名家通识讲座书系：艺术设计十五讲 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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凌继尧 等 著

图书标签:

• 艺术设计
• 通识教育
• 名家讲座
• 设计史
• 艺术史
• 文化艺术
• 高等教育
• 学术著作
• 艺术理论
• 审美教育

出版社： 北京大学出版社

ISBN：9787301110942

版次：1

商品编码：10077023

包装：平装

丛书名： 名家通识讲座书系

开本：16开

出版时间：2006-10-01

用纸：胶版纸

页数：362

字数：400000

正文语种：中文

内容简介

　　牛顿说过：“我像一个在海滩边玩耍的孩子，不时地找寻那些看上去不同寻常的卵石和漂亮的贝壳，而伟大的真理海洋把所有未被发现的知识展现在我面前。”一百多年来，世界上杰出的艺术设计师的成功作品，就像那些“不同寻常的卵石和漂亮的贝壳”，《艺术设计十五讲》通过十五讲的形式，部分地展示于读者面前，希望读者透过它们，从一个侧面窥见到艺术设计这一“伟大的真理海洋”。

作者简介

　　凌继尧，北京大学本科和研究生毕业，现为东南大学学院教授、博士生导师，国务院学位委员会艺术学学科评议级成员，全国教育科学规划评审组成员。近年著作有《西方美史》、《美学十五讲》、《古希腊罗马至中世纪美学》（合著）、《艺术设计学》（合著），译著有《审美价值的本质》。

目录

《名家通识讲座书系》总序
本书系编审委员会
引言 走向中国设计
第一讲 艺术设计的定义
一 艺术设计观念的历史发展
二 设计活动中的艺术设计
三 艺术设计和自主创新
第二讲 早期工业时期的艺术设计
一 艺术设计的先驱者
二 德国艺术工业联盟
三 英法早期的艺术设计
第三讲 现代派艺术对现代艺术设计的影响
一 基于机器文化的现代派艺术
二 现代派艺术对现代艺术设计的影响
第四讲 包豪斯——现代艺术设计教育的摇篮
一 格罗皮乌斯和包豪斯宣言
二 包豪斯预科
三 包豪斯发展的三个阶段
第五讲 现代主义艺术设计的两大体系
一 功能主义
二 式样主义
第六讲 后现代艺术设计的崛起
一 后现代的场景描绘
二 后现代艺术对后现代艺术设计的影响
三 后现代艺术设计的多元发展
第七讲 波普设计和孟菲斯
一 从大众文化到波普设计
二 孟菲斯和意大利艺术设计
第八讲 非物质社会的设计
一 从物质社会到非物质社会
二 非物质社会对设计的影响
三 非物质社会的设计教育
第九讲 绿色设计和人性化设计
一 人类呼唤绿色设计
二 设计服务的对象始终是人
三 北欧设计——绿色的人性化设计
第十讲 艺术设计的思维与方法
一 艺术设计的思维
二 艺术设计的方法
第十一讲 艺术设计的心理学研究
一 科学心理学
二 影响消费的一般心理活动
三 消费者个性认知心理活动
第十二讲 艺术设计管理
一 设计管理概述
二 设计战略管理
三 设计事务管理
四 设计项目管理
第十三讲 艺术设计的欣赏与批评
一 艺术设计欣赏
二 艺术设计批评
第十四讲 大审美经济形态中的艺术设计
一 大审美经济的形成
二 艺术设计师在大审美经济中的作用
三 大审美经济中的艺术设计教育
第十五讲 中国艺术设计的发展和未来趋势
— 20世纪中国艺术设计发展史简述
二 中国艺术设计现状及其存在的弊端
三 中国艺术设计的未来趋势
后记

