温克尔曼的希腊艺术图景 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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高艳萍 著

图书标签:

• 艺术史
• 古典艺术
• 希腊艺术
• 艺术理论
• 温克尔曼
• 美学
• 文化史
• 西方艺术
• 艺术哲学
• 18世纪艺术

出版社： 北京大学出版社

ISBN：9787301275504

版次：1

商品编码：12011177

包装：平装

丛书名： 诗学与美学研究丛书

开本：32开

出版时间：2016-10-01

用纸：胶版纸

页数：544

字数：253000

编辑推荐

　　《温克尔曼的希腊艺术图景》：对温克尔曼的希腊艺术图景及其生成做出了独特而深入的分析与阐释。

内容简介

　　《温克尔曼的希腊艺术图景》是国内系统研究温克尔曼希腊艺术观的首次尝试。本书以温克尔曼的希腊艺术研究为中心，旨在厘清与阐明其艺术思想的基本内涵，探究其形成，阐发其深义，揭显其艺术思想、感受方式中被现实的和理论的历史所遮蔽的具有价值的诸特征。鉴于温克尔曼的希腊艺术研究对德国近现代美学的重要影响，研究其亦有助于为理解德国古典美学和浪漫主义美学等建构一个理论基点。
　　《温克尔曼的希腊艺术图景》结构分为三个层次,其中包括温克尔曼的希腊艺术美学，温克尔曼希腊艺术观的哲学解读，温克尔曼希腊艺术观的历史研究。其主要内容涉及希腊艺术的知性、形式微妙性及道德(及其超逸)层面、温克尔曼前后期艺术思想的变迁、温克尔曼的艺术史书写及其历史哲学，温克尔曼的"艺术敷格"及其"凝视"哲学， 温克尔曼的"希腊形象"等。

目录

序言
导言
第一章 不可见之美
第一节 知性及其表象
第二节 寓意
第三节 不可见之美
第二章 可见表面的形式美学
第一节 微妙的形式
第二节 椭圆问题
第三节 希腊表面
第四节 温克尔曼的中性美学
余论 作为身体的希腊雕像
第三章 静与淡：道德诗学的显与隐
第一节 “静穆”的道德诗学
第二节 审美的“静
第三节 道德诗学的偏离：希腊的抑或罗马的？
第四节 静穆之下：隐匿的狄奥尼索斯
余论 温克尔曼论审美感受力的培养
第四章 温克尔曼的视觉肌理
第一节 温克尔曼的“视象敷写”
第二节 “凝视”:触觉的介入
第三节 被雕像“回看”
第五章 艺术史的哲学
第一节 艺术史的建构
第二节 诗化的历史哲学
余论 雄浑与优美
第六章 温克尔曼的希腊图景
第一节 原型与教化
第二节 希腊性情
第三节 德国的“希腊图景”
结语 温克尔曼的悖论
主要参考文献
后记

