正版全新音的数量关系及其视唱练耳训练朱雪莲中国纺织出版社9787518038787 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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朱雪莲 编

图书标签:

• 音乐理论
• 视唱练耳
• 音程
• 和声
• 音乐教学
• 朱雪莲
• 中国纺织出版社
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• 音乐

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出版社： 中国纺织出版社

ISBN：9787518038787

商品编码：29684816833

页数：273

图书基本信息
书名：	音的数量关系及其视唱练耳训练
丛书名：
作者/主编：	朱雪莲
出版社：	中国纺织出版社
ISBN号：	9787518038787
出版年份：	2018年1月

版次：	第1 版
总页数：	273页
开本：	16
图书定价：	70.5元
实际重量：	0.458kg
新旧程度：	正版全新

编辑

《音的数量关系及其视唱练耳训练》由中国纺织出版社出版。

作者简介

朱雪莲，女，1977年7月生，汉族，硕士，现任职于临沂大学从事教学研究，主要研究方向：音的数量关系及其视唱练耳训练。教学经验丰富，科研成果丰硕，已发表学术科研论文多篇。

章音的数量关系
节单音的产生与记谱
第二节音程（双音）的理论分析
第三节和弦（三音）的理论分析
第四节节奏与旋律（多音）的理论分析
第二章单音的视唱练耳训练
节单音的模唱训练
第二节单音的听写训练
第三章音程的视唱练耳训练
节音程的构唱训练
第二节音程的听写训练
第四章和弦的视唱练耳训练
节和弦的构唱训练
第二节和弦的听写训练
第五章节奏的视唱练耳训练
节基本节奏的视唱训练
第二节基本节奏的昕写训练
第三节变化节奏的视唱训练
第四节变化节奏的听写训练
第六章旋律的视唱练耳训练
节旋律的视唱训练
第二节旋律的听写训练
参考文献

如何在已有的传统音乐听觉基础上进行扩展，培养音乐听觉的连贯性，并对视唱练耳内容合理分析，分类设计，完善视唱练耳教学体系，成为亟待解决的课题。《音的数量关系及其视唱练耳训练》写作意图也就源于此。《音的数量关系及其视唱练耳训练》分为两大部分内容。部分是关于音的数量关系的研究，根据音的数量关系，将音分为单音、音程、和弦以及多音。第二部分分别对单音、音程、和弦、节奏、旋律的视唱练耳学习方法与训练方法进行分类叙述，这部分内容同样遵循由易到难、循序渐进的论述方法进行。《音的数量关系及其视唱练耳训练》论述严谨，条理清晰，内容丰富新颖，是一部值得学习研究的著作。

