珐琅彩粉彩/故宫博物院藏文物大系 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

叶佩兰 著

图书标签:

• 珐琅
• 粉彩
• 故宫博物院
• 文物
• 中国工艺
• 清代
• 艺术
• 陶瓷
• 收藏
• 绘画

店铺： 文轩网旗舰店

出版社： 上海科学技术出版社

ISBN：9787532351930

商品编码：1078022122

出版时间：2007-06-01

作  者:叶佩兰 著作 周祖贻 译者 定  价:320 出 版 社:上海科学技术出版社 出版日期:2007年06月01日 装  帧:精装 ISBN:9787532351930 ●总序
●文物目录
●导言
●图版
●珐琅彩
●粉彩
●附录
●故宫博物院藏粉彩器款识一览表
●

内容简介

本卷以珐琅彩瓷器与粉彩瓷器为专题，介绍二者的发展和工艺特点，并借此说明一些有关问题。卷中收录了北京故宫博物馆院藏的大量官窑器，许多为首交披露。珐琅彩瓷器本系宫中秘藏，过去很少为世人所见，现时只有北京故宫博物院、台北故宫博物院和上海博物馆等少数几个单位比较集中收藏。至于粉彩瓷器，以往的出版物多注重康、雍、乾三朝盛世产品，而对嘉庆、道光以后较少提及，本卷除了收录大量康、雍、乾三朝的精品外，还将嘉道以后的各代清宫藏品也一并选入，使读者对清代粉彩瓷器的发展全貌能有概括的了解。