《失落的文明的低语：古代近东艺术与信仰体系》 一部深入探索美索不达米亚、埃及以及黎凡特地区古代艺术与精神世界的恢弘之作。 本书并非聚焦于爱琴海世界的古典理想，而是将目光投向更古老、更神秘的东方腹地——那片孕育了人类最早文字、城邦和宏伟神庙的土地。《失落的文明的低语：古代近东艺术与信仰体系》 是一部旨在解构和重塑我们对公元前四千纪至前一千纪的古代近东文明艺术实践及其宗教、政治和社会结构之间复杂联系的学术专著。 第一部分：乌鲁克之光与两河的基石 (公元前 4000 年 – 前 2350 年) 本部分将从苏美尔文明的黎明开始叙事，重点剖析美索不达米亚南部城市国家——特别是乌鲁克、乌尔和拉格什——在艺术创新上的关键作用。我们不再满足于对“标准之旗”或“乌尔王陵”的表面描述，而是深入挖掘泥板文书、圆柱印章（Cylinder Seals）的微观世界，探究这些小型艺术品如何作为日常行政、财产标记乃至巫术仪轨中的核心媒介。 对神庙建筑的分析将侧重于其功能性与象征意义的交织。例如，对基什的“白庙”和乌鲁克的“Eanna神庙群”的考察，将不再仅仅是砖石结构的罗列，而是将其置于当时的社会权力结构之中，理解“神庙经济”如何驱动了艺术赞助和材料调配。我们将细致考察雕塑中人物姿态的程式化，例如“祈祷者”形象的永恒性，探讨这种姿态如何体现了苏美尔人对神灵的绝对顺从与持续的恳求。 此外，对早期青铜器制作工艺的突破性分析，特别是关于失蜡法（Lost-wax casting）的起源，将揭示美索不达米亚在金属冶炼技术上的领先地位，以及这些技术如何被用于服务于王权和神权。 第二部分：阿卡德的统一与帝国的视觉语言 (公元前 2334 年 – 前 2154 年) 萨尔贡大帝的崛起标志着美索不达米亚历史上第一次真正意义上的区域性统一。本章的核心在于分析阿卡德王朝如何创造了一种全新的、服务于帝国意识形态的视觉叙事。我们摒弃将萨尔贡视为简单继承者的观点，转而探讨其艺术政策如何试图抹除地方差异，建立普世的政治合法性。 纳拉姆辛胜利浮雕 将作为本部分的焦点。对其构图的解剖将不仅仅停留在其对希腊化早期透视法的雏形模仿上，而是着重分析这种“神化君主”（Divinization of the Ruler）的视觉策略是如何打破了早期苏美尔神庙艺术中神与人的清晰界限。雕像的缺失（如纳拉姆辛胜利柱顶部的缺失）将促使我们更仔细地研究其残存的基座铭文和人物表现，推断其在原始语境中的冲击力。 第三部分：两河流域的周期性复兴与混乱 (公元前 2112 年 – 前 539 年) 这一阶段涵盖了乌尔第三王朝的复兴、伊辛-拉尔萨时期以及巴比伦的崛起。重点在于展现艺术如何在政治的波动中保持某种文化“记忆”的连续性。 对于乌尔第三王朝的考察，我们将细致审视其楔形文字泥板的艺术性，讨论铭文排版的设计美学，以及其对“苏美尔复兴”的政治口号如何反映在对古老神祇和建筑风格的回归上。 随后，我们将进入古巴比伦时期。汉谟拉比法典石碑不仅是法律的载体，更是神权与王权结合的典范。本节将聚焦于法典顶部的浮雕，分析其象征体系：沙玛什（Shamash）的形象如何被描绘以赋予世俗法律以神圣权威，以及汉谟拉比的姿态如何模仿了神谕的接受者而非单纯的执行者。 更重要的是，本书将投入大量篇幅研究亚述帝国（公元前九世纪至前七世纪）的艺术成就。亚述的宫廷艺术——特别是尼姆鲁德和尼尼微的浮雕壁画——代表了古代近东军事艺术的巅峰。我们将分析“狩猎场景”和“战争场景”的叙事逻辑：它们如何通过重复的暴力符号、对敌人的极端化描绘，来构建亚述王权无懈可击的形象。对阿淑尔巴尼拔猎狮场景的精细解读，将展示艺术家如何运用动态的捕捉与病态的美感来表达王者的绝对掌控力。 第四部分：帝国的交汇点——赫梯、米坦尼与晚期青铜时代的视觉交流 本部分将拓宽地理视野，引入安纳托利亚高原和叙利亚北部的强权。赫梯帝国（Hittites）的艺术，特别是其在亚斯卡莱特的狮门和博阿兹柯伊（Hattusa）遗址中发现的巨石雕刻，展示了一种独特的混合风格——融合了美索不达米亚的圆润感与新涌现的、更具力量感的线条处理。我们将探讨赫梯神祇形象（如风暴之神特舒布）如何融入其军事扩张的叙事中。 对米坦尼（Mitanni）王国的考察，将重点关注其在陶器和金属器皿上的精湛技艺，以及这些工艺品如何作为外交礼物，充当了不同文明之间“视觉外交”的工具。通过对阿玛尔那信件中提及的工艺品进行推测性重构，我们将理解青铜时代晚期跨区域艺术影响的微妙机制。 第五部分：新巴比伦与波斯的荣耀 (公元前 539 年 – 前 331 年) 当新巴比伦帝国（如尼布甲尼撒二世时期）短暂重获荣耀时，其艺术试图回归阿卡德和苏美尔的“黄金时代”。伊什塔尔城门的釉砖艺术将作为本章的视觉高潮。我们不再仅仅赞美其绚烂的色彩，而是分析这种工业化的、标准化的瓷砖生产如何反映了高度集中的帝国管理能力，以及公牛和龙形神兽的重复排列如何服务于对神圣道路的净化与保护。 最后，本书将探讨阿契美尼德波斯帝国对前代艺术遗产的继承与改造。居鲁士大帝和波斯“万王之王”的统治，在苏萨和波斯波利斯（Persepolis）达到了视觉上的集大成。波斯艺术的显著特点是其“包容性的综合”：来自埃及的浮雕技巧、来自米底的服饰元素、来自两河的楔形文字，所有这些都被巧妙地整合在宏伟的柱式建筑和精致的猎物浮雕中。我们将论证波斯艺术并非简单的模仿，而是一种高度精致的、用于合法化多元帝国统治的视觉普世主义的表达。 本书的结论部分将重新审视古代近东艺术的本质：它很少以纯粹的“再现”为目的，而是始终作为权力的工具、信仰的载体和历史记忆的守护者。通过对这些失落文明的低语的细致聆听，我们得以理解，艺术如何定义了一个文明的自我认知，及其在历史长河中的不朽遗产。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计简直是一场视觉的盛宴。深邃的蓝色背景上，那些古希腊雕塑的局部特写，光影对比强烈，仿佛能感受到石头穿越千年的温度。装帧的质感也相当考究，拿在手里沉甸甸的，透露出一种沉稳和专业的态度。光是翻开扉页，看到那些精美的插图索引和清晰的排版，我就知道这不是一本泛泛而谈的通俗读物，而是一部下足了功夫的学术力作。特别是那些细节图，对雅典卫城上那些精细到发丝的雕刻都能捕捉得丝丝入扣，让人不得不佩服作者和出版社在呈现视觉信息上的匠心。对于任何一个钟情于古典艺术、希望从视觉上直观感受那个黄金时代艺术魅力的人来说，光是欣赏这本画册般的书籍，就已经是一种享受了。它不仅仅是知识的载物，更是一件值得收藏的艺术品。

