中国当代声乐作品及钢琴艺术指导 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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刘小静，刘骅，邓琤 编

图书标签:

• 声乐
• 钢琴伴奏
• 艺术指导
• 中国当代音乐
• 声乐作品
• 钢琴艺术
• 音乐教学
• 声乐教学
• 音乐分析
• 作品赏析

出版社： 华中师范大学出版社

ISBN：9787562273677

版次：1

商品编码：11980053

包装：平装

丛书名： 高等院校综合性音乐教育系列教程

开本：16开

出版时间：2016-06-01

用纸：胶版纸

页数：122

字数：200000

正文语种：中文

内容简介

　　《中国当代声乐作品及钢琴艺术指导》是江汉大学音乐学院组织编写的高校音乐专业试用教程之一。这本教材以教书育人、培养德艺双馨的人才为目的，为音乐专业在校生以及广大音乐爱好者选出具有一定代表性的中国当代声乐作品进行学习。在曲目甄选上，充分考虑到涉猎题材的广泛性，主要集中为歌唱祖国、歌唱亲情、歌唱爱情以及歌唱军旅生活几个大类的作品，旨在让大家充分了解和掌握各种题材作品的风格特点，对拓宽艺术视野、增强音乐修养有着重要作用。
　　在内容上，每首作品都编写了对应的演唱与钢琴艺术指导方面的教学提示，方便学习者在学习演唱时了解作品的创作背景，有助于正确地把握演唱风格与演唱技巧，准确地表达作品的本来寓意，同时也能*好地掌握钢琴伴奏部分，使之配合默契，呈现整首作品。

目录

江山
为了谁
公仆赞
你是这样的人
永远跟党走
长城永在我心上
人间第一情
儿行千里
想家的时候
父亲
母亲
报答
白发亲娘
烛光里的妈妈
天堂
天路
绿叶对根的情意
思恋
芦花
梅花引
蓝色爱情海
最后一个梦
老师，我想你
七月的草原
军营飞来一只百灵
我像雪花天上来
江河万古流
中国大舞台
我的深情为你守候
举杯吧，朋友
教学提示