璀璨的东方神韵：中国古代青铜器艺术赏析 书籍简介 本书旨在带领读者深入探索中国古代青铜器艺术的恢弘世界。青铜器，作为中华文明早期最重要的物质载体之一，不仅是权力和礼仪的象征，更是那个时代冶金技术、审美情趣与社会结构最直观的体现。本书摒弃了传统学术著作的枯燥说教，以全新的视角和丰富的图版，勾勒出从夏商周至秦汉的青铜艺术发展脉络，揭示其背后蕴含的深厚文化内涵。 第一篇：熔铸的时代记忆——青铜器的起源与早期形态 第一章：文明的曙光：二里头文化与夏商之交的探索 本书首先回溯至中国信史的开端，探讨青铜冶炼技术如何在黄河中下游地区萌芽。我们关注早期用于实用和仪式的铜器组合，它们如何标志着一个从陶器时代向金属时代过渡的转折点。重点分析了二里头文化中出现的早期爵、斝等容器的形制特点及其在祭祀活动中的初步功能。 第二章：狞厉与神性：商代青铜器的巅峰气象 商代，特别是殷墟时期，是中国青铜文明的鼎盛阶段。本章将深入剖析商代青铜器最显著的特征——神秘主义色彩与狞厉之美。我们将详细考察鼎、鬲、甗等食器，以及斝、觚、爵等酒器的演变。 重点聚焦于饕餮纹（兽面纹）的复杂结构与象征意义。通过对这些纹饰的细致辨识，读者将理解当时族群如何通过人兽结合的意象来构建与神灵沟通的媒介。书中会辅以大量高精度拓片和器物局部放大图，解析“一目”与“身躯”的布局逻辑，探究其在宗教仪式中的核心地位。此外，还将介绍商代铸造工艺的突破，如范铸法的成熟运用，以及复杂圈线纹、乳钉纹的装饰手法。 第二章（续）：礼器的谱系与权力结构 商代青铜礼器并非随意铸造，它们严格遵循一套等级森严的组合规则。本书将详细梳理商王与贵族所能享有的鼎、簋、鬲的“列鼎制度”雏形，阐释“国之大事，在祀与戎”的理念是如何通过青铜器的数量和形制被物化和固化的。读者将清晰了解到，一件大型青铜鼎，是集国家资源、工匠智慧与政治权威于一体的综合体。 第二篇：周代的礼乐变革与青铜铭文的“史诗” 第三章：从神权到王权：西周礼制的构建 周代青铜器的风格发生了显著变化，从商代的“狞厉”转向了西周早期的“庄重”与“典雅”。本书认为，这种转变是周公“制礼作乐”思想的直接反映。西周青铜器不再仅仅是献给神灵的祭品，更成为了维系宗法制度、确立社会秩序的工具。 本章详细对比了商周鼎形制的演变，如商代圜底鼎向周代方折沿鼎的过渡。我们将深入探讨“簋”在周代饮食礼仪中的核心作用，以及它如何成为区分贵族等级的重要标志。 第四章：青铜的“语言”：西周铭文的史学价值 西周青铜器最引人入胜之处在于其丰富的铭文。本书将青铜铭文视为“刻在青铜上的史书”。我们不仅会解读具有重大历史意义的长篇铭文（如毛公鼎、大盂鼎），还会分析短小铭文（如“子孙永宝用”）所蕴含的家族观念与功利目的。 书中会选取若干代表性铭文进行书法风格分析，展示金文（大篆）从早期朴拙到中期工整、晚期趋向草化的演变轨迹。通过对铭文内容中涉及的册命、赏赐、战争、田猎等事件的解读，读者能直接触摸到周代政治生活的真实脉络。 第三篇：春秋战国的艺术解放与创新 第五章：工艺的突破：复合技术与装饰的繁缛 春秋战国时期，礼乐制度的瓦解伴随着手工业技术的空前解放。青铜器不再受限于僵硬的礼制规范，展现出前所未有的创新精神和世俗化倾向。 本章重点介绍这一时期工艺的重大突破： 1. 失蜡法（熔模法）的成熟运用：这使得铸造极其繁复的镂空、透雕和多层结构的器物成为可能。我们将展示蟠螭纹、窃曲纹等复杂几何纹饰是如何通过这种技术得以实现的。 2. 错金、镶嵌工艺的盛行：金银错工艺在楚国和吴越地区达到了极致，器物表面被精细的几何图案和动物纹样覆盖，视觉效果华丽至极，标志着实用器向纯粹艺术品的转变。 第六章：地域风格的勃发：楚、吴越、中原的审美对话 本书将分区域探讨战国青铜器的面貌。楚国青铜器以其独特的浪漫主义和神鬼意象著称，如楚文化中常见的云纹、动物嬉戏纹以及大量与巫术相关的器物。吴越地区的青铜器则继承了江南地区的精巧细密，尤以兵器（如越王勾践剑）的铸造技术令人称奇。而中原秦晋地区的青铜器则在吸收新工艺的同时，力图保持传统礼器的庄重感，形成了独特的过渡风格。 第四篇：秦汉的终结与历史的延续 第七章：帝国气象与实用化趋势 秦汉大一统的到来，对青铜器产生了决定性的影响。随着铁器和漆器的普及，青铜器逐渐退出了日常生活和核心礼仪的舞台，更多地转向了列鼎制度的象征性维持、兵器铸造以及日常陈设。 本章分析了秦汉时期青铜器的特点：纹饰趋于简化，动物造型趋向写实，铭文内容多为工匠名款或计量单位。重点介绍汉代铜镜在装饰艺术上的高度成就，它们虽然形制不同于礼器，但反映了汉代对神仙方术和祥瑞思想的崇拜，是青铜工艺在新的时代背景下的重要延续。 结语：不朽的青铜精神 本书最后总结了中国青铜器艺术在中国历史长河中的地位：它们不仅是考古学的宝库，更是研究中国古代政治哲学、宗教信仰和审美变迁的钥匙。每一件青铜器，都承载着一个逝去王朝的呼吸与梦想，其不朽的艺术价值穿越千年，依然熠熠生辉。 本书特色： 图文并茂：收录了大量高清、多角度的精选文物图片，以及对比图表，便于读者直观理解形制变化。 深度解读：侧重于纹饰背后的文化语境和社会功能分析，而非简单的器物分类。 清晰脉络：以时间轴和地域风格划分，构建了清晰的青铜艺术发展史。

评分☆☆☆☆☆

我最欣赏的是它在版式设计上所体现出的那种“留白”的艺术。在信息爆炸的时代，很多画册恨不得把每一寸空间都塞满文字和图片，让人感到压抑。但这部书的版式设计却非常克制和优雅，它懂得留白，懂得让画面“呼吸”。每件文物的图片周围都有足够的空间，这不仅突出了主体，更营造出一种宁静、专注的观赏氛围，让人可以沉浸其中，不去被打扰。这种对阅读体验的尊重，体现了编者深厚的艺术修养和对阅读者的体贴。翻阅起来节奏舒缓，层次分明，它引导着你的目光，让你在不同的器物之间，像在博物馆里缓慢行走一样，从容地品味每一件作品的独特之处，而不是匆忙地扫过。这无疑是一次极其舒适和高雅的视觉旅程。

