乐理听音练耳入门蒋维民周温玉上海音乐出版社正版全新课本9787805535913 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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蒋维民，周温玉 著

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• 蒋维民
• 周温玉
• 上海音乐出版社
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店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787805535913

商品编码：29684797343

页数：77

图书基本信息
书名：	乐理 听音 练耳入门
丛书名：	音乐考级辅导
出版社：	上海音乐出版社
ISBN号：	9787805535913
出版年份：	1997年7月

版次：	第1版
总页数：	77页
开本：	1/16
图书定价：	14.00元
实际重量：	190 g
新旧程度：	正版全新

本书既可作为自学的教材，又可作为辅导班的辅导教材，同时，也可以帮助一些学生家长了解这门课程的内容。考虑到中小学生的阅读和理解能力，书中文字力求浅显易懂。在本书中，除了注意说清一些理论上的问题之外，更注意介绍一些学习方法。书中附有大量习题供学习者使用。书的后附有参考答案，使本书更具有实用价值。同时，根据我们在上辅导课时接触到的问题，在每章文字后面加上了“问题解答”这一栏目，以帮助学习者弄清在学习实践中遇到的各种实际的问题。为了进一步突出本书的实用性，还随书出版了有声音带，将听觉训练的习题变成有音响效果的实例，相信这会对学习者有更大的帮助。本书将着眼点放在“入门”上，主要解决乐理学习与听觉训练中一些基本的问题。希望能帮助初次接触乐理与听音练耳的学习者找到正确的学习方法，从而走好关键的“步”！

章 音名与唱名第二章 五线谱第三章 变音记号第四章 节奏 节拍第五章 音程第六章 大调式与小调式第七章 和弦第八章 移调第九章 常用音乐记号与音乐术语第十章 听觉训练之一——听辨音程第十一章 听觉训练之二——听辨和弦第十二章 听觉训练之三——听写旋律附录 习题答案

乐理和听音练耳是音乐教育中重要的基础课程。无论是学习西洋乐器、学习中国乐器、还是学习唱歌，都必须具有一定的乐理知识，具有一定的音乐听觉能力。蒋维民、周温玉编著的《乐理听音练耳入门》是为了帮助广大学习者学好这两项基础课程所编写的。在《乐理·听音·练耳入门》中，除了注意说清一些理论上的问题之外，更注意介绍一些学习方法。如，练习的方法、做题的方法、巧记的方法、解决问题的先后步骤……等等。书中附有大量习题供学习者使用。书的后附有参考答案，使《乐理·听音·练耳入门》更具有实用价值。同时，根据我们在上辅导课时接触到的问题，在每章文字后面加上了“问题解答”这一栏目，以帮助学习者弄清在学习实践中遇到的各种实际的问题。为了进一步突出《乐理·听音·练耳入门》的实用性，还随书出版了有声音带，将听觉训练的习题变成有音响效果的实例，相信这会对学习者有更大的帮助。该书既可作为自学的教材，又可作为辅导班的辅导教材，同时，也可以帮助一些学生家长了解这门课程的内容。

