高校艺术研究论著丛刊：作曲技术理论与创作研究 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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张盛 著

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• 作曲技术
• 音乐理论
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• 学术著作
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• 艺术科学
• 作曲
• 理论研究

出版社： 中国书籍出版社

ISBN：9787506841399

版次：1

商品编码：12066768

包装：平装

丛书名： 高校艺术研究论著丛刊

开本：16开

出版时间：2016-11-01

用纸：胶版纸

页数：256

字数：296000

正文语种：中文

内容简介

　　《高校艺术研究论著丛刊：作曲技术理论与创作研究》将对音乐作品的创作技法分析融入到作曲技术理论与创作研究中，并以音乐作品的技法现象为依据将全书分为三部分。这三部分又可分为九个章节。
　　第一部分为一、二、三章，研究了作曲技术理论知识及各乐器的理论知识与性能，让学习者了解各类乐器的记谱、音域范围、各音区音色特点及演奏方式，从而为多声部乐器、管弦乐队等作品的创作打下必要的基础。
　　第二部分为第四、五、六、七、八章，研究了纵向和声思维与设计应用、音乐作品中的调式与调性关系、总谱的组织及配器法、多种音乐体裁作品的写作、整体构思及线性写作应用，全面的剖解作曲技法与创作的相关专业知识，从而培养专业创作者的专业创作技能，进而创作出具有深度、有内涵、动人心弦的音乐作品。
　　第三部分为第九章，主要研究了音高体系的变革、双调性与多调性、泛调性、非调性的音乐作品、整体序列音乐以及偶然音乐、电子音乐、微分音乐、观念音乐、拼贴音乐，并从现代人的审美情趣来研究近现代作曲技法与风格，从而采取呈新弃旧的技术思考角度，以近似于绝对理性化的创作理念来创作音乐作品。

内页插图

目录

第一章 绪论

第二章 作曲技术理论基础
第一节 节奏、节拍及旋律的概念、意义
第二节 音乐结构分析的基础知识与方法
第三节 音乐作品材料及线形思维的建立

第三章 关于乐器的理论知识与性能
第一节 弦乐器
第二节 木管乐器
第三节 铜管乐器
第四节 打击乐器
第五节 拨弦乐器
第六节 键盘乐器

第四章 纵向和声思维与设计应用研究
第一节 和弦及四部和声的规则
第二节 原位正三和弦和声配置与和弦外音
第三节 织体形态的布局设计
第四节 和声语汇的应用与扩充

第五章 音乐作品中的调式与调性关系
第一节 大小调式体系
第二节 民族调式
第三节 离调与转调
第四节 完整作品的调性布局

第六章 总谱的组织及配器法的研究
第一节 钢琴谱与总谱的关系及移调乐器
第二节 管弦乐队的组织形式与总谱的排列
第三节 多声部织体及各乐器组合的配器分析

第七章 不同音乐体裁作品的写作
第一节 钢琴小品的写作技法
第二节 艺术歌曲的写作技法
第三节 器乐重奏的创作技法
第四节 西洋管弦乐的写作方法

第八章 整体构思及线性写作应用研究
第一节 音乐中的调性变换
第二节 乐曲的起伏与高低潮
第三节 音乐陈述的写法与主题材料布局
第四节 复调音乐体裁的分析研究
第五节 线性写作在音乐创作中的价值

