中国民族民间音乐教程杜亚雄王同上海音乐出版社正版全新课本9787806679357 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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钮骠 著

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• 民间音乐
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• 杜亚雄
• 王同
• 上海音乐出版社
• 高等教育
• 音乐理论
• 专业课程

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787806679357

商品编码：29684815061

页数：298

图书基本信息
书名：	中国戏曲史教程 戏曲卷
丛书名：	高等艺术教育“九五”部级教材  中国艺术教育大系
作者/主编：	钮骠
出版社：	文化艺术出版社
ISBN号：	9787503925726
出版年份：	2004年

版次：	第1版
总页数：	298页
开本：	1/32
图书定价：	58元
实际重量：	281 g
新旧程度：	正版全新

我们编写这本教程，是在前辈学才研究成果的基础上，简要地加以梳理而成，是作为戏曲院校的各个科系，开设戏曲史共同课而用的，尚需在不断地讲授中，逐步加以修订和完善。 

引言章 戏曲的起源与形成节 戏曲的来源一、古代歌舞二、滑稽戏三、说唱艺术第二节 戏曲的形成一、庙会与瓦舍、勾栏二、宋杂剧和金院本第二章 宋元南戏节 发展概况第二节 剧本创作一、《张协状元》二、“荆、刘、拜、杀”三、高明与《琵琶记》第三节 舞台艺术一、南曲二、表演三、舞台美术第三间 元杂剧节 发展概况第二节 剧本创作一、关汉卿及其剧作二、王实甫与《西厢记》三、马致远、白朴、郑光祖的剧作四、《赵氏孤儿》及其他剧作第三节 舞台艺术一、北曲二、表演三、舞台美术第四章 明清杂剧与传奇节 明清杂剧的发展概况第二节 明清传奇的发展概况第三节 明清传奇的剧本创作一、《宝剑记》、《浣纱记》、《鸣凤记》二、汤显祖与“临川梦” 三、沈景及其作品四、《玉簪记》、《红梅记》、《娇红记》五、李玉与《清忠谱》……第五章 元明清戏曲论著举要第六章 清代末叶的昆曲和高腔第七章 雅部与花部的对峙第八章 京剧的孕育与诞生第九章 京剧的发展与兴旺第十章 京剧的鼎盛与衰微第十一章 近代戏曲改良活动第十二章 地方戏发展概况第十三章 戏曲发展的新时期

 中国的戏曲文化在世界文化宝库中占有重要地位，是我们民族的精神财富，也是人类共同的精神财富。它所起的作用是不受时间和空间的限制的。因此，足可断言：中国国土上，任何时代都不会抛弃戏曲，广大民众不能没有戏曲。应当相信，即使到了22世纪、23世纪……及至更长远的年代，依然不会停息戏曲的锣鼓声和管弦声，甚而至于在遥远的异国他乡，也能观赏到中国戏曲的舞态歌声。作为人类文化的非特质遗产，它将永远受到维护而长存。