西方音乐史纲：从古代到二十世纪 本书旨在为音乐学习者和爱好者提供一部全面而深入的西方音乐史概览。内容涵盖了自古希腊文明萌芽至二十世纪末的音乐发展脉络，重点剖析了不同历史时期的音乐风格、重要作曲家及其代表作品，以及音乐社会背景的相互影响。 第一部分：古代与中世纪的音乐（约公元前500年 – 1400年） 本部分首先追溯西方音乐的源头，详细考察了古希腊音乐理论的基础，如毕达哥拉斯对音程的数学研究，以及古希腊音乐在戏剧和宗教仪式中的应用。尽管直接的音乐遗存稀少，但其对西方音乐伦理和理论的深远影响被予以强调。 随后，我们将进入中世纪的漫长时期。重点阐述了早期基督教音乐的形成与发展，特别是格里高利圣咏（Gregorian Chant）的结构、记谱法（纽姆谱的演变）及其在教会礼拜中的核心地位。我们会探讨单音音乐（Monophony）如何逐渐演变为复调音乐（Polyphony）。这一演变过程是西方音乐史上最关键的转折点之一。我们将详细分析早期复调的代表形式——奥尔加农（Organum），以及圣马可音乐学校（Schola Cantorum）和巴黎圣母院乐派（Notre Dame School）在确立早期对位法原则方面所做的贡献，特别是列奥宁和佩罗坦的作品。 同时，本书也将关注世俗音乐在中世纪的地位。吟游诗人（Troubadours）、吟游歌唱家（Trouvères）和游吟乐师（Minnesänger）的作品不仅展现了中世纪的社会风貌和爱情主题，也为后来的歌剧和艺术歌曲奠定了基础。我们将分析他们的音乐特点，例如叙事性强、结构相对自由的特点。 第二部分：文艺复兴时期的音乐（约1400年 – 1600年） 文艺复兴是“人文主义”精神渗透到音乐领域的时期。本章将探讨彼时音乐的中心——勃艮第乐派，及其如何过渡到以弗兰德斯作曲家为核心的“共同体风格”。重点分析了复调音乐的成熟，包括严格对位法（Strict Counterpoint）的运用，以及“模仿”技巧（Imitation）的广泛使用，这使得音乐织体更加均衡、清晰和人性化。 我们将深入研究弥撒曲（Mass）和经文歌（Motet）在这一时期的发展。重点介绍若斯坎·德普雷（Josquin des Prez）的作品，他被誉为文艺复兴音乐的集大成者。随后，我们将聚焦于宗教改革和反宗教改革对音乐的影响。马丁·路德推行的圣歌（Chorale）改革，以及特伦特会议后帕莱斯特里纳（Palestrina）在罗马天主教会音乐净化中所扮演的关键角色。 世俗音乐方面，牧歌（Madrigal）是这一时期最重要的体裁。我们将分析意大利和英国牧歌的风格差异，探讨其如何通过音乐表情（Word Painting）来描绘文本内容，体现了文艺复兴时期对情感表达的重视。此外，早期器乐的独立发展，如维吉纳琴音乐和鲁特琴音乐，也将被提及。 第三部分：巴洛克时期的音乐（约1600年 – 1750年） 巴洛克时期是音乐史上充满戏剧性、情感强度和复杂装饰的时代。本部分将从佛罗伦萨的“歌剧诞生”开始叙述。重点分析了早期歌剧（如蒙特威尔第的作品）如何尝试恢复古希腊悲剧的理想，以及“主导-副导”概念（Doctrine of Affections）如何指导音乐的情感表达。 通奏低音（Basso Continuo）的出现是巴洛克音乐的技术基石，它赋予了音乐强烈的方向感和和声基础。我们将详细探讨巴洛克早期出现的关键体裁：清唱剧（Oratorio）、康塔塔（Cantata）以及协奏曲（Concerto）的早期形式。 