探索西方古典音乐的恢弘画卷：从巴赫到德彪西的钢琴艺术与音乐思潮 书籍名称：《键盘上的时光之旅：从巴洛克到印象派的钢琴演奏技法与风格演变》 内容提要： 本书旨在为钢琴学习者、演奏者、音乐爱好者以及音乐史研究者提供一部详尽而深入的指南，系统梳理西方古典音乐史上，特别是键盘音乐在巴洛克、古典主义、浪漫主义直至印象主义这几个关键时期的发展脉络、核心美学思想及其对钢琴演奏技法产生的深刻影响。我们聚焦于钢琴（及其前身键盘乐器）如何在技术、表现力和音乐语言上完成其伟大的演进，从而支撑起那个时代最伟大的音乐创作。 本书不涉及任何关于中国当代声乐作品的探讨，而是将视野完全投向欧洲古典音乐的传统与革新，从宏观的时代背景入手，逐层剖析具体作曲家的作品特征及其对演奏者的具体要求。 --- 第一部分：巴洛克时代的逻辑与虔诚——键盘乐器的基石（约350字） 巴洛克时期（约1600-1750年）是键盘音乐奠定其结构性基础的时代。本部分将深入探讨早期的羽管键琴（Harpsichord）和古钢琴（Clavichord）的机械特性如何塑造了当时的音乐语言。 核心内容包括： 1. 复调的艺术与“织体”的构建： 重点分析巴赫（J.S. Bach）的《平均律钢琴曲集》和赋格作品，探讨如何通过清晰的声部导向（Voice Leading）来构建复杂的复调结构。我们不仅关注和声的逻辑，更强调对每个独立声部的清晰度、连贯性与对比性的处理。 2. 演奏技法： 针对当时强调的清晰度（Articulation）和力度对比的有限性，详细阐述“指尖的独立性”训练方法，以及如何通过触键的精确性来模仿当时键盘乐器在音色变化上的局限性，从而达到巴洛克美学所要求的“平等对待所有声部”的原则。 3. 装饰音的语言学： 详述巴洛克时期装饰音（如颤音、回音、琶音）的书写与即兴演奏之间的关系，它们不再是简单的修饰，而是构成音乐结构和表达情感不可或缺的元素。 --- 第二部分：古典主义的平衡与清晰——钢琴的诞生与标准化（约400字） 随着技术的发展和启蒙思想的影响，古钢琴（Fortepiano）取代了羽管键琴，带来了音量的动态范围和更强的触键敏感度。古典主义时期（约1750-1820年）追求结构清晰、比例匀称和情感的节制表达。 核心内容包括： 1. 海顿与莫扎特的奏鸣曲结构： 深入解析奏鸣曲式（Sonata Form）在这一时期的成熟，以及如何通过对比性的主题材料、清晰的乐句划分和精确的力度标记（如 p 与 f 的突然转换）来体现古典主义的结构美学。 2. 触键的革命： 探讨早期钢琴（Fortepiano）对演奏者触键控制力的要求。它要求演奏者在极端的轻重变化中，保持音色的纯净度。我们辅以具体的练习，指导如何实现莫扎特作品中那种晶莹剔透、颗粒感十足的音质。 3. 清晰的歌唱性（Cantabile）： 虽然不如浪漫主义那样强调“咏叹调”，但古典主义的慢板乐章对旋律线条的连贯性提出了极高的要求。本部分将分析如何通过指法的流畅性和呼吸感来处理这种克制而优雅的“歌唱”。 --- 第三部分：浪漫主义的激情与个人化——钢琴的“王者时代”（约450字） 浪漫主义时期（约1820-1910年）是钢琴艺术的黄金时代。乐器的机械性能达到顶峰（如十字交叉弦、铸铁框架的应用），极大地拓展了音域和承载力，使得作曲家能够尽情释放内心深处的汹涌情感。 核心内容包括： 1. 贝多芬的桥梁作用： 贝多芬如何预示并实践了钢琴性能的极限，尤其是其晚期奏鸣曲中对踏板的创新性使用和情感的深刻挖掘，为后来的浪漫主义打开了大门。 2. “钢琴诗人”的叙事与色彩： 重点分析肖邦（Chopin）作品中的民族色彩、高度个性化的织体处理以及对传统曲式的革新。探讨肖邦作品中对左手和声支撑、右手精细旋律线条的平衡技巧，特别是对“Rubato”（自由速度）的精准把握，使其成为一种音乐表达的内在要求而非单纯的速度波动。 3. 李斯特与演奏的“炫技”美学： 剖析李斯特如何将钢琴演奏推向技术奇观的顶峰。本书将解构他复杂的八度、和弦跨越、快速音群的练习方法，并分析这些技巧背后所承载的宏大叙事与英雄主义情怀。同时，我们会适度讨论技术与音乐内涵的关系，避免单纯的技术堆砌。 --- 第四部分：印象主义的模糊与色彩——听觉的视觉化（约300字） 进入19世纪末20世纪初，德彪西（Debussy）和拉威尔（Ravel）引领了印象主义浪潮，他们不再追求清晰的结构和直接的情感宣泄，转而探索声音的“氛围”、“色彩”和“光影”。 核心内容包括： 1. 踏板的再定义： 印象主义对延音踏板的使用达到了前所未有的复杂程度。本部分详细阐述如何运用踏板来模糊音符之间的界限，创造出“音响的雾气”和色彩的叠加效果，同时保持和声的透明度。 2. 全新的和声语言： 分析全音阶、五声音阶以及不协和和弦在印象派作品中的应用，以及这些和声如何要求演奏者在指法上进行调整，以适应更宽松、更模糊的连奏要求。 3. 触键的“轻盈”： 德彪西作品中的钢琴声音要求演奏者从手指深处释放出一种“漂浮”的音质。我们将探讨如何通过放松手腕和手臂的重量转移来实现这种极致的“轻触”，捕捉水波荡漾或光影流动的听觉体验。 结语： 本书通过对这四个关键历史时期的梳理与实践指导，旨在构建起一套完整的键盘音乐演奏哲学——从巴洛克对结构的绝对尊重，到古典主义的比例把握，再到浪漫主义的情感释放，最终抵达印象主义对听觉感知领域的拓展。掌握了这些历史时期的核心技法与美学理念，演奏者便能更深刻地理解每一部作品背后的时代精神与作曲家的意图。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和排版散发着一种庄重的老派气息，这倒是符合其主题的严肃性，但阅读体验上的问题也随之而来。大量使用的专业术语，特别是对于声乐美声学派与民族唱法之间差异的界定和比较，几乎需要我每隔几段就要停下来查阅其他参考资料，这极大地打断了阅读的连贯性。我尝试着去理解作者是如何看待当代中国作曲家在吸收了西方现代音乐技法之后，如何巧妙地融入中国传统文化语境的，但书中对于这种“融合”过程的描述，往往是通过引用大量的音乐分析标记和理论框架来实现的，而不是通过具体的案例赏析来引导我们。举个例子，当谈到某位作曲家如何创新性地处理“气口”或“气息运用”时，我更想看到的是作者引用该作品的某一句歌词，然后描述这种处理方式是如何服务于这句歌词的情感表达的，而不是仅仅停留在对音域和技术难度的罗列上。这本书更像是一份供研究人员使用的参考工具书，而不是一本面向广大音乐爱好者的普及读物。