前言/序言

艺术的多元探索与深度剖析：建筑、绘画、雕塑、摄影及当代视觉文化前沿（精选书目简介） 本精选书系汇集了多部聚焦于艺术史、理论、实践与当代文化现象的权威著作，旨在为读者提供一个广阔而深入的视角，以理解艺术作为人类文明重要组成部分的复杂性与魅力。这些书籍的共同目标是超越表面的审美判断，深入探究艺术创作背后的哲学基础、社会语境、技术革新以及观众的感知机制。 一、 建筑与空间：从功能到哲思的演进 本部分重点关注建筑设计如何塑造人类的生存环境，并探讨其作为一种物质实践与文化符号的角色。 《空间的诗学：从古希腊到现代主义的建筑叙事》 本书深入剖析了建筑空间体验的本质，区别于纯粹的结构工程学，它探讨的是“人”在空间中的存在感与意义构建。作者以时间为轴，系统梳理了西方建筑史中几个关键节点的空间哲学：古希腊神庙的比例和谐与神性象征；中世纪大教堂对“向上性”与光线引入的极致追求，如何营造出“与神同在”的体验；文艺复兴时期对线性透视法的掌握，如何将人置于可测量的中心；以及现代主义（如柯布西耶、密斯·凡德罗）对功能至上和“光、线、体”的纯粹化表达。特别值得一提的是，书中对“场所精神”（Genius Loci）的讨论，强调建筑必须与其特定的地理、历史与文化背景产生深刻对话，而非成为孤立的、可被任意移植的模板。书中案例分析详实，图纸与实景照片的结合，使得抽象的空间理论具有了直观的对应。 《后现代语境下的城市更新与符号学》 聚焦于二战后至当代城市形态的剧烈变化。本书认为，后现代建筑思潮是对现代主义“乌托邦”破产的一种反思与回归。它不再追求统一的、普遍适用的理性结构，而是拥抱复杂性、矛盾性与地方性。书中对符号学在城市景观中的应用进行了深入研究，探讨了诸如纪念碑的意义消解、商业建筑如何利用怀旧元素（拼贴、装饰回归）来构建消费叙事。它批判性地审视了全球化背景下“标志性建筑”（Iconic Architecture）的泛滥，以及这种倾向对城市肌理和市民日常经验的异化影响。最后，本书提出了一种更具包容性的城市设计观，倡导在可持续性和社区活力的前提下，重建公共空间的人文关怀。 二、 绘画的语言与媒介革新 本系列书籍侧重于油画、版画等传统媒介在表达能力上的拓展，以及它们如何应对摄影术出现后的挑战。 《色彩的理论与实践：从湿壁画到印象派的光学革命》 本书是一部跨越文艺复兴至十九世纪末的色彩史权威著作。它不仅梳理了颜料制造工艺的历史演变（如普鲁士蓝、铬黄的发现），更着重分析了理论家（如纽顿、歌德）对色彩感知本质的不同理解如何影响艺术创作。书中详尽对比了古典学院派对“固有色”的严格遵循，与印象派画家群体对“环境光”和“瞬间色彩”的颠覆性探索。通过对莫奈、修拉等人的画作进行科学的色彩分析，揭示了他们如何利用视觉混合原理（而非物理混合）来创造前所未有的画面亮度与动态感。阅读本书，能深刻理解色彩不再仅仅是物体的固有属性，而成为表达时间、情感和光线的最直接工具。 