约翰·凯奇4分33秒百年纪念版（1912-2012）约翰·凯奇音乐学院9787810968393 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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约翰·凯奇 著

图书标签:

• 约翰·凯奇
• 4分33秒
• 现代音乐
• 实验音乐
• 先锋派
• 音乐史
• 艺术
• 百年纪念
• 音乐学院
• 古典音乐

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 中央音乐学院出版社

ISBN：9787810968393

商品编码：29684818785

出版时间：2017-10-31

页数：36

图书基本信息
书名：	约翰·凯奇4分33秒百年纪念版（1912-2012）
丛书名：
作者/主编：	约翰·凯奇
出版社：	音乐学院出版社
ISBN号：	9787810968393
出版年份：	2017年10月

版次：	版
总页数	36页
开本：	16
图书定价：	48元
实际重量：	0.159kg
新旧程度：	正版全新

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《约翰·凯奇4分33秒(1912-2012)(汉英对照)(百年纪念版)》由音乐学院出版社出版。

作者简介

作者：（美国）约翰·凯奇 译者：刘黛妮

约翰·凯奇，1912年9月5日，约翰·凯奇出生于美国加州洛杉矶，1992年8月12日在纽约去世。他曾跟随亨利·考威尔和阿诺德·勋伯格学习作曲。他发明了预置钢琴，并写作了一系列打击乐作品，这些创作激发他不断想象，探索更多独特的方式，以构建出音乐作品中的现代性。

目录

中文版前言
英文版前言
比例记谱法（1952）
手写版《静默》（1986）
大卫·杜德尔对1952年原版手稿的重建（1989）
约翰·凯奇写给海伦·沃尔夫的信件（1954）
“比例记谱法”说明文字
手写版《静默》说明文字
约翰·凯奇写给海伦·沃尔夫的信件中文版

约翰·凯奇，1912年9月5日，约翰·凯奇出生于美国加州洛杉矶，1992年8月12日在纽约去世。他曾跟随亨利·考威尔和阿诺德·勋伯格学习作曲。他发明了预置钢琴，并写作了一系列打击乐作品，这些创作激发他不断想象，探索更多独特的方式，以构建出音乐作品中的现代性。
　　要考量凯奇的作品对20世纪音乐与艺术的影响和衍生分支流派，是一件十分不易的事情，更不要说对其进行评判性的评价了。但是如果要理解我们所处时代的音乐发展情况，则不能忽视约翰·凯奇在音乐与思维上的成就。

