中国汉画造型艺术图典：动物 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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杨絮飞 著

图书标签:

• 汉画
• 动物
• 造型艺术
• 中国艺术
• 古代艺术
• 图典
• 文物
• 历史
• 绘画
• 艺术设计

出版社： 大象出版社

ISBN：9787534781247

版次：1

商品编码：11657238

品牌：大象出版社

包装：平装

丛书名： 中国汉画造型艺术图典

开本：16开

出版时间：2014-11-01

用纸：胶版纸

页数：348

正文语种：中文

编辑推荐

　　

　　汉画是具有四百多年波澜壮阔历史的汉代留给我们的宝贵的非物质文化遗产。它造型生动，形象传神，具有丰富的审美内涵和多样化的艺术风格，堪称汉代社会的百科全书。《中国汉画造型艺术图典：动物》所收录的汉画数量大，品种全，分类较为科学，便于使用者分类查找，快速而又方便，是专业人士得力的助手，业余爱好者了解古代社会、欣赏古代艺术的直观读物。
　　

　　海报：

内容简介

　　《中国汉画造型艺术图典：动物》以图片为主要内容，基本上囊括了中国汉画中的动物形象，是汉代动物纹饰较为完整的形象资料库，适合不同受众需求。是现代艺术设计、美术创作不可多得的形象资料。汉画内涵丰富，其神话传说、历史典故、生产生活、审美纹饰等形象繁多，生动多彩，本册中汉画包含：虎、狮、豹、熊、鹿、骆驼、猴、猿、象、兔、犀牛、马等等。

作者简介

　　杨絮飞，河南新蔡人，美术学硕士，在读博士。浙江农林大学文化学院副教授，硕士生导师，装饰艺术设计方向负责人，浙江农林大学汉画造型语言研究所副所长，中国汉画学会理事，浙江省美术家协会会员。主持国家重点课题1项，参与国家课题3项、省级重点课题5项。出版专著10部，其中关于汉画研究方面的专著有《汉画学》《画像石艺术鉴赏》《砖石札记——汉画造型语言研究》《汉画像石造型艺术》，发表汉画学术论文50余篇。