远方的回响：探寻世界音乐的多元脉络与文化深度 一册关于人类声音遗产的宏大叙事，一次跨越地理与时空的听觉旅行。 本书旨在勾勒出一幅包罗万象的世界音乐图景，它并非聚焦于某一特定地域或民族的音乐实践，而是致力于展现人类文明在不同环境下孕育出的、令人惊叹的音乐多样性。我们深知，音乐是文化最直接、最富有情感的载体，通过对全球范围内具有代表性的音乐传统进行系统性的梳理与深入的剖析，我们试图揭示隐藏在旋律、节奏与音色背后的社会结构、信仰体系以及生活哲学。 第一部分：根源的低语——原始与早期音乐的考古 本篇将带领读者追溯音乐的“史前遗迹”。我们不探讨任何特定民族的现存民间音乐形式，而是关注音乐起源学的理论探讨，以及考古学对早期人类使用乐器（如骨笛、石磬）的发现。我们将审视那些关于人类如何从自然之声中提取出秩序与意义的假说，包括模仿自然界的声响、早期仪式性呼喊与韵律的形成过程。 声音的诞生： 探讨人类语言与歌唱的早期交叉点，分析原始社会中，节奏与集体行动（如狩猎、劳作）之间的内在联系。 乐器的符号意义： 考察早期乐器在人类社会中的功能，它们是工具、是巫术的媒介，还是社会地位的象征？重点分析跨文化中相似乐器形态出现的偶然性与必然性。 口头传统的力量： 在文字出现之前，音乐是如何作为记忆的仓库，承载部落历史与神话的？本节将侧重于“叙事性音乐”的结构分析，而非具体曲目的传唱。 第二部分：轴心时代的交响——宗教、哲学与古典音乐体系的建立 轴心时代（Axial Age）不仅是哲学思想的爆发期，也是各大音乐体系开始构建其理论框架的关键时期。本部分将聚焦于那些奠定了后世宏大音乐理论基础的文明，但关注点在于其理论构建的普适性，而非任何单一民族的成熟曲目或演奏技法。 音律的数学与神秘主义： 考察古希腊毕达哥拉斯学派对音程的数学定义，以及古代东方（如印度早期吠陀音乐理论的萌芽）中，音高与宇宙秩序之间的哲学关联。我们探讨的是“理论体系的建立过程”，而非特定音阶的实际应用。 文本的约束与解放： 分析早期书面音乐记谱法（无论是在泥板、竹简还是羊皮纸上）的出现，如何首次将音乐从纯粹的口头传承中分离出来，形成可供分析的结构。这包括对早期记谱符号的象征意义的解读。 宫廷与祭祀的张力： 探讨在早期帝国体系中，为维护统治和宗教仪式服务的音乐所呈现出的共性特征——宏大、规范化和对复杂对位或复调的初步探索。 第三部分：全球化的前奏——乐器迁徙与风格的交融 在地理大发现和贸易路线（如丝绸之路）开辟之后，音乐元素开始以前所未有的速度进行交流。本部分将以“乐器作为交流的载体”为核心，分析不同文化间乐器结构的互动与演变，而非记录某一音乐流派的完整发展史。 弦乐的旅程： 追溯弹拨乐器（如鲁特琴的祖先、早期琵琶形乐器）的扩散路径，分析其在不同地域如何适应当地的演奏习惯和音色偏好，形成风格迥异的现代亲属。 簧片与管乐的适应性： 比较不同文明中对空气动力学和簧片技术的运用，例如分析双簧管结构在东西方发展中的趋同与分化，以及它们如何被用于表达世俗或神圣的情感。 节奏的跨界融合： 探讨在贸易港口和文化交汇地带，复杂的复合节奏是如何被吸收和简化或进一步复杂化的过程，重点在于节奏模式的“语法交流”。 第四部分：现代性的冲击与音乐的身份重塑 随着工业革命和民族国家意识的崛起，音乐在社会中的角色发生了深刻变化。本节将避开对特定国家民族音乐（如德彪西、肖邦或德沃夏克的作品）的详细分析，转而关注“音乐如何应对现代性”这一宏大命题。 记录技术的革命： 探讨留声机、录音带等技术如何从根本上改变了“原作”的概念，使得音乐的“瞬间性”被凝固，这对于传统上依赖现场和即兴的音乐体系造成了怎样的冲击？ 民族志的视角与“他者”的凝视： 分析20世纪初人类学和音乐人类学兴起，是如何将非西方音乐体系“对象化”和“分类化”的过程。我们讨论的是这种研究范式本身对被研究音乐的影响，而非研究了谁的音乐。 全球音乐市场的形成： 考察当代流行文化如何利用电子技术，对传统音乐元素进行采样、重构和再包装，以及这种“全球化声音”对地方音乐身份认同的挑战与机遇。 结语：永恒的对话 本书最终希望传达的理念是：音乐的本质在于其无限的可塑性与沟通能力。通过对世界音乐遗产的宏观审视，我们得以跳脱出对单一音乐美学的沉溺，进入一场关于人类共同情感与创造力的永恒对话之中。这是一部关于“音乐之为人类学现象”的探索之作，其疆域涵盖了从史前洞穴到数字时代的每一个有声角落。 本书适合对象： 对人类学、文化史、声音研究，以及对全球音乐历史演变过程感兴趣的严肃学习者和爱好者。它提供的是一个广阔的理论框架与跨文化比较的视角，而非具体地域音乐的实操指南。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是音乐学习者的福音！我一开始还担心这么专业的题材会让人望而却步，但这本书的编排实在太用心了。它不是那种枯燥的理论堆砌，而是像一位和蔼的老师在娓娓道来。从最基础的乐理概念入手，逐步深入到复杂的民族乐器演奏技巧和声部配合，逻辑性强得令人佩服。特别是书中对不同地域音乐风格的细致剖析，让我仿佛置身于广袤的中华大地，听到了来自雪域高原的悠扬牧歌，也感受到了江南水乡的婉转小调。插图和乐谱的排版清晰易懂，即便是初学者也能很快找到自己的学习节奏。我已经开始尝试跟着书中的示例曲目进行练习，那感觉真不是一般的好，仿佛打开了一扇通往传统文化宝库的大门。这本书的价值远不止于教材，它更像是一本浓缩的民族音乐文化史，值得每一个对中国音乐怀有热情的人收藏和细读。