评分☆☆☆☆☆

这本书的学术严谨性毋庸置疑，但最难得的是它没有将读者晾在一边，任其在晦涩的专业术语中摸索。作者似乎深知如何与一个充满好奇心的普通读者对话。他总能在关键的理论阐述后，立刻跟进大量的案例分析和清晰的图文对照，这极大地降低了理解门槛。对于那些复杂的建筑术语，比如“柱式”的细微差别，或者“雕塑的人体解剖”中关键的力学原理，他总能用一种非常生活化、易于接受的方式来解释，简直就像一位耐心的一对一导师。这种平衡——既保持了专业深度，又不失讲解的温度——是很多同类书籍难以企及的。我敢说，即使是初次接触希腊艺术史的爱好者，也能在这本书里找到属于自己的阅读乐趣和知识增长点。

评分☆☆☆☆☆

这本书的论述视角非常具有启发性，它没有仅仅停留在对“什么是美”的表层描述上，而是深入探讨了“为什么会形成这种美”的文化根源。它成功地将希腊艺术置于其宏大的哲学背景——从毕达哥拉斯的数学和谐观到柏拉图的理念论——之中进行审视。阅读时，我常常会停下来思考，那些完美的比例和理想化的人体形象，究竟是他们对现实的模仿，还是对某种更高维度的精神世界的追求。作者没有直接给出标准答案，而是引导读者去思辨，去感受艺术背后的那股强大的理性与人文精神的张力。这种引导式的阅读体验，让这本书超越了一般的艺术史梳理，更像是一次关于人类文明核心价值的哲学对话。

评分☆☆☆☆☆

阅读这本书的过程，就像是跟着一位见多识广的考古学家进行了一场沉浸式的田野考察。作者的叙事节奏把握得极其精准，从早期的几何风格到盛期的古典主义巅峰，再到后来的希腊化时期的磅礴与感伤，过渡得自然而流畅，没有丝毫的跳跃感或突兀感。他对于不同历史时期艺术风格的演变逻辑阐述得非常透彻，总能将艺术的风格变化与当时的社会、哲学思潮联系起来，使得那些冰冷的石像和建筑不再是孤立的存在，而是活生生的历史见证。尤其让我印象深刻的是他对“理想美”在不同阶段的诠释差异的对比分析，那种细致入微的观察和深层次的解读，让我对许多耳熟能详的作品有了全新的理解。读完之后，感觉自己对古典美学的理解层次被拔高了不少。

评分☆☆☆☆☆

我必须提到的是，这本书的文献综述和注释体系简直是为研究者量身定做的宝藏。每一次对某一特定流派或某位艺术家的观点引用，都能在脚注中找到清晰的来源指向，无论是古希腊文献的引用，还是近现代考古学家的最新发现，都标注得一清二楚。这不仅仅是负责任的表现，更体现了作者对学术共同体的尊重。对于需要进行深入研究，或者想追溯某个观点的源头的人来说，这套详尽的注释系统省去了大量的二次查找时间，极大地提升了研究效率。这种对细节的执着，让整部著作的可靠性和权威性得到了极大的提升，让人可以放心地将书中的论点作为自己研究的坚实基础。