内页插图

目录

虎
狮
豹
熊
鹿
骆驼
猴
猿
象
兔
犀牛
马
牛
羊
犬
猪
鸡
鸟
鹅
鱼
龟
鳖
蟾蜍
蛇
蜻蜓
猫
鼠
大螺
甲虫
蝉
众动物
兽首

前言/序言

　　总序
　　秦汉时期是中华民族的民族气质和民族精神形成以至确立的时期。汉代波澜壮阔的四百多年的历史进程，给我们留下了丰富的历史文化财富。汉画是汉代留给我们的宝贵的非物质文化遗产，而自信强悍、昂扬进取、气度恢宏，则是汉代给我们的民族留下的重要的精神基因。汉画造型艺术在中国美术史上更是卓尔不凡，正如鲁迅先生评价的那样：“惟汉人石刻，气魄深沉雄大……倘取入木刻，或可另辟一境界也。”
　　从狭义上讲，汉画指的是汉代的画像石和画像砖艺术。从广义上讲，汉画造型艺术可分为四大类：一是以雕绘方式创作出来的作品，如汉画像石、汉代玉器以及肖形印等；二是以模印方式创作出来的作品，如汉画像砖、汉瓦当、泥封、铜镜、摇钱树、陶灶等；三是以绘画方式创作出来的作品，如汉代的帛画、壁画、漆画等；四是以塑绘相结合的方式创作出来的作品，如汉代的陶楼与陶俑等。汉画内涵丰富，其神话传说、历史典故、生产生活、审美纹饰等形象繁多，生动多彩，著名历史学家翦伯赞在《秦汉史》中称汉画“几乎可以成为一部绣像的汉代史”，堪称为形象的先秦文化和汉代社会的百科全书。因此，汉画不仅引起文物考古界、艺术界的关注，而且也为历史、宗教、民俗、天文、建筑、体育、曲艺、酿制、纺织、印染等专业学科工作者所瞩目。
　　汉画艺术具有丰富的审美内涵和多样化的艺术风格，写实、夸张，粗犷、细腻，简练、繁复，稚拙、成熟，质朴、妩媚，热烈、疏淡，含蓄、直白，俏皮、庄重……总之，汉画艺术给人以极其丰富的审美感受。总结汉画造型艺术的特点，可以概括为：艺术风格博大雄浑，艺术表现夸张变形，富有律动的美感，注重神韵的形象追求等。从汉画造型艺术中，我们甚至可以探寻到现代立体主义、表现主义和波普艺术等的影子。
　　对于汉画艺术的研究、探索，不同的人有着不同的角度：考古学家更关注汉画的“质”——汉画的质地和材料、制作年代、类型特征以及汉画反映出的社会生活的实际内容等；历史学家更注重汉画具有的“桥”的作用——将它们看作是贯通那个时代的人与社会事件的一个重要途径；美术史家更侧重于汉画的“美”——汉画图像的客观象征意义以及在整个美术发展史中的意义等；而科技、农业、手工业、民俗、音乐、舞蹈、曲艺、体育、服饰、建筑等诸方面的专家学者也能够从各自的领域与专业的角度得到相应的启迪。把拓片运用于金石研究是中国特有的一种方法。汉画像石、汉画像砖、汉瓦当、青铜器、陶瓷艺术等属于具有三维空间的雕塑艺术形式，而拓片则属于二维空间的艺术形式。客观地说，拓片与原作相比差别还是很大的，如材料、质地、色泽以及空间的转折变化等，甚至可以说是两种不同类型的艺术形式。然而，拓片自有其独有的特点：一是对汉画形象的二度创造，将立体形象浓缩于二维图形之中；二是可能更接近图像的本质。拓片以浓墨凸显主体形象，省略背景，使读者能更直接、更快捷、更概括地辨识与记录图像和文字。傅雷先生在写给他在海外学习音乐的儿子傅聪的信中，随寄有中国传统拓片若干，他告诉儿子拓片是最具中国特色的传统“印刷术”——没有西方版画印刷翻转的不便，具有中国艺术气息，应该多加阅读和学习。我们可以这样认为：拓片是中国水墨画与传统雕刻艺术的碰撞与融合，是中国传统艺术中别具一格的一种形式。这也许就是在当今信息高度发达的时代拓片仍然富有生命力的原因之一。
　　利用汉画像石、汉画像砖、汉铜镜和摇钱树、汉瓦当、汉肖形印、汉陶楼陶灶等汉画艺术形象的拓本，按照龙、神仙、祥瑞、人物、动物、器物、建筑、纹饰等八个部分进行分类汇集，编辑出一套以图画形象为表现主体的工具书以供广大艺术工作者和美术爱好者使用，便是《中国汉画造型艺术图典》编撰的主要目的。从2004年至今，整整十年时间，建设汉画图库的梦想终于可以实现了。本套丛书的出版，若能得到专家学者的认可和艺术工作者的喜爱，能为读者的学习和研究提供些许参考，让其在阅读中体验和感悟汉画造型艺术的无穷魅力，也就不负我们这3600多个日日夜夜的辛劳了。
　　杨絮飞李国新杨蕴菁
　　2014年4月于浙江农林大学