评分☆☆☆☆☆

我已经把这本书当成了我的“案头必备”，翻阅的频率高得惊人。它的好处在于，每一次重读都会有新的领悟。初读时，可能侧重于掌握基础知识点的覆盖面；再读时，则会被那些细微的文化注解所吸引。比如，书中对某些乐器名称的考据，或者对某一民歌流传区域的社会背景分析，都展现了作者深厚的学识和对田野工作的尊重。这本书没有故作高深，用词精准而富有温度，让人感觉不是在啃一本冷冰冰的教科书，而是在与一位饱经风霜的音乐耆老对话。它不仅仅是工具书，更像是一本引人入胜的文化漫游指南。对于希望真正沉浸在中国传统音乐精髓中的人，这本书是必经之路，能帮你打下最坚实、最有趣味的根基。

评分☆☆☆☆☆

当我翻开这本书时，首先被它的装帧和纸张质量所吸引。上海音乐出版社出品，果然名不虚传，用料扎实，印刷精美，那种纸张特有的微哑光泽，让乐谱看起来既专业又不刺眼。内容上，它着重于构建一个完整的知识体系框架，这一点非常关键。它并没有停留在对单一曲目的简单介绍上，而是深入挖掘了民族音乐背后的文化土壤、历史演变以及哲学思想。我特别欣赏作者在探讨某些特定曲式结构时的那种严谨的学术态度，引用了大量的田野调查资料和历史文献佐证，使得每一个观点都有理有据，充满了说服力。对于希望进行深入研究的学生或者专业人士来说，这本书无疑提供了坚实的理论基础和广阔的视野，让“民族民间音乐”不再是一个模糊的概念，而是可以被系统分析和理解的学科。读下来，感觉自己的音乐素养得到了一个质的飞跃。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版设计简直是艺术品级别的，体现了出版社对知识传播的尊重。它不是那种密密麻麻的文字堆砌，而是留有足够的呼吸空间。章节间的过渡自然流畅，即便是跨度较大的音乐时期或地域风格的转换，作者也处理得非常巧妙，仿佛引导我们乘坐一列平稳的火车，欣赏沿途不断变化的风景。更让我惊喜的是，它对“人声”的表现力有独到的见解。民族民间音乐中，人声往往是最具情感张力的载体，这本书细致入微地分析了不同声腔的运用、气息的控制以及情感的表达方式，甚至探讨了歌词韵律与旋律线的相互作用。这对于学习声乐或者从事音乐教育工作的人来说，价值无可估量。它让原本被视为“经验之谈”的东西，变得可以被学习、被复制、被传承。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我之前接触过几本关于民族音乐的书籍，但都感觉要么过于侧重于表演技巧，要么过于偏向于宏观的历史叙事，难以在两者之间找到一个很好的平衡点。然而，这本书的出现完美地填补了这一空白。它巧妙地将理论的深度与实践的可操作性结合在一起。例如，在介绍到某一种独特的五声音阶或调式时，它会立刻配上相应的练习曲或范例，让你在理解原理的同时，就能上手去“听”和“奏”出来。这种“学做合一”的学习方式极大地提高了我的学习兴趣和效率。我尤其喜欢其中关于“即兴”部分的讨论，它没有简单地把即兴视为天赋，而是将其归纳为一套可学习、可掌握的逻辑框架，这对于想在传统基础上进行现代创新的音乐人来说，简直是醍醐灌顶的指引。