第九章 近现代作曲法分析与风格研究
第一节 音高体系的变革
第二节 调性形态的多样性
第三节 非调性的音乐作品
第四节 多种风格与类型的音乐
参考文献

前言/序言

　　音乐是伴随着人类的出现而产生的，在人类还没有产生语言时，就能利用声音的高低、强弱等来表达自己的意思和感情。因此，它是人类社会发展到一定阶段的产物。音乐又是以声音为物质材料构成的艺术，而声音必须用听觉去感知，并通过人类大脑的处理，将所感知的音乐逐渐转化成一种成型化的理解——情感。音乐的情感包含了“喜…'怒”“哀…'乐”，要想通过不同的音乐作品，表达出不同的情感，这就需要按照音乐作品的形成规律去探索与创作。
　　当今，随着社会的发展，人们审美情趣的提高，越来越多的音乐爱好者投入到了音乐创作中。为此，音乐爱好者要想创作出有深度、华丽而极具内涵的音乐作品，则需要学习专业的作曲技术理论知识与对各类音乐作品风格的分析能力。需要提出的是，专业的作曲技法并不应当是孤立存在的现象，更不是表面的模仿和写出一些连自己都不理解的东西，它需要与创作者个人对生活的感受、社会经历、文化理解及所存在的音响背景相符合，才能创作出动人心弦的音乐作品。为此，本书以作曲技术理论知识为研究基础，并在掌握基础的同时，更深层次地研究创作。
　　本书将对音乐作品的创作技法分析融入到作曲技术理论与创作研究中，并以音乐作品的技法现象为依据将全书分为三部分。这三部分又可分为九个章节。
　　第一部分为第一、二、三章，研究了作曲技术理论知识及各乐器的理论知识与性能，让学习者了解各类乐器的记谱、音域范围、各音区音色特点及演奏方式，从而为多声部乐器、管弦乐队等作品的创作打下必要的基础。
　　第二部分为第四、五、六、七、八章，研究了纵向和声思维与设计应用、音乐作品中的调式与调性关系、总谱的组织及配器法、多种音乐体裁作品的写作、整体构思及线性写作应用，全面的剖解作曲技法与创作的相关专业知识，从而培养专业创作者的专业创作技能，进而创作出具有深度、有内涵、动人心弦的音乐作品。
　　第三部分为第九章，主要研究了音高体系的变革、双调性与多调性、泛调性、非调性的音乐作品、整体序列音乐以及偶然音乐、电子音乐、微分音乐、观念音乐、拼贴音乐，并从现代人的审美情趣来研究近现代作曲技法与风格，从而采取呈新弃旧的技术思考角度，以近似于绝对理性化的创作理念来创作音乐作品。
　　综上所述，本书在撰写的过程中做到了参考和借鉴了众多专家和学者的研究成果。同时，本书以“系统性”“专业性”为撰写原则，力争做到“层次鲜明”“与时俱进”等特色。由于时间的仓促，作者搜集的资料不足，难以博采众芳，再加之水平有限，书中的不足之处，敬请大方之家、同仁师友批评指正。