寂静的余响：二十世纪音乐的革新者与约翰·凯奇的遗产 本书旨在深入探讨二十世纪音乐史上那些开创性的思想与实践，尤其侧重于那些挑战传统审美、拓宽艺术边界的先驱者。我们的目光将投向那些致力于解构既有音乐结构、探索声音本质、并勇于将“非音乐”纳入艺术范畴的作曲家群体。本书并非聚焦于某一位特定艺术家的传记式叙述，而是一幅由无数实验性作品与理论思潮交织而成的宏大图景，力求呈现一个复杂且充满张力的时代。 第一部分：瓦解的音高与结构的重塑 二十世纪初，欧洲古典音乐的调性体系在瓦格纳的晚期作品中已显露出疲态，而勋伯格及其追随者则以十二音序列体系，彻底宣告了传统调性的终结。本书将详细分析序列音乐从其萌芽到成熟的全过程，探讨其对节奏、音色和动态的系统性控制，以及它在二战后如何演变为严谨的“总体序列主义”（Total Serialism）。我们将审视那些试图以数学逻辑来支配音乐时间与空间的作曲家，解析他们如何通过精确的符号系统来规避个人情感的介入，追求一种客观化的音乐构建。 然而，对结构的绝对控制很快引发了新的反思。本书将转而探讨那些对序列主义的过度理性化提出质疑的声音。例如，德彪西晚期对自由节奏和音色层次的探索，以及巴托克在民族音乐学田野调查中发现的原始韵律，如何为后来的作曲家提供了突破口。我们还会深入研究那些在战后将焦点转向“偶然性”和“概率”的作曲家。这些艺术家认为，完全的控制反而扼杀了音乐的生命力，他们开始有意识地引入不确定性，让乐谱成为一个开放的指示集而非封闭的命令。 第二部分：声音的拓扑学：从噪音到纯粹感知 本书的第二部分将焦点转向声音本身的物质性。我们探讨了音乐如何从“被组织的声音”转向“未被组织的声音”。这包括对传统乐器演奏技巧的极端扩展，例如使用弓背、指甲或非传统方式激发琴弦与管体的潜在共鸣，从而揭示乐器作为物理对象的真实面貌。 更进一步，我们考察了电子音乐的兴起。从磁带音乐的早期实验，到合成器的普及，再到数字信号处理的成熟，声音的生成不再受制于任何物理乐器的限制。本书将剖析那些在工作室中，通过对自然界录音的剪辑、加速、反转和叠加，来构建全新声景的艺术家。他们将工作室本身视为乐器，将录音介质视为创造媒介。我们还将讨论“白噪音”、“棕噪音”等非音高声音元素的纳入，以及它们如何被用以探讨人耳对声音密度的感知阈值。 声音的拓扑学也延伸至对空间性的关注。音乐不再被视为单向的、线性的序列，而成为一个三维的场域。我们讨论了那些利用多声道系统、环绕声技术，甚至要求听众在特定空间内自由移动的作品，以探索声音在物理空间中的定位、穿透力与衰减特性。 第三部分：静默的哲学与意义的缺席 在音乐传统中，静默（休止符）通常被视为结构中的“负空间”，用于强调或分隔有声的段落。然而，二十世纪后期，一些艺术家开始将静默本身提升为核心议题。本书将探讨这种哲思的转变，即静默不再是声音的“间断”，而是声音的“延展”或“对立面”。 我们考察了那些作品中包含大量、甚至全部由明确指示的静默构成的文本。这些作品迫使听众直面他们对“音乐”的既有定义。在缺乏传统旋律、和声或节奏支撑的情况下，听众的注意力被推向了环境声、自身的呼吸、心跳，以及在特定场所中可能出现的偶发事件。这涉及到一个深刻的哲学问题：当作曲家放弃了构建意义的责任时，意义是否依然存在？如果存在，它又如何产生？ 本书将分析这种“意义的缺席”如何与后结构主义的解构思想产生共鸣，探讨艺术作品在面对大众接受度时的张力。这些作品不仅是声音的实验，更是对“听”这一行为的元批判。它们挑战了观众在音乐会这一特定仪式环境中的被动角色，邀请他们成为积极的参与者，去“完成”作品的意义。 第四部分：跨学科的对话与表演的界限 二十世纪的艺术不再固守单一门类。本书将展现音乐实验如何与视觉艺术、剧场艺术、舞蹈乃至日常行为发生深刻的交汇。我们将审视那些将音乐创作过程本身搬上舞台的作品，这些作品模糊了排练与演出的界限，暴露了艺术生产背后的机制。 我们讨论了“表演者”角色的变化。在某些实验性作品中，演奏者被要求执行看似日常或荒谬的动作，而非演奏音符。他们的身体、他们的犹豫、他们与乐器之间产生的摩擦，都成为了作品内容的一部分。这关乎对“艺术劳动”的重新定义，以及对专业主义与业余主义之间鸿沟的审视。 最后，本书将展望这些激进的探索如何影响了当代的音乐景观——从极简主义对重复的冥想式运用，到当代电子乐对声音纹理的精细打磨，无不带有上世纪先驱者的印记。通过对这些复杂、晦涩却极具洞察力的作品的梳理，我们希望揭示二十世纪艺术革命的深刻内涵，理解那些致力于打破美学藩篱的艺术家的不懈追求。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直是一场视觉的盛宴，从封面那种低调而又充满张力的留白，到内页纸张的选择，都透露出一种对“无声”概念的深刻理解与尊重。我记得第一次翻开它时，指尖触碰到纸张那种略带粗粝的质感，仿佛能感受到一种沉淀下来的时间感。那些排版布局，看似随意却又处处暗藏玄机，文字之间的留白，与凯奇本人的创作哲学——“让空间发声”——达到了奇妙的共鸣。尤其值得一提的是，它在处理那些关于“事件”和“间隙”的记录时，所使用的字体和字号变化，绝非简单的信息呈现，而更像是一种音乐的五线谱，引导着读者的目光在页间游走、停顿、再加速。这种对媒介本身的极致利用，让这本书本身就成了一件装置艺术品，它不仅仅是关于凯奇的，它本身就在实践着某种“非意图性”的美学。读完一遍后，我甚至会不自觉地在阅读时保持一种极度的专注，生怕错过了那种“被沉默吞噬”的美好。这本书成功地将阅读行为本身，转化成了一种类似冥想的体验，远超出了普通传记或理论书籍的范畴，更像是一本需要被“聆听”的视觉文本。

