西方歌剧艺术经典分析与表演实践孙浩中国纺织出版社9787518032433 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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孙浩 著

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• 歌剧
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• 中国纺织出版社
• 孙浩
• 高等教育

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出版社： 中国纺织出版社

ISBN：9787518032433

商品编码：29684819698

页数：238

图书基本信息
书名：	西方歌剧艺术经典分析与表演实践
丛书名：
作者/主编：	孙浩
出版社：	中国纺织出版社
ISBN号：	9787518032433
出版年份：	2017年7月

版次：	第 版
总页数：	238页
开本：	16
图书定价：	60元
实际重量：	0.381g
新旧程度：	正版全新

孙浩，男，1984年生，汉族，硕士，现任职于山西大学商务学院从事教学研究，主要研究方向：西方歌剧艺术经典分析与表演实践。科研成果丰硕，已发表学术科研论文10余篇，参与了多项课题研究。

章 歌剧艺术概述
节 歌剧的形式与内涵
第二节 歌剧的结构与要素
第二章 西方歌剧艺术简史及经典赏析
节 歌剧的诞生及其早期的发展
第二节 18世纪的古典主义歌剧
第三节 19世纪的浪漫主义歌剧
第四节 19世纪末20世纪初的真实主义歌剧
第五节 近百年来歌剧的多元化发展
第三章 歌剧艺术表演的要求与技巧训练
节 歌剧艺术表演的素质要求
第二节 歌剧艺术表演的形体要求与训练
第三节 歌剧艺术表演的小品训练
第四节 歌剧艺术表演的台风训练
第四章 歌剧演唱的艺术处理手法
节 歌剧演唱的案头工作准备
第二节 歌剧演唱的角色构思与塑造
第三节 歌剧演唱的音乐要素处理
第五章 歌剧表演的经典唱段实践
节 古典主义歌剧中的经典唱段实践
第二节 浪漫主义歌剧中的经典唱段实践
第三节 真实主义歌剧中的经典唱段实践
第四节 多元化歌剧中的经典唱段实践
参考文献

《西方歌剧艺术经典分析与表演实践》为21世纪中国的歌剧欣赏者、表演者、创作者全面、科学认识西方歌剧文化贡献了一份绵薄之力。全书共分五章，一、二章针对歌剧艺术本体及歌剧艺术的发展历史及经典作品进行分析；第三、四章分别就歌剧艺术表演问题及歌剧艺术的处理手法展开探讨；第五章对不同艺术风格的西方歌剧唱段进行分析。