好的，为您提供一份关于《中国汉画造型艺术图典：动物》以外其他主题的图书简介。 --- 书名： 《宋代山水画的意境探微与笔墨技法》 作者： 李明德 出版社： 九州古籍出版社 出版年份： 2023年 页数： 580页（含图版120幅） 定价： 188.00元 ISBN： 978-7-5312-9987-1 内容简介 一、 引言：宋代山水画的历史坐标与时代精神 本书深入剖析了在中国艺术史上具有里程碑意义的宋代山水画。宋代，一个文人精神与审美趣味高度成熟的时代，山水画不再仅仅是描摹自然的手段，而是成为士大夫寄托情怀、阐述哲思的载体。本卷首先梳理了北宋初年巨变后山水画的发展脉络，从院体画的严谨到文人画的兴起，明确了宋代山水画在艺术史上的独特地位。我们探讨了儒、释、道三家思想如何渗透进画家的笔墨之中，构建出“可行、可望、可游、可居”的理想世界。 二、 北宋巨匠的艺术高峰与风格嬗变 本书的重点篇章聚焦于北宋前期和中期的几位核心人物。 1. 范宽与“可居”的浑厚之境： 范宽的《溪山行旅图》是研究宋代巨碑式山水的关键样本。本章细致分析了其“雨点皴”的独特运用，笔墨如何营造出北方山脉的雄伟与厚重。我们不仅考察了其对自然形态的捕捉，更着重探讨了他如何在画面中融入一种近乎宗教般的敬畏感，使山水成为“可居”的理想家园。 2. 郭熙与“可行”的动态空间： 郭熙的《早春图》展示了宋代画家对空间处理的革命性突破。我们运用现代视觉理论分析了其“三远法”（高远、深远、平远）的实践，阐明了这些技法如何引导观者的视线在画面中游走，达到一种“可行”的体验。特别是对其“气”的描绘——云雾、水汽如何流动，塑造了画面的生命力，进行了深入的剖析。 3. 李成与荆浩的文脉传承： 对李成和荆浩的讨论，旨在确立宋代山水画的北方传统。通过比较两者在描绘松树和岩石上的差异，揭示了早期山水画如何从唐代的程式化中解放出来，为后世奠定了基础。 三、 南宋的“意在笔先”与院体风格的精致化 进入南宋，随着政权的南迁，山水画的重心也转向南方，风格趋向内敛与精细。 1. 马远的“一角半边”与极简主义： 马远和夏圭是南宋院体画的代表。本章重点分析了他们如何采用“边角式”构图，将画面进行高度的切割与留白。这种处理方式，并非技法上的偷懒，而是对宋代审美中“虚实相生”理论的极致运用。通过对马远《寒江独钓图》等作品的解析，探讨了“一角半边”如何增强画面的诗意和意境的无限延伸性。 2. 院体的规范与文人的反拨： 南宋院体画的工整与细腻，与文人画的抒情形成了鲜明对比。我们详细比对了李唐、刘松年等人的笔法，观察他们在处理水纹、树叶时的精湛功力，并将其置于当时的政治文化背景下，理解院体画的时代使命。 四、 笔墨的语言学：皴法、点苔与墨色的层次 本书的理论核心在于对宋代画家“笔墨语言”的系统梳理。 1. 皴法的谱系学： 详细辨析了披麻皴、斧劈皴、荷叶皴等主要皴法的起源、演变及其在不同山石上的适用性。通过图例对比，展示了不同皴法如何直接传达画家对物质世界的理解和情感倾向。例如，披麻皴的柔和与斧劈皴的刚劲之间的张力。 2. 墨分五色的实践： 探讨了宋代画家如何运用浓、淡、干、湿、宿墨，实现墨色层次的丰富性。着重分析了“渲染法”和“破墨法”在营造空间纵深感和气氛烘托中的作用，强调了“墨分五色”并非简单的色彩变化，而是结构和光影的表现。 3. 点苔与植被的生命力： 点苔和画树是检验画家功力的重要标准。本书收录了大量局部特写图，解析了如“介字点”、“个字点”等技法在表现不同树种（如松、柏、杂树）时的微妙差别，以及这些点法如何赋予画面以生机。 五、 结语：宋画对后世的影响 宋代山水画确立的写意精神和笔墨规范，深刻影响了元代的“四王”乃至近现代的中国画发展。本书旨在为研究者、艺术史学者以及当代山水画家提供一套扎实、细致且富有启发性的参考资料，重温宋人如何在咫尺之间，构建出我们共同的审美理想。 --- 本书特色： 1. 高清图版： 收入多幅宋画高清文物图，包括拓本与原作对比，便于技法细节的研习。 2. 理论结合实践： 不仅阐述艺术理论，更通过大量实例分析笔墨技巧的具体运用。 3. 跨学科视野： 结合宋代理学、文学思潮，深入挖掘山水画背后的文化内涵。 4. 系统梳理： 对北宋与南宋风格的演变进行了清晰的分期论述，脉络清晰。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计，透露着一种低调的奢华感。拿在手里，分量十足，那种沉甸甸的质感，就好像捧着一部厚重的史书。我一直认为，好的艺术书籍，其外在形式本身就是对内容的尊重。内页的纸张选择非常考究，既保证了文字的清晰度，又不会反光影响对图像细节的观察。更难得的是，它在内容的编排上，跳脱了传统的年代顺序，而是采用了一种更具主题性的划分，这使得阅读体验更加流畅和富有趣味性。每次随手翻开任何一页，都能被其中某个独特的造型结构所吸引，然后不由自主地沉浸进去，去揣摩古人创作时的心境和意图。可以说，这是一本让人愿意反复把玩、时时品味的佳作。