随后，我们会深入研究巴洛克晚期的两位巨匠：亨德尔和巴赫。亨德尔的意大利歌剧和英国清唱剧（特别是《弥赛亚》）展示了宏大叙事和完美形式的结合。而巴赫的作品，特别是其赋格曲（Fugue）和对位法艺术的巅峰之作，如《平均律键盘曲集》和《赋格的艺术》，体现了严谨的结构逻辑与深刻的精神内涵。 器乐方面，奏鸣曲（Sonata）、组曲（Suite）和协奏曲大协奏曲（Concerto Grosso）的发展脉络被清晰勾勒。维瓦尔第的协奏曲风格及其对后世的影响也作为重要案例被分析。 第四部分：古典主义时期的音乐（约1750年 – 1820年） 古典主义时期强调“清晰、平衡、自然”的审美理想，是对巴洛克复杂性的反思。本章集中探讨了奏鸣曲式（Sonata Form）的最终确立及其在交响曲、奏鸣曲和弦乐四重奏中的核心作用。 “维也纳古典乐派”的三位代表人物——海顿、莫扎特和贝多芬——是本章的主角。海顿被誉为“交响曲之父”和“弦乐四重奏之父”，他的贡献在于规范了这些器乐体裁的结构。莫扎特的音乐则以其无与伦比的旋律天赋、精致的戏剧感（尤其在歌剧《费加罗的婚礼》中）和对和声的精妙运用而著称。 贝多芬被视为古典主义向浪漫主义过渡的桥梁。他的早期作品继承了古典传统，但从中期开始，作品的规模、情感强度和个人意志的表达开始突破既有限制，为后来的浪漫主义思潮铺平了道路。我们还将考察这一时期钢琴音乐的兴起及其在家庭音乐生活中的重要性。 第五部分：浪漫主义时期的音乐（约1820年 – 1910年） 浪漫主义音乐的核心是强调个体情感、想象力、对超自然和民族精神的追求。这一时期的音乐在和声语言上变得更加丰富和复杂，配器法达到了新的高度。 本部分首先考察了早期浪漫主义的代表人物：舒伯特（德语艺术歌曲Lied的集大成者）和舒曼（钢琴浪漫曲的代表）。随后，转向程序音乐（Program Music）的兴盛，李斯特的交响诗（Symphonic Poem）及其在推动管弦乐革新中的作用将被详细分析。 歌剧方面，我们将对比意大利正歌剧（Verdi）与德国浪漫主义歌剧（Wagner）。瓦格纳的“主导动机”理论、对“乐剧”（Gesamtkunstwerk）的追求以及和声上的大胆探索（如《特里斯坦与伊索尔德》），被视为对传统音乐体系的颠覆性挑战。 民族乐派（Nationalism）的兴起是浪漫主义的另一重要特征，如俄国的“五人强力集团”以及捷克的德沃夏克和斯美塔那，他们致力于将本民族的民间音乐元素融入古典体裁中。 第六部分：二十世纪及以后的音乐变革（1900年至今） 进入二十世纪，音乐思潮呈现出空前的多元化和实验性。本章将追踪从晚期浪漫主义（如马勒、理查·施特劳斯）向现代主义过渡的过程。 印象主义（Debussy）和表现主义（Schoenberg）是初期变革的关键。印象主义通过模糊的音色和非传统的调性来营造氛围；而以“十二音体系”为代表的第二维也纳乐派则彻底放弃了传统调性结构，追求“十二音十二音平等”的原则。 我们将探讨新古典主义（Stravinsky）对早期体裁的回归与解构，以及对原始主义（Primitivism）的探索。战后，音乐的实验性进一步加强，包括：序列音乐（Serialism）、偶然音乐（Aleatoric Music，如Cage的作品）、电子音乐的诞生与发展。最后，本书将简要概述后现代主义对音乐的再思考，以及当代音乐在不同流派间的并存状态。 贯穿全书，配有关键术语的解释、重要作品的结构分析和历史背景的解读，旨在帮助读者建立清晰的音乐史认知框架。