音乐的宏伟画卷：欧洲古典音乐鉴赏与发展史 本书带领读者深入探索欧洲古典音乐的波澜壮阔的历程，从巴洛克时期的严谨与华丽，到古典主义的和谐与平衡，再到浪漫主义的激情与个性解放，直至二十世纪的多元探索与现代变革。它不仅仅是一部音乐史的梳理，更是一次深入灵魂的聆听之旅。 第一部分：奠基与辉煌——巴洛克与古典主义的时代回响 第一章：巴洛克之声的诞生与确立（1600-1750） 巴洛克时代是西方音乐史上一个充满戏剧张力和精巧结构的时期。本章首先追溯歌剧（Opera）作为一种新兴艺术形式在意大利佛罗伦萨的起源，探讨其早期“摹仿说”的理论基础，以及卡梅拉塔（Camerata Fiorentina）社群在复兴古希腊戏剧理想中的关键作用。我们将细致分析早期的代表人物，如蒙特威尔第（Claudio Monteverdi），通过分析《奥菲欧》（L'Orfeo）等作品，展现其如何将宣叙调（Recitative）与咏叹调（Aria）的对立统一确立为歌剧的基本语汇。 随后，我们将目光投向北欧巴洛克音乐的繁荣。亨德尔（George Frideric Handel）的清唱剧（Oratorio）达到了一个新的高峰，尤其是在英国，其作品展现了宏大的合唱场面和精湛的戏剧冲突处理能力。与此同时，巴赫（Johann Sebastian Bach）的工作，虽然在当时主要集中于教堂和宫廷，但其对复调音乐（Polyphony）的极致运用，尤其是在赋格（Fugue）曲式上的登峰造极，为后世的和声学奠定了不可动摇的基石。本章将详细剖析巴洛克音乐的标志性特征：持续低音（Basso Continuo）、装饰音的丰富运用，以及对炫技（Virtuosity）的推崇。 第二章：古典主义的理性之光与形式的完善（1730-1820） 随着启蒙运动的兴起，音乐审美开始从巴洛克的繁复转向追求清晰、平衡与自然。本章聚焦于古典主义音乐如何通过结构化的形式来表达情感。维也纳成为音乐的中心，海顿（Joseph Haydn）被称为“交响曲之父”和“四重奏之父”，他不仅确立了奏鸣曲式（Sonata Form）的完整规范，还极大地丰富了管弦乐队的编制与表现力。 莫扎特（Wolfgang Amadeus Mozart）则将这种理性美学推向了巅峰。他的音乐以其旋律的纯净、结构的完美和情感的深度著称。本章将深入解析莫扎特在歌剧（如《费加罗的婚礼》、《唐璜》）中如何将宣叙调与咏叹调自然地融合，以及他如何在歌剧中实现对人物内心矛盾的细腻刻画。此外，本章还将探讨早期钢琴（Fortepiano）的出现对音乐演奏技法带来的变革。 第三部分：情感的狂飙与民族的觉醒——浪漫主义的深度探索 第三章：个体情感的无限释放（1800-1850） 浪漫主义是音乐史上最富有个性和激情的一页。贝多芬（Ludwig van Beethoven）被视为连接古典与浪漫的桥梁，他的作品，特别是晚期交响曲，开始超越既有的形式约束，注入了前所未有的个人意志和英雄主义色彩。本章着重分析贝多芬如何将“意志的奋斗”融入音乐结构之中。 此后，浪漫主义的浪潮席卷欧洲。舒伯特（Franz Schubert）将艺术歌曲（Lied）提升到与奏鸣曲同等重要的地位，他的音乐充满了对民间旋律和诗歌意境的深刻捕捉。肖邦（Frédéric Chopin）几乎将创作重心完全集中于钢琴，他的作品如同私密的内心独白，通过精妙的和声与节奏处理，描绘出波兰的忧郁与贵族的优雅。 第四章：民族主义与宏大叙事的交织 十九世纪中叶，民族主义思潮兴起，音乐家们开始从本国的民间音乐、传说和历史中汲取灵感。本章将考察德彪西（Bedřich Smetana）的《我的祖国》、德沃夏克（Antonín Dvořák）对美国黑人灵歌的借鉴，以及俄国“五人强力集团”如何对抗德奥传统，建立独特的俄罗斯音乐身份。这一时期的管弦乐队规模空前扩大，配器技术达到了惊人的复杂程度，以满足作曲家描绘史诗场景的需要。 第四部分：边缘的试探与形式的解构——后浪漫主义与二十世纪的变革 第五章：瓦格纳的乐剧理念与晚期浪漫主义的极致 瓦格纳（Richard Wagner）无疑是影响后世最为深远的音乐家之一。本章将详细探讨他的“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）理论，以及他如何通过“主导动机”（Leitmotif）系统来构建无缝衔接的戏剧音乐。我们将分析《尼伯龙根的指环》的庞大结构，以及他对传统调性体系的不断挑战，为二十世纪的无调性音乐埋下了伏笔。 第六章：印象派、象征主义与音乐的新色彩 十九世纪末，面对瓦格纳式宏大叙事的审美疲劳，德彪西（Claude Debussy）和拉威尔（Maurice Ravel）等法国作曲家将目光投向了印象派绘画和象征主义诗歌。本章剖析他们如何利用全新的和声色彩、全音阶、五声音阶以及对乐器音色的精妙控制，营造出朦胧、变幻莫测的“音响印象”。他们的音乐不再是线性的叙事，而是对瞬间氛围的捕捉。 第七章：二十世纪的激进探索与风格的多元爆发 进入二十世纪，音乐语言迎来了前所未有的分裂与实验。勋伯格（Arnold Schoenberg）及其追随者（如贝尔格、韦伯恩）的十二音体系（Dodecaphony）是对西方几百年调性传统的彻底决裂，标志着“第二维也纳乐派”的诞生。 与此同时，斯特拉文斯基（Igor Stravinsky）的早期作品，如《春之祭》，则以其野蛮的节奏和对位法的暴力冲突，宣告了现代主义的到来。本章还将涵盖极简主义（Minimalism）的兴起，如赖希（Steve Reich）和格拉斯（Philip Glass）对重复与渐变的研究，以及电子音乐的先驱们如何利用新技术拓宽了声音的疆界。通过对这些多元化流派的梳理，读者将理解二十世纪音乐是如何在保持对传统致敬的同时，不断地进行自我解构与重塑的。 结语：永恒的对话 本书最后总结了欧洲古典音乐从单音音乐到复调音乐，从依附于宗教与宫廷到独立成为严肃艺术的过程。它强调，古典音乐并非僵死的历史陈迹，而是通过不断的诠释和聆听，与当代听众进行着永恒的、充满张力的对话。它蕴含着人类对秩序、美、情感与存在意义的终极追问。