评分☆☆☆☆☆

如果要用一个词来概括这本书带给我的感受，那一定是“清醒”。在充斥着各种喧嚣和符号轰炸的时代，这本书提供了一种难得的、强迫性的“慢下来”的机制。它的阅读节奏非常考验耐心，因为它拒绝提供即时的满足感。你必须接受信息流的间歇性、逻辑跳转的突兀性，以及大量留白带来的不确定性。这本身就是对当代信息消费习惯的一种有力反抗。我特别欣赏它在处理凯奇晚期作品时所展现出的那种超脱感，仿佛作者也跟随凯奇一同达到了某种精神上的高地，不再执着于标签和定义，而是专注于事物本身的“存在状态”。这本书的价值，不在于它提供了多少确凿的史料，而在于它成功地构建了一个“凯奇式的思维场域”，让读者在翻阅每一页时，都能感受到那种被邀请进入一个更广阔、更少评判的世界的体验。它迫使你放慢呼吸，重新校准你的感官输入，这对于任何长期处于信息过载状态的人来说，都是一次宝贵的“精神排毒”。

评分☆☆☆☆☆

我尝试着从一个对现代主义音乐史有基本了解的角度来审视这本书的内容组织逻辑，它展现出一种令人惊叹的非线性叙事能力。它并没有采用那种传统的时间轴梳理方式，而是像一幅由无数碎片拼贴而成的马赛克，每一个“切片”都指向凯奇创作生涯中某个至关重要的哲学转折点。比如，它对易经在凯奇思想形成过程中的影响，与其说是在做文献梳理，不如说是在构建一个相互渗透的符号系统。我特别欣赏作者如何巧妙地穿插那些看似无关的日常轶事——比如他关于园艺的看法，或者对禅宗的领悟——然后突然将这些日常细节，与他最激进的音乐实验并置。这种并置产生了巨大的张力，让人不得不重新审视“音乐”和“噪音”、“有目的性”和“偶然性”之间的界限。这本书的深度在于，它没有试图去“解释”凯奇的4分33秒，而是提供了一系列的工具和视角，让读者可以自己去“体验”或“构建”对这部作品的理解。它更像是一本方法论手册，指导我们如何看待沉默、如何聆听环境，而不是提供标准答案。

评分☆☆☆☆☆

这本书的出版规格和纪念意义是显而易见的，但真正让我感到震撼的是它对于“纪念”本身的解构。1912到2012，一个世纪的跨度，通常意味着对生平和成就的全面赞颂，但这本书的语调却异常冷静、克制，甚至是疏离的。它并没有试图将凯奇塑造成一个被供奉的“大师”，反而更像是一面镜子，反射出现代社会对“意义”和“权威”的集体焦虑。我注意到，书中很多篇幅都在讨论“接收者”的角色，强调听众或读者在作品完成过程中所扮演的主动性。这使得这本书的阅读体验变得高度个体化——你读到的内容，很大程度上取决于你当时所处的环境和你内心的“噪音背景”。在阅读某些关于时间暂停的章节时，我几次放下书，去倾听窗外世界的声响，这种书与现实世界的互动性，是极少数传记作品能达到的效果。它不是在讲述一个人的故事，而是在提供一种看待世界的新方法论。

评分☆☆☆☆☆

从一个纯粹的音乐实践者的角度来看，这本书为我们这些仍在摸索如何超越传统乐器限制的创作者，提供了宝贵的“精神食粮”。它没有冗长枯燥的作曲技法分析，而是充满了那种“行动的哲学”。最让我兴奋的是其中对“非意图性创作”的探讨，它鼓励我们放下对控制欲的执着。书中提及的那些关于机会操作（Chance Operations）的记录，简直就像是为我打开了一扇通往自由创作的大门。它让你意识到，即便是最严谨的数学方法，最终也可以导向一种彻底的解放。我甚至能想象，如果将书中的某些段落——比如关于静默空间如何被环境声占据的描述——直接翻译成现场指令，它们本身就能构成一个完整的行为艺术脚本。这本书的魅力在于，它把理论变成了可以“做”出来的东西。它不像某些学术著作那样高高在上，而是非常接地气地展示了，一个天才是如何将最极端的观念融入到日常生活的每一个细微之处，从而实现艺术的彻底颠覆。