评分☆☆☆☆☆

说实在的，我买这本书是想深入了解一下，在改革开放后，中国的声乐作品在题材和风格上究竟经历了哪些巨大的转变，特别是那些突破了传统主旋律叙事框架的作品，是如何在当时的艺术生态中找到生存空间的。书中关于时代背景的论述非常简略，更多的是直接切入音乐作品自身的结构分析。我希望能读到更多关于“台前幕后”的轶事，比如某个作品的剧本是如何几经修改才得以通过审查的，或者某位年轻作曲家在创作初期遭受到的质疑与鼓励。这些“人”的故事，往往比音符本身的排列组合更能打动人心。这本书的叙述视角太过“纯音乐化”了，几乎将作品从它所处的社会、历史和剧场环境中剥离了出来，成为一个孤立的艺术对象进行研究。因此，虽然它在专业性上无可挑剔，但在构建一个生动、立体、有血有肉的“中国当代声乐图景”方面，对我来说，信息量是缺失的，我更希望读到的是一部关于“声音变迁史”的纪实文学，而非一份冷峻的学术报告。

评分☆☆☆☆☆

我费了好大劲才把这本书啃完了一小半，坦白说，我的理解能力可能跟不上作者的学术深度。这本书的语言风格极其学术化，每一个论断都像是经过了无数次推敲和论证的教科书式陈述，这使得阅读过程变成了一种智力上的拉锯战。我原本以为能从中找到一些关于钢琴艺术指导在实际排练中如何与歌唱家进行沟通协作的“秘笈”或者“内幕”，毕竟“艺术指导”这个词本身就充满了幕后的神秘感。结果，书中更多的是对钢琴伴奏在声乐作品中“功能性”的理论阐述，比如和声织体的分析，对人声线条的支撑作用等，这些内容对于一位专业的科班学生或许是宝贵的财富，但对于我这个想要了解“人情味”和“舞台化学反应”的读者来说，显得过于干燥和抽象。我甚至在想，那些被选入书中的作品，它们在录音棚里是如何一次次试唱、如何与钢琴家磨合出最终完美版本的细节，那些充满汗水和争执的瞬间，是不是更值得被记录下来，而不是仅仅停留在纸面上的结构图。

评分☆☆☆☆☆

这本厚厚的书，光是翻开扉页，就能感受到一股浓郁的学院气息扑面而来。我特地挑了几个周末的时间，试图沉浸其中，但说实话，阅读体验颇有些挑战性。书里对于二十世纪中后期以来中国声乐作品的梳理，结构严谨得像是一份详尽的档案汇编，每一个作曲家的名字、每一首代表作的创作背景，都被标注得一丝不苟。然而，对于我这种业余爱好者来说，那些晦涩的音乐学术语和繁复的结构分析，读起来就像是在啃一块没有调味的干粮，虽然营养丰富，但实在难以大快朵颐。我期待的是能读到一些关于这些作品如何被创作出来，作曲家们在艰难时代里如何寻找灵感的故事，或者至少是几段生动描述，描绘出一位歌唱家在舞台上完美演绎某段高音时的那种直击人心的力量。书中虽然提到了作品的艺术价值和民族性，但大部分篇幅都聚焦于技术性的探讨和文献的罗列，缺乏那种能让普通读者产生情感共鸣的叙事张力，读完后总觉得意犹未尽，仿佛只是看到了冰冷的乐谱框架，却未能真正“听见”那些声音的温度与灵魂的挣扎。我更希望看到的是对时代脉搏的捕捉，而不是对音符的解剖。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的整体印象是“博大精深，但难以亲近”。它似乎预设了一个读者群体：他们已经拥有深厚的音乐理论基础，并且熟悉绝大多数被提及的声乐作品。这种高门槛让我这个“半路出家”的听众感到有些挫败。我原本抱着希望能找到一些关于当代中国歌剧或艺术歌曲的“必听清单”以及每首曲目的“快速入门指南”的期望。例如，哪几首作品是表达特定历史时期情绪的最佳载体？哪几首是技巧难度最高、最能体现演唱者功力的？书中确实给出了作品目录，但对这些作品的“可听性”和“情感穿透力”的描述都比较克制和客观，缺少了那种带着强烈主观情感的推荐和导览。当我试图去寻找关于那些著名歌唱家们是如何诠释这些作品，他们的“声音印记”给作品带来了哪些不可替代的贡献时，这些内容也大多被含糊带过，仿佛“表演者”只是“作品”的附庸，而非共同的创造者。