现代音乐的听觉图景：基于新颖和声语言的探索与实践 丛书介绍： 本丛书致力于深入挖掘当代音乐创作的理论前沿与实践路径，聚焦于解析和声学的演变、音乐形式的革新以及技术分析方法的精进。本卷着重探讨在二十世纪后半叶至二十一世纪初，作曲家们如何超越传统调性体系的束缚，构建出富有个人特征和时代精神的音乐语言。我们期望通过对一系列标志性作品的剖析，为研究者、创作者以及对现代音乐抱有热忱的听众，提供一套系统、深入的理论参考与启发性的创作视角。 本册核心内容导览： 第一部分：新和声语汇的生成机制 本部分将集中探讨在传统功能和声衰退后，作曲家们如何系统地重建或重构和声的组织逻辑。我们摒弃了将这些创新简单归类为“无调性”或“十二音体系”的刻板印象，而是深入研究了其内在的组织原则。 第一章：音集理论的深化与拓展 本章详细分析了基于集合论的音高组织方式，特别是对音高类（Pitch Class Sets）的结构性研究。重点将放在最大集合（Maximal Sets）和子集分解（Subset Decomposition）的分析方法上。我们将阐述如何通过计算转置不变性（Transposition Invariance）和反向不变性（Inversion Invariance）来揭示特定音集内部的逻辑关联，并考察这些技术如何影响作品的宏观结构与微观织体。尤其关注“小段落音乐”（Segmental Music）中，音集如何决定特定乐段的情绪基调和色彩变化。 第二章：微音程与泛音的声场构建 超越十二平均律的桎梏，本章聚焦于微音程（Microtones）在当代音乐中的实际应用。我们将考察不同文化背景下的微音实践，例如二十四平均律、五度音律以及基于自然泛音列的系统化构建。通过对特定作曲家（如哈里·帕奇或当代数字音乐家）作品的分析，揭示微音是如何被用来拓展听觉空间，创造出传统乐器难以企及的“声学张力”（Acoustic Tension）与“空间共振”（Spatial Resonance）。我们将探讨如何利用数字合成技术模拟和精确控制这些细微的音高变化，并将其融入到传统乐器的写作之中。 第三章：非等级化的和声流动 本章剖析了“平铺和声”（Tiling Harmonies）和“零点和声”（Zero-Point Harmonies）的概念。这些概念的核心在于消除传统调性中主属关系所带来的“动势”与“解决”。我们通过对特定极简主义与后极简主义作品的分析，阐明和声是如何从“叙事性”转向“描述性”的。音乐的进程不再是朝着预设终点的线性运动，而是对某一特定和声状态的长时间、多角度的“沉浸式观察”。分析将集中于节奏与和声密度的细微调整如何产生微妙的听觉心理变化。 第二部分：织体与结构：超越传统形式的构建 本部分将探讨在新的和声框架下，音乐结构和织体（Texture）是如何被重新设计的，以适应和声语言的内在需求。 第四章：多层次织体的叠加与互动 本章深入研究“分层织体”（Stratified Textures）的原理。在许多现代作品中，不同的声部或乐器组不再遵循统一的节奏和动机材料，而是各自发展一套独立的运动规律，然后在某一时刻发生复杂的交叠和碰撞。我们将运用“事件导向分析”（Event-Oriented Analysis）的方法，将织体视为一系列相互独立的“声学事件”的集合，考察这些事件如何通过密度、运动速度和音域的差异来塑造音乐的整体形象。 第五章：动态序列与过程音乐的结构模型 本章聚焦于过程音乐（Process Music）的结构构建。与序列主义对预设音高的控制不同，过程音乐强调的是一个生成过程本身构成了音乐的结构。例如，一个简单的动机如何在重复、迭代、增加或减少特定参数（如音符数量、节奏单位）的过程中，自然而然地演化出宏大的结构。我们将剖析如何通过数学模型和算法来定义这些“过程”，并考察这些过程如何在听觉上被感知为有意义的结构进展。 第六章：空间性与声场布局 本章关注空间因素如何内化为音乐结构本身。我们不再仅仅将空间视为声音的播放环境，而是将其视为一个“可编程的维度”。对“声场扩散”（Sound Field Diffusion）的分析将是重点，考察作曲家如何利用多声道技术、延迟和反射模式来描绘三维的听觉空间。这不仅关乎声音的物理位置，更关乎不同声部在虚拟空间中的“心理距离”和“相互作用”。 第三部分：工具与语境：创作实践的前沿探讨 本部分将目光投向当代创作工具对和声与结构影响，以及理论与实践的互动关系。 第七章：计算机辅助作曲与人机协作的和声发现 本章探讨了诸如Midi编程、Max/MSP、SuperCollider等数字工具在生成复杂和声结构中的作用。重点讨论作曲家如何利用这些工具来探索那些人脑难以直观构思的复杂音集关系或非线性过程。我们将分析“算法生成”的音乐与“手工塑造”的音乐之间的辩证关系，以及如何通过人机协作，确保技术生成的结果依然保有深刻的音乐意图。 第八章：跨媒介视角的和声投射 本章考察了当代音乐创作中，视觉艺术、哲学思辨甚至科学理论如何被“翻译”成和声语言。例如，如何将拓扑学概念转化为音高间的空间关系，或如何将特定哲学流派的“流动性”或“断裂性”投射到和声的连接方式上。这种跨媒介的转换过程，是理解当代作曲家如何为自己的创新寻求理论支点的关键。 结语：走向未来的听觉感知 本丛书的收尾部分将对上述探索进行综合性的反思。我们认为，现代和声技术的发展，本质上是对人类听觉极限和感知规律的不断试探与拓展。理解这些复杂的技术工具和结构模型，是为了最终能更自由、更深刻地表达当代世界的复杂性和多义性。本书力图提供一个开放的平台，鼓励下一代研究者和创作者，在继承前人探索的基础上，继续拓展音乐语言的边界。 本书特点： 技术深度：避免泛泛而谈，提供基于具体数学模型和集合论的分析方法。 实践导向：大量引用和分析当代（1970年至今）具有里程碑意义的音乐实例。 批判性视野：旨在探讨技术背后的哲学意图，而非简单罗列技术本身。

评分☆☆☆☆☆

我一直认为，音乐创作是一项充满神秘色彩的活动，如同艺术家在画布上挥洒色彩，音乐家也在无形的声波中构建着自己的世界。而这本书，则像一本探险者的指南，为我揭开了这层神秘的面纱。《高校艺术研究论著丛刊：作曲技术理论与创作研究》并没有给我灌输死板的规则，而是让我看到了作曲技术背后所蕴含的逻辑与美感。例如，在分析一首交响乐时，书中会详细解读作曲家如何运用不同的配器来营造特定的情绪氛围，如何通过旋律线条的起伏来表达内心的起伏。我对书中关于“音乐织体”的章节印象尤为深刻，它让我理解了不同声部之间是如何相互呼应、交织缠绕，最终形成一幅丰富而立体的音乐画卷。这本书让我明白了，创作不仅仅是凭空想象，更是对音乐元素深刻理解和巧妙运用的结果。它不仅提升了我对音乐作品的鉴赏能力，更让我对那些伟大的作曲家们，充满了由衷的敬佩。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我是一个对音乐理论本身兴趣并非特别浓厚的人，更多的是被那些优美的旋律和动人的情感所吸引。但是，当我偶然翻阅这本《高校艺术研究论著丛刊：作曲技术理论与创作研究》时，我被它独特的研究视角深深地吸引了。它并没有将理论知识枯燥地呈现，而是巧妙地将其融入到对著名作曲家创作实践的分析中。我读到关于德彪西印象主义音乐的研究，那些模糊的音响和色彩感，原来是建立在对和声色彩和调性关系的独特运用之上；读到斯特拉文斯基的《春之祭》，那种原始而野性的节奏和不协和音程，是如何打破传统，引领音乐进入一个全新的时代。这本书的伟大之处在于，它能够将那些听起来遥不可及的艺术成就，通过深入浅出的理论解析，变得触手可及，让我看到了音乐家们在创作过程中所经历的艰难探索和突破。它让我明白，每一首伟大的作品背后，都凝聚着作曲家对音乐本体的深刻理解和不懈追求。