《旋律的织体：西方音乐分析与鉴赏基础》 作者： [虚构作者A]，[虚构作者B] 出版社： [虚构出版社名称] ISBN： [虚构ISBN] 字数： 约1500字 --- 内容简介：洞悉音乐的结构与情感 《旋律的织体：西方音乐分析与鉴赏基础》是一本旨在为音乐学习者、爱好者以及初级专业人士提供全面、系统化西方音乐理论与鉴赏知识的深度专著。本书突破了传统音乐教材的刻板叙事模式，以一种高度整合与实践导向的方式，引导读者深入剖析西方音乐自巴洛克时代直至20世纪初期的核心发展脉络、技术特征及其审美价值。 本书的构建基于对音乐作品“内容”与“形式”的辩证理解。我们相信，真正的音乐鉴赏源于对构成音乐的元素——音高、节奏、和声、曲式——的精准把握。因此，全书内容严格围绕音乐的物质层面与精神层面的交织展开，旨在培养读者“听见”结构、“解读”意图的能力。 第一部分：音乐的基石——元素解析与视听转化 本部分是全书的理论基础，重点在于构建坚实的听觉分析框架。我们没有停留在简单的音符识别，而是深入探讨了构成音乐的最小单位如何被组织成具有意义的序列。 1. 音高与调性系统： 我们详细梳理了从中古调式到大小调体系的演变，重点阐释了调性中心的确立如何创造音乐的张力与解决。内容包括音程关系的听觉辨识、调式色彩的细微差别分析，以及调性转移（转调）在乐曲结构中的功能性作用。我们特别设计了一系列听觉训练范例，帮助读者将抽象的理论概念转化为可感知的听觉经验，而非仅依赖视觉符号。 2. 节奏的动力学： 节奏不仅仅是时间的划分，更是音乐的驱动力。本章深入探讨了节拍组织、复节奏（Polyrhythm）以及节奏型（Rhythmic Motives）在不同时期音乐中的应用。我们分析了巴赫赋格中严谨的节奏逻辑，以及浪漫主义时期对自由节奏（Rubato）在情感表达上的突破性运用。重点突出了节奏密度变化如何影响作品的整体情绪密度。 3. 和声的语法与色彩： 和声被视为音乐的“色彩”与“语法”。本书详尽介绍了三和弦、七和弦的传统功能，并对借用和弦、副属和弦等非功能性和声现象进行了深入探讨。我们花费大量篇幅，以听觉辨识为核心，区分了不同时代和声语言的特征——例如，巴洛克音乐中清晰的低音驱动和声进行，与德彪西印象派音乐中基于音响色彩而非传统功能指向的和声运用之间的本质区别。 第二部分：曲式结构与宏观布局 理解音乐的宏观结构，是实现深度鉴赏的关键。《旋律的织体》将曲式视为作曲家组织时间与听众注意力的蓝图。 1. 小曲式与乐思的构建： 从二部曲式（A-B）到三部曲式（A-B-A），我们剖析了这些基本结构如何通过主题的再现、对比与变化来实现内部的逻辑连贯性。我们强调了“主题发展”的概念，它不仅仅是旋律的重复，更是材料在不同和声、配器背景下的功能性转换。 2. 大型器乐曲式的深度解析： 奏鸣曲式（Sonata Form）被视为古典主义音乐的哲学载体。本书不仅罗列了呈示部、展开部、再现部的标准流程，更侧重分析了作曲家如何通过打破或重塑这些界限来表达戏剧冲突。我们使用海顿、莫扎特和贝多芬的范例，展示了呈示部主题组之间的功能对立（如强功能与弱功能对立）如何驱动整个乐章的戏剧张力。 3. 变奏曲与赋格的逻辑： 变奏曲是对单一主题在不同条件下的“可能性探索”，赋格则是对对位法严密逻辑的极致展现。我们详细解析了赋格的呈式、入进、中段与终结的内部结构，并训练读者在复杂的复调织体中，如何独立追踪各个声部的旋律线（Subject and Answer），从而领会复调艺术的精妙平衡。 第三部分：风格的演变与时代精神 本部分将理论分析融入历史语境，探讨技术手段如何服务于特定时代的审美追求。 1. 巴洛克（1600-1750）： 强调对位与力度层级。重点分析巴赫的对位艺术，以及亨德尔歌剧中清晰的情感宣叙调与咏叹调结构。 2. 古典主义（1750-1820）： 探讨清晰性、平衡感与奏鸣曲式的完善。分析海顿的“幽默感”如何在材料的简朴中实现结构上的复杂性。 3. 浪漫主义（1820-1900）： 聚焦于情感的极端化与和声语汇的扩展。分析肖邦的室内乐色彩与李斯特的交响诗对传统界限的突破，以及“标题音乐”的兴起如何影响了音乐叙事的结构。 4. 世纪之交的转向： 简要介绍印象主义（色彩而非结构）与表现主义（极端主观性）的初步特征，为读者进入20世纪音乐做好准备。 学习目标与特色 本书的编写目标是培养一种“主动倾听”的能力。我们拒绝提供“标准答案”式的鉴赏模板，而是提供一套严谨的工具箱，使读者能够独立、深入地接触任何一部西方音乐作品，并能清晰阐述其内在的逻辑关系和外在的艺术效果。 实践导向： 每章后均附有精心挑选的、具有代表性的乐段分析练习，涵盖不同时期和体裁的作品。 听觉优先： 理论讲解始终紧密联系听觉实例，强调“听起来是什么样”比“写出来是什么样”更重要。 结构清晰： 内容由微观元素（音高、节奏）逐步过渡到宏观结构（曲式），确保学习路径的平滑与逻辑的递进。 《旋律的织体》不仅是一本理论参考书，更是一份邀请函，邀请读者进入西方音乐那由声音、结构与情感交织而成的浩瀚殿堂，真正学会“听懂”音乐的语言。