《蚀刻与雕版：版画艺术的技术精深与社会批判力量》 本卷深入探讨了版画，特别是铜版画（Etching）和木刻版画（Woodcut）作为一种媒介的独立价值。与独一无二的绘画作品不同，版画的复制性使其天然地带有大众传播和社会动员的潜力。书中详细介绍了从手工制版到化学腐蚀的复杂技术流程，强调了艺术家对线条、对比度和墨层厚度的精确控制。重点章节聚焦于十八、十九世纪的版画，如戈雅的系列作品，分析了其如何利用黑白强烈的对比来揭示战争的残酷、社会的荒谬与人性的幽暗面。本书展示了版画如何成为一种高效且充满力量的“图像速写”与“社会宣言”。 三、 雕塑与物质的永恒性 《触觉的维度：雕塑的身体性、重量与材料的哲学》 雕塑是艺术中最依赖于物质、空间和触觉体验的门类。本书旨在超越对具体形象的描述，探讨雕塑材料本身的意义。它区分了“体量”（Mass）与“体积”（Volume）的区别，分析了大理石的“永恒感”与青铜的“延展性”如何影响观众对作品时间性的感知。书中特别讨论了二十世纪以来，杜尚的现成品（Readymades）对雕塑概念的颠覆，质疑了“手工性”的必要性，将焦点转向了艺术家的“选择”行为本身。此外，对亨利·摩尔有机造型与布朗库西极简主义形式的对比分析，展现了雕塑在具象与抽象之间的张力。 四、 摄影术的本质与当代视觉文化 本系列是对摄影技术革新及其对社会认知影响的深度反思。 《快门之眼：摄影如何重塑“真实”的界限》 本书是关于摄影理论的基石性著作。它从早期达盖尔银版法的“记录性”出发，逐步探讨了摄影如何从一种科学记录工具演变为艺术表达的媒介。书中详细论证了布列松的“决定性瞬间”哲学，即对时间片段的精确捕捉所蕴含的叙事力量。同时，本书也对数码时代“后摄影”的本质提出了尖锐的质疑：当图像可以被无限次地修改和合成时，摄影的“真实性”担保还剩几何？书中引入了罗兰·巴特的“刺点”（Punctum）概念，解释了图像中那些偶然、非理性地击中观者的细节，如何对抗图像的结构化意义，从而重获生命力。 《媒介的生态：从图像泛滥到视觉疲劳的时代》 这是对当代视觉环境的批判性考察。本书将艺术置于一个宏大的媒介生态系统中进行分析，探讨了互联网、社交媒体、广告牌等无处不在的图像流对人类认知和审美阈值的影响。它关注“注意力经济”下，图像如何被设计成以最快的速度攫取、消费和遗忘。书中探讨了诸如“信息图表美学”的兴起，以及当代艺术家如何故意采用“低保真”或“像素化”的视觉语言来抵抗过度精致化的主流图像。最终，本书呼吁读者培养一种批判性的“视觉素养”，学会在信息爆炸中筛选出具有真正持久价值的视觉信息。 总结： 以上精选书目共同构成了一个跨越数百年、贯穿多种媒介的艺术对话网络。它们不仅提供扎实的知识体系，更重要的是引导读者进行批判性思考，理解艺术在不同历史阶段所承担的社会功能、技术挑战以及哲学探索。阅读这些书籍，将有助于读者建立起一套更为复杂、更具深度的艺术鉴赏与理论分析框架。