评分☆☆☆☆☆

对于一个长期关注古代文明研究的人来说，阅读这本书更像是一场精神上的朝圣之旅。它的系统性和深度，远超出了我的预期。作者在梳理过程中展现出的那种近乎苛求的严谨态度，令人肃然起敬。每一次对具体作品的分析，都像是将那件文物从历史的尘埃中小心翼翼地剥离出来，进行多维度的剖析。我特别喜欢那种将不同地域、不同时期的作品放在一起进行对比分析的手法，这种横向和纵向的参照，极大地拓宽了我的视野，让我理解了艺术风格是如何在地域的碰撞与融合中不断演进的。这本书的价值，绝不仅仅在于“看图”，更在于它提供的思考框架，是学术研究者案头不可或缺的参考资料，也是普通爱好者提升鉴赏力的绝佳读本。

评分☆☆☆☆☆

这部号称“图典”的著作，实在是让人眼前一亮。从封面设计到内页排版，无不透露出一种沉稳而考究的学术气息。我原本以为这会是一本枯燥乏味的工具书，但翻开之后才发现，它更像是一部精美的艺术画册。编排的用心程度可见一斑，清晰的图例配以精准的文字解读，使得那些原本晦涩难懂的古代艺术语汇变得生动起来。那些古代匠人如何在有限的空间内，通过线条和结构来营造出磅礴的气势和细腻的情感，这本书都有着深入浅出的探讨。尤其是对于那些经典纹样的演变脉络梳理得尤为清晰，让人在欣赏之余，更能体会到其中蕴含的文化传承与创新。它不仅仅是简单地罗列图片，更像是搭建了一座通往古代艺术精神世界的桥梁，让人沉浸其中，流连忘返。

评分☆☆☆☆☆

老实说，我接触这类专题性艺术书籍不多，但这本书的入选绝对是物有所值。它并没有陷入那种过度学院派的僵硬叙述中，而是保持了一种面向广大爱好者的友好姿态。我尤其欣赏它在细节处理上的独到眼光，很多常人容易忽略的边缘构图、甚至是残损部分的修复性解读，都做得非常到位。这让我得以从一个全新的角度去审视这些历史遗存的魅力。阅读过程中，我不断地被那些跨越时空的艺术手法所震撼，从中汲取到了很多关于构图美学和视觉语言的灵感。这本书的印刷质量也值得称赞，色彩还原度极高，使得那些历经千年风霜的色彩依然能焕发出夺目的光彩，真正做到了将历史的厚重感与艺术的轻盈感完美结合。

评分☆☆☆☆☆

从阅读体验的整体感受来说，这本书的叙事口吻把握得相当到位，既有学术的庄重，又不乏文学的灵动。它巧妙地避开了那种生硬的教科书腔调，而是以一种娓娓道来的方式，将复杂的艺术史知识融入到对具体艺术品的鉴赏之中。对我个人而言，它极大地激发了我对古代艺术的热情，让我开始注意到那些以往被我忽视的细微之处，比如线条的粗细变化如何影响整体的视觉张力，或者某个动物姿态的扭曲背后可能蕴含的哲学思考。这本书的学术深度足以应对专业人士的考究，而其艺术感染力又足够吸引初涉此道的读者，这是一种非常难得的平衡，也体现了编纂团队高超的驾驭能力和深厚的文化底蕴。

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