评分☆☆☆☆☆

当我翻开这本厚厚的乐理书时，首先被它严谨的学术态度所打动。作者显然在音高关系、节奏结构以及和声进行这几个核心领域下了深厚的功夫，每一个知识点的推导都经过了深思熟虑，力求精确和完整。我尤其喜欢它在处理一些常见误区时的细腻之处，比如对大小调关系、增减音程的辨析，讲解得非常透彻，避免了许多初学者容易陷入的泥潭。它不仅仅停留在“是什么”的层面，更深入到“为什么会这样”的原理层面，这对于想要打下坚实基础、未来想进一步深造的朋友来说至关重要。当然，它的实用性也毋庸置疑，后面的视唱练耳练习题难度梯度设置得非常合理，从简单的模仿到复杂的视奏，系统性地提升了我的音乐反应速度和准确性。

评分☆☆☆☆☆

这本音乐理论教材真是让我受益匪浅，特别是对于我这种自学和乐理基础相对薄弱的学习者来说，简直是如获至宝。书中的内容编排逻辑非常清晰，从最基础的音程、和弦概念，到复杂的调式、转调技巧，循序渐进，让人感觉每一步的深入学习都是水到渠成的。讲解的语言既专业又不失亲切感，即便是初学者也能很快抓住重点，不会被晦涩的术语吓倒。我特别欣赏它在理论阐述之后，紧跟着的大量实例分析和练习题，这不仅仅是知识的灌输，更是一种能力的培养。尤其是视唱练耳的部分，它把枯燥的音高和节奏训练变得生动有趣，配套的音频资源也相当给力，跟着练习，我的音准和节奏感确实有了显著的提升，这在实际演奏和合唱中感受最为明显。这本书的价值远超其价格，强烈推荐给所有正在摸索音乐道路的朋友们。

评分☆☆☆☆☆

我是一个非常注重效率的学习者，时间宝贵，所以买书前会仔细斟酌性价比。这本书无疑是高性价比的典范。它将本应分散在好几本教材里的内容——基础乐理、和声学入门、视唱和练耳——整合在一册中，而且整合得非常流畅自然，知识点之间衔接得天衣无缝。我不再需要来回翻阅好几本书来确认某个音程关系或节奏型到底该如何练习，所有答案都在这里。我特别喜欢它在每章末尾设置的“自测与反思”环节，能立刻检验我是否真正掌握了本章内容。这本书对我的帮助是全方位的，它不仅提升了我的理论水平，更关键的是，它让我的“耳朵”和我的“大脑”同步成长起来，达到了真正的学以致用。

评分☆☆☆☆☆

说实话，市面上那么多乐理书，很多都像一本冰冷的字典，只罗列规则，缺乏温度。但拿到这本后，感觉完全不同。它的排版设计很舒服，字体大小适中，图示清晰明了，阅读体验极佳。最棒的是，它似乎非常懂得学习者在面对抽象理论时的那种无助感，所以在讲解每一个概念时，都会穿插一些历史背景或者在实际作品中的应用范例，这让原本抽象的音符关系一下子变得“活”了起来。比如讲到某一特定的调式色彩时，作者会马上引用某位作曲家的作品片段进行说明，让人豁然开朗。至于视唱练耳的训练部分，简直是我的救星，特别是那些关于复杂节奏型的听辨练习，设计得非常巧妙，有效攻克了我一直以来的弱项。这本书真正做到了理论与实践的完美结合。

评分☆☆☆☆☆

对于一个常年与乐谱打交道的乐手而言，我对于乐理书籍的要求是非常高的，它必须足够深入，能够应对复杂的音乐分析需求。这本教材在探讨音高关系和织体结构上的深度令人印象深刻。它没有采用那种简化的、为初学者“降维打击”的方式，而是扎扎实实地构建了一个完整的音乐语法体系。我特别关注了其中关于“功能和声”演变的那几个章节，作者对不同时期和声语言的细微差别把握得非常到位，引用了很多古典、浪漫乃至近现代的例子来佐证观点，极大地拓宽了我对音乐“语境”的理解。配套的听觉训练部分，也并非只是简单的音高辨认，而是涉及到了对和弦转位、旋律走向的听觉记忆和再现，这种高阶的训练对于提升我的音乐内化能力非常有帮助。