评分☆☆☆☆☆

这本《高校艺术研究论著丛刊：作曲技术理论与创作研究》的封面设计就透露出一种严谨而又不失艺术的格调，厚实的纸张和精致的装帧，让人一看就知道这是一部值得细细品读的学术著作。我翻开它，首先映入眼帘的是精密的乐理分析和严谨的作曲技法阐述，仿佛一位经验丰富的音乐导师，循序渐进地引导我探索音乐的深层奥秘。书中对和声、对位、曲式等传统作曲理论的讲解，不仅清晰易懂，更融入了许多作者的独到见解和前沿思考，让人在温故知新的同时，也感受到了学术研究的蓬勃生命力。我特别欣赏其中对于不同历史时期作曲家创作手法的对比分析，那种严谨的逻辑和深刻的洞察力，让我对音乐的演进有了更宏观和立体的认识。不仅仅是理论的堆砌，书中还穿插了大量生动的乐例，使得枯燥的理论瞬间变得鲜活起来，仿佛能听到那些经典作品在纸页间流淌。这本书的价值，不仅在于它系统地梳理了作曲技术的脉络，更在于它激发了我对音乐创作的无限热情和深入思考，让我意识到，真正的作曲艺术，是建立在扎实的理论功底之上的灵感迸发。

评分☆☆☆☆☆

我之所以会对这本书产生浓厚的兴趣，很大程度上是因为我一直对那些能够触及音乐灵魂深处的作品有着难以抑制的探索欲。这本书的书名，虽然听起来有些学术化，但当我真正沉浸其中后，却发现它恰恰是一把解开音乐创作密码的钥匙。它不仅仅是教你如何“写”出一首曲子，更是引导你理解“为何”要这样写，以及“如何”才能写出具有深度的作品。书中对复调技法的探讨，让我对巴赫的赋格有着全新的理解，那种精妙的织体构建，仿佛看到了数学般的严谨与逻辑；而对奏鸣曲式的分析，则让我明白了莫扎特和贝约这些大师是如何将情感和结构完美地融合在一起的。更让我惊喜的是，书中还探讨了一些现代作曲技法，比如序列音乐、电子音乐的理论基础，这让我看到了音乐艺术在时代浪潮中的发展和创新。我尤其喜欢其中关于“动机发展”的章节，作者将一个简单的音乐片段如何经过巧妙的变形和组织，最终演变成一首宏大的交响乐，这种“化繁为简，以小见大”的创作智慧，令我叹为观止。这本书让我深刻体会到，作曲不仅仅是天赋的闪光，更是智慧与汗水的结晶。

评分☆☆☆☆☆

当我拿起这本书时，我并没有抱着学习作曲的功利心，更多的是一种对音乐艺术的求知欲。这本书的名字虽然带有“技术”和“理论”，但我却在字里行间感受到了创作者的灵魂与温度。书中对于音乐形式的解读，让我看到了不同时期音乐家们在组织和构建音乐结构上的匠心独运。例如，对奏鸣曲式的细致剖析，让我不再仅仅是听到旋律，更能理解其内在的戏剧冲突和情感发展；对赋格的讲解，则让我看到了音乐如何在逻辑的框架下展现出无限的创造力。我尤其欣赏书中对“创作过程”的探讨，它不仅仅是罗列技法，更是试图揭示作曲家们在灵感涌现、构思成型、直至最终完成作品的整个心路历程。这种对创作过程的关注，使得理论的学习不再是冰冷的知识点，而是充满了人文关怀的艺术探索。这本书让我对音乐创作的理解，从“知道是什么”上升到了“理解为何如此”。