒体设计来拓展舞台的表现力，还是依旧受制于传统舞台空间的局限？对技术投入的探讨，能让我更清晰地看到这个行业在硬件和软件上所处的实际位置，它不仅仅是艺术的呈现，更是国家文化产业现代化进程的一个侧面写照。这部作品，无疑是理解中国当代舞台艺术转型的一个绝佳窗口。

评分☆☆☆☆☆

这部作品的问世，无疑为喜爱舞台艺术的同好们提供了一份珍贵的、系统性的梳理。我一直对那些在灯光聚焦下，歌声与舞蹈交织出的叙事充满好奇，尤其是那些植根于本土文化土壤的音乐剧，它们如何汲取传统养分，又如何在新时代的语境下完成自我蜕变与表达，这其中的脉络和关键节点，往往令人困惑。这本书的出现，就像是拿到了一份详尽的藏宝图，它没有停留在对某几部成功作品的肤浅赞美，而是深入到历史的纵深处，试图描摹出这条艺术形式从萌芽到成熟的崎岖路径。我特别期待阅读到关于早期探索时期，那些先行者们在技术、资金、人才储备都相对匮乏的条件下，是如何凭着一腔热血去搭建起最初的舞台框架的。那种筚路蓝缕的艰辛，往往是成就日后辉煌的基础。同时，对于不同历史阶段，社会思潮如何影响剧目选题、音乐风格乃至叙事方式的转变，书中想必也会有独到的分析，这能帮助我更深层次地理解，一部优秀的音乐剧，绝不仅仅是娱乐产品，更是特定时代精神的文化载体。它能否成功地在东方审美情趣与西方音乐剧的结构形式之间找到那个微妙的平衡点，并最终形成一种具有独特标识性的“中国气派”，是我最关注的核心议题之一，相信这部研究能提供丰富的案例支撑和理论探讨。