评分☆☆☆☆☆

这本关于西方歌剧艺术的著作，从歌剧诞生之初的那些神秘的序曲、到后来辉煌的威尔第时代，再到瓦格纳那宏大叙事下的音乐革命，都有着非常细致入微的描摹。作者似乎并没有满足于简单的历史梳理，而是深入到具体的作品结构中去剖析那些咏叹调为何能直击人心，那些合唱部分又是如何烘托出戏剧张力的。比如，对于莫扎特歌剧中的人物塑造，书中不仅仅是罗列了角色身份，更是探讨了音乐如何微妙地揭示了人物内心深处的矛盾与挣扎。我尤其欣赏它在分析手法上的多样性，既有严谨的音乐理论分析，也有对当时社会文化背景的深刻洞察，这让即便是对某些作品不太熟悉的读者，也能通过文字构建起一个立体的、有血有肉的歌剧世界。读完后，感觉自己对歌剧的理解不再是停留在“听听旋律”的层面，而是开始能“看懂”歌剧是如何通过音乐语言讲述故事的。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，许多音乐分析书籍都容易陷入枯燥的术语堆砌，让人望而却步。然而，这本作品的文字风格却颇为生动，充满了对艺术的热情。作者在阐述一些复杂的对位法或和声进行时，总能找到一种恰当的比喻，将抽象的音乐概念形象化。比如，他描述某个高潮段落的织体时，用的词汇仿佛是一幅流动的油画，而不是枯燥的乐谱标记。这种优美而又不失准确性的语言，使得即便是对专业乐理不太熟悉的爱好者，也能轻松地跟上作者的思路，并对歌剧的内在结构产生更深层次的共鸣。读起来一点都不费力，反而像是在聆听一场由文字构成的、充满魅力的音乐导赏会。

评分☆☆☆☆☆

我一直觉得，要真正理解西方歌剧，就必须沉浸到它所处的时代氛围之中。这本书在这方面做得极其出色，它不仅仅是部音乐史或表演指南，更像是一部精致的文化切片。作者似乎带着我们穿梭回了十八、十九世纪的欧洲城市，去感受歌剧院的灯火辉煌与当时的社会阶层对艺术的不同期待。例如，在分析某一特定时期意大利歌剧的创作倾向时，书中巧妙地引入了当时的政治气候和市民阶层的审美变迁，解释了为什么某些题材会突然流行起来，而另一些则迅速被市场所淘汰。这种将音乐现象置于宏大历史背景下去考察的叙事方法，让阅读过程充满了发现的乐趣，也极大地拓宽了我们对“歌剧”这一艺术形式的定义边界。

评分☆☆☆☆☆

这本书最大的价值，或许在于它构建了一种独特的“对话”模式，即让历史文本与现代的舞台实践进行碰撞和对话。它并未将经典作品视为高高在上、不可触碰的古董，而是鼓励读者和表演者去重新审视和激活这些经典。书中对一些著名的歌剧片段的“再诠释”讨论非常引人入胜，探讨了在当代语境下，如何保持原作精神的同时，赋予角色新的生命力。这对于我们思考艺术的传承与创新之间的平衡点，提供了极具启发性的视角。它不仅教我们“怎么做”，更重要的是，它引导我们思考“为什么这么做”，这种对艺术本质的追问，使得整部作品的厚度大大增加，让人读完后久久不能平静，总想回到某个章节再细细品味一番。

评分☆☆☆☆☆

这本书在实践层面给出的建议，简直就像是为舞台上的表演者量身定做的指南。它并没有停留在“你应该怎么唱”这样空泛的口号上，而是非常具体地讨论了不同声部在演绎特定历史时期作品时所应遵循的声乐技术要点。比如，谈到巴洛克时期对装饰音的处理，作者就详细对比了不同学派的演奏或演唱风格差异，这对于声乐专业的学生来说，无疑是宝贵的参考资料。更令人称道的是，书中还穿插了大量对著名歌剧选段的“舞台化”思考。它探讨了如何通过身体语言、面部表情与音乐节奏的完美结合，才能真正将角色的情感爆发点准确地传达给观众。那种将理论的严谨性与舞台的直观性紧密结合的处理方式，使得这本书的实用价值远超一般的学术专著。