评分☆☆☆☆☆

说实话，这本书的价值远远超出了单纯的“看图说话”。它提供了一种穿越时空的对话方式。当你阅读到关于某件器物典故的介绍，或者某一种纹饰背后的文化寓意时，你会发现这不仅仅是乾隆盛世的审美产物，更是当时社会思潮、东西方文化交流的缩影。比如书中对“西洋风格”在珐琅彩中融合的探讨，就非常引人入胜，它揭示了当时宫廷艺术是如何巧妙地吸收异域元素，并将其内化为独具中国特色的新风格。这种文化解读的广度和深度，让我对清代宫廷艺术的开放性和包容性有了全新的认识。它不再是冰冷的文物陈列，而是一个个承载着特定时代记忆和文化精神的载体，让人读罢不胜唏嘘，对那个辉煌的年代充满了向往与敬意。

评分☆☆☆☆☆

这部书的装帧和印刷质量简直是顶级享受，封面采用了厚实的硬壳精装，触感温润，那种低调的奢华感扑面而来，光是捧在手里就觉得分量十足，充满了艺术品的质感。内页的纸张选择也极其考究，那种微微泛着哑光的米白色纸张，既保护了色彩的还原度，又避免了过度反光的视觉疲劳，翻阅起来简直是一种享受。更不用说那些色彩的呈现了，无论是那种细腻入微的过渡，还是高饱和度的对比，都处理得极其到位，仿佛文物就在眼前，那种清透、灵动的光泽感被精准地捕捉了下来。我仔细对比了书中的几件瓷器特写，那种珐琅彩特有的玻璃质感和彩绘的层次分明，通过印刷技术得到了最大程度的还原，让人惊叹于现代印刷工艺的进步，同时也更加敬畏古人的鬼斧神工。这本书本身就是一件值得收藏的艺术品，即便是把它摆在书架上，也是一道亮丽的风景线，那种沉甸甸的历史厚重感和无与伦比的美学享受，绝对值回票价。

评分☆☆☆☆☆

我简直要为这本书的学术梳理和编排逻辑点赞！它绝不仅仅是一本简单的图册，更像是一部严谨的、具有高度系统性的研究报告。从器物的胎体特征到釉彩的配方，再到装饰母题的演变脉络，作者群似乎对每一件展品都进行了深入的田野调查和文献考证。我特别欣赏它对不同历史时期、不同窑口风格交叉影响的分析，这种宏观的视野让人很容易构建起对清代彩瓷发展史的完整认知框架。书中对一些关键技术名词的解释也恰到好处，不会过于晦涩难懂，即使是对初学者来说也十分友好，但其中的深度又足以让资深爱好者从中找到新的洞见。这种兼顾科普性与学术性的平衡做得非常到位，读完后感觉脑海中那些零散的知识点都被串联起来，形成了一条清晰的知识链条，极大地提升了我对中国古代工艺美术的理解深度。

评分☆☆☆☆☆

这本书的细节呈现达到了令人发指的程度，我对着其中几件花卉纹饰的图片反复看了很久，简直是强迫症患者的福音。那些细如发丝的描边、多层叠加的色彩堆叠，甚至是釉料在烧制过程中产生的极其微小的“橘皮纹”或者“砂眼”，都被清晰地记录了下来。尤其是一些人物故事场景的描绘，人物的衣褶、神态、背景的山水点染，那种精微的笔触变化，展现了清代画师高超的写实功底和审美情趣。透过这些高清放大的图像，我仿佛能闻到那种古老颜料特有的淡淡气息，感受到画师下笔时的专注与耐心。这种对“微观世界”的极致捕捉，让观者不再仅仅是远远地欣赏一件成品，而是真正走进了制作过程，体会到每一道工序的复杂与不易，其震撼力是普通展览难以比拟的。