评分☆☆☆☆☆

从内容更新的角度来看，这本书的内容似乎定格在了某个时间点。我关注到其中引用的案例和技术标准，有些已经明显落后于当下行业的发展速度了。在艺术设计领域，工具和理念的迭代速度非常快，尤其是在数字媒体和交互设计方面。比如，书中对某种传统软件工作流程的描述，在实际工作中可能已经被更高效的云端协作工具所取代。对于一本旨在提供“通识”教育的书籍来说，紧跟时代步伐至关重要。我期待能看到关于AI辅助设计、参数化设计流程在实际项目中的应用案例，或者至少是对这些新兴趋势的深刻反思和前瞻性判断。这本书的价值在于历史梳理和哲学思辨，但对于想站在行业前沿的读者来说，它提供的“新鲜度”略显不足。读完后，我感觉自己掌握了一套非常扎实的古典基础，但对于如何“驾驭”未来的工具和挑战，这本书的指引性就比较弱了，像一本保存精美的古籍，内容宝贵，但缺少了与当代生活的实时连接。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，这本书集合了不少重量级人物的观点，这本身就是一种价值。但正是这种“集合”的方式，导致了全书风格的极大跳跃性。上一章还在讨论后现代主义的解构，下一章可能就转向了极简主义的回归，两者的论述口吻和逻辑起点截然不同，让读者在章节切换时需要进行一次认知上的“重启”。我更喜欢那种能保持高度一致性的、由一位或少数几位作者构建的、逻辑严密、层层递进的论述体系。这种高度的风格统一性，能更好地帮助读者建立起一套属于自己的、连贯的认知模型。这本书的多元化虽然体现了设计的包容性，但在学习的初始阶段，过多的声音反而造成了一种“信息噪音”。我希望它能更侧重于提炼出贯穿所有设计领域的底层逻辑，而不是简单地罗列不同学派的主张。就好比，我希望学到烹饪的通用热力学原理，而不是听不同厨师讲他们各自最拿手的五道菜的做法，尽管后者也很美味，但对我的基础构建帮助不大。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我买这本书完全是出于对“艺术设计”这个大词的向往，希望能借此提升一下自己的审美层次，对这个行业有个更全面的认知。然而，读完前几讲，我发现里面的很多理论基础讲得过于学院派了，充满了各种晦涩的术语和抽象的概念。对于一个自学入门者来说，这简直是一堵厚厚的墙。我期待的是那种能把复杂的理论用生活化的例子或者实际案例来解读的叙事方式。比如，在谈到“形式追随功能”这个核心理念时，我更希望看到的是从早期工业革命时期的产品设计，到如今智能穿戴设备的迭代过程中，这个原则是如何被贯彻、被修正、甚至被颠覆的。这本书在这方面给我的感觉是点到为止，很多地方只是抛出了观点，却没有提供足够的“脚手架”来帮助读者攀登上去。所以，这本书更适合已经具备一定设计背景，想进行知识体系梳理和拔高的专业人士，对于我这种还在摸索阶段的初学者来说，消化起来确实有些吃力，读完后能记住的有效方法论不多，更多是留下了一些需要后续花时间去谷歌搜索和查阅的“知识点”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直是没得说，封面那种低饱和度的色彩搭配，加上烫金的字体，拿在手里就觉得品味非凡。我当时是冲着这个系列的名头去的，毕竟“名家通识”这几个字就让人充满了期待，总觉得能接触到一些比较有深度的东西。拿到手后翻了翻目录，感觉内容跨度挺大的，从古典艺术史聊到现代设计思潮，这一下子就让我有点犯嘀咕了。我是那种希望一本书能深入探讨某个具体领域的读者，比如对材料学或者某个特定设计流派的解析，这本书看起来更像是一个宏观的导览。虽然它汇集了不同名家的见解，但这种广度似乎牺牲了一定的深度。我更倾向于那种能让我扎扎实实学到一套思考方法或者掌握一门技术细枝末节的书籍。比如，如果能有一章专门讲讲版式设计的黄金分割在不同媒介上的应用差异，那对我来说会更有价值。这本书读下来，感觉就像是听了一场学术报告会的精选集锦，信息量是有的，但缺乏那种持续的、深入的脉络感，读完后总觉得意犹未尽，像是在看一个精美的幻灯片，而非一部深入人心的著作。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和字体选择让我印象深刻，那种留白的处理非常到位，阅读体验在视觉上是舒适的。但是，内容上，我个人感觉它的节奏把控得不太好。某些章节似乎过于详尽地描述了历史背景，仿佛在进行一场美术史的速览，而到了更具实践意义的“设计方法论”部分，却草草收场。比如，关于“用户体验设计”这一块的内容，仅仅是提到了几个基本原则，缺乏对当前主流设计流程（如敏捷开发中的设计迭代、A/B测试的实际操作流程）的深入剖析。我更希望看到的是一个清晰的、可操作的设计思维导图，从创意发想到最终交付的每一步，名家们是如何处理关键节点的。这本书更像是一套知识的“索引”，而不是一本“操作手册”。对于我这种非常注重实操和产出效率的从业者而言，这种理论大于实践的分布让我感到有些失落。我本来是想从中汲取一些即插即用的思维工具箱，结果更多的是收获了一些漂亮的理论框架，但工具箱里的扳手和螺丝刀却不够结实耐用。

评分☆☆☆☆☆

音乐欣赏十五讲是一个值得读的音乐入门读物

评分☆☆☆☆☆

不错，了解建筑文化的好书

评分☆☆☆☆☆

好好好好好好好好，618大优惠，一下买了相当于平时要一千多的书，京东值得信赖！

评分☆☆☆☆☆

不错，新知识！！！！！

评分☆☆☆☆☆

京东物流一如既往地快 书品很好 很满意哦

评分☆☆☆☆☆

物有所值，值得购买

评分☆☆☆☆☆

好书！通读一遍，对于音乐，由喜欢变成更喜欢了。

评分☆☆☆☆☆

非常好，思想新颖，对了解现代建筑很有帮助。

评分☆☆☆☆☆

书很不错！值得真心一看！