评分☆☆☆☆☆

从一个大学音乐系学生的角度来看，市面上很多教材的编写风格都过于陈旧，内容上可能知识点是齐全的，但教学法已经跟不上时代了。这本书的出现，为我们提供了一个非常现代化且实用的参考标准。它的结构安排非常严谨，但绝不僵化。我个人特别欣赏它在“视唱练唱”板块的处理方式。它没有采用那种老生常谈的、只注重音准和节奏的机械训练，而是巧妙地将听辨能力与实际的演唱（或演奏）结合起来。例如，在练习听辨增六和弦时，它不仅要求你听出来，还要求你能够准确地视唱出来，这极大地锻炼了“耳、脑、口（手）”三者的同步协调能力。此外，作为正版教材，其配套资源的易用性也是一个加分项（虽然我这里只评价书本本身，但其设计理念显然是面向多媒体教学的）。纸质书的设计充分考虑了练习时的便利性，笔记区域足够大，便于标记难点和心得。对于正准备考级或者希望系统性提升自己基础技能的学生来说，这本书的价值无可估量，它提供的训练深度足以支撑你通过更高级别的考试和挑战。

评分☆☆☆☆☆

这本《乐理听音练耳入门》简直是音乐学习的“定海神针”，对于我这种半路出家、乐理基础薄弱的乐迷来说，简直是雪中送炭。我之前尝试过好几本所谓的“零基础入门”教材，结果往往是概念堆砌，晦涩难懂，感觉自己像在啃一本外星文。但是蒋维民和周温玉老师的这本，真的做到了把复杂的理论拆解成一个个清晰、可操作的步骤。尤其是它在听觉训练部分的设计，简直是教科书级别的。不像有些教材只罗列音程、和弦，然后让你死记硬背，这本书更注重的是“感受”和“辨识”。比如，在区分大小调色彩时，它不是简单地告诉你“大调明亮，小调悲伤”，而是通过大量精心设计的练习，让你在听觉上建立起这种感觉和音高的联系。我特别喜欢它循序渐进的难度设置，从最基础的单音辨识，到复杂的调式和弦进行分析，每一步都踏得非常稳健，让我有一种“我真的可以学会”的信心。而且，作为上海音乐出版社的出品，其专业性和权威性是毋庸置疑的，装帧印刷也让人感到非常舒服，纸张的质感拿在手里就很让人有学习的欲望。对我来说，它已经不只是一本教材，更像是一位耐心的私人导师，随时准备指导我的音乐耳朵。

评分☆☆☆☆☆

我是一名在成人合唱团活动了多年的乐手，虽然对音乐的热爱毋庸置疑，但在处理复杂合唱作品时，常常因为听觉分辨能力不足而感到力不从心，尤其是在处理多声部对位和声部交织时，很容易“迷失方向”。购买《乐理听音练耳入门》纯粹是想找回一些逝去的音乐理论知识，没想到它带来的效果如此显著。这本书对于“多声部听觉分离”的训练，简直是为我量身定做的。它通过不同音区、不同音色（虽然是模拟的）的对比练习，有效地教会我的耳朵如何“聚焦”。我开始能清晰地分辨出低音声部进行的走向，以及高音声部之间微妙的起伏变化，这极大地改善了我在合唱排练中的表现。而且，这本书的语言风格非常平易近人，即便是像我这样已经脱离传统课堂多年的学习者，也能快速地进入状态。它没有高高在上的学究气，而是充满了对音乐实践的关怀。它让枯燥的耳朵训练变得像解谜一样有趣，每一次成功辨识出一个复杂的和弦或经过音，都带来巨大的成就感。强烈推荐给所有希望提升自己“听觉敏感度”的音乐爱好者和实践者。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我买这本书之前对“练耳”这个概念是抱有抵触情绪的，总觉得这是天才音乐家才需要做的事情，自己学弹琴、听歌开心就好，何必折磨自己的耳朵？然而，读了这本书前几章后，我彻底改变了看法。它完美地阐释了为什么“听力训练”对于任何级别的音乐爱好者都至关重要。这本书的厉害之处在于，它没有把听音和乐理割裂开来，而是把它们紧密地编织在一起。比如，在讲解某个和弦的结构时，紧接着就会出现一个听觉练习，要求你听出这个和弦的“质感”和“色彩”。这种理论与实践的即时反馈，让抽象的乐理知识瞬间变得立体起来。我过去背诵的那些和弦名称，现在听起来终于有了实实在在的“画面感”。特别是书中对于节奏和节拍的听辨训练，设计得极其巧妙，不再是枯燥的打拍子，而是结合了一些非常贴近生活和常见音乐片段的例子，让我一下子就抓住了那些微妙的律动差异。这本书的排版布局也相当人性化，每页的留白恰到好处，不会让人觉得拥挤，非常适合长时间对着练习。对于想要真正理解音乐底层逻辑的人来说，这绝对是值得投资的一本书。

评分☆☆☆☆☆

我是一名业余的作曲爱好者，过去写出来的曲子总感觉“差点意思”，总是在和声进行上显得很生涩、不自然。直到我开始系统地使用这本《乐理听音练耳入门》，才恍然大悟，问题出在哪里。这本书的深度远远超出了入门级别所能提供的范畴，它更像是一座连接了基础知识与高级音乐思维的桥梁。在和声部分，它没有停留在简单的三和弦，而是大量引入了各种色彩和弦以及转位和弦的听觉辨识练习。最让我受益匪浅的是，书中对于“旋律进行”和“声部进行”的听觉追踪训练。以前我只能靠感觉来调整自己的旋律走向，现在我能清晰地听到导音的倾向性、五度的进行如何增强稳定感等等。这套训练体系极大地提升了我对音乐“语感”的建立。当我再次回到我的创作软件前，我发现自己能更精准地预判下一个音符或和弦应该如何展开，听起来也更流畅、更符合听众的心理预期。这本书的作者们显然对音乐教育有着深刻的理解，他们知道听众的大脑是如何处理声音信息的，并据此设计了最高效的学习路径。