陆维钊文献集/中国美术学院学脉文丛 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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白砥 编

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• 陆维钊
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• 艺术理论
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• 中国美术
• 高等教育
• 艺术史

出版社： 中国美术学院出版社

ISBN：9787550315044

版次：1

商品编码：12348092

包装：平装

丛书名： 中国美术学院学脉文丛

开本：16开

出版时间：2018-03-01

用纸：胶版纸

页数：381

字数：300000

正文语种：中文

内容简介

　　陆维钊中国美术学院血脉文丛结集了学院有代表性的节点上的人物和教学事件，有作者自己的教学活动，教学理论和代表性作品，也有当代和现代艺术理论家对作者研究的文章，《陆维钊文献集/中国美术学院学脉文丛》为丛书之一，由陆维钊先生生平、作品、著作、研究、附录五部分组成，全面展示了陆维钊教授艺术实践和实践所构成的学术理念，是一本图文并茂展现陆维钊书法创作的成果集，具有一定的文献研究价值。

目录

一 生平
先祖考少云公事略陆维钊
缅怀国美书法教育体系奠基人 陆维钊先生
——从两份先生手书的资料谈起章祖安
首届书法专业教育追忆金鉴才
《艺术人生——走近大师·陆维钊》序言 刘江
父亲陆维钊与清华研究院陆昭徽
陆维钊在松江陆昭徽
深切缅怀陆维钊老师李绍然
世纪誓约教育重任
——追念潘天寿先生与父亲陆维钊的专业情怀 陆昭怀

二 作品
三 著述
中等中国历史教科书编辑商例
《三国晋南北朝文选》叙言
先秦、两汉、魏晋南北朝文学
古籍名著阅读指南
书法述要
书法的欣赏（提纲）
与中国画花卉专业研究生谈话提纲
如何鉴别一般用墨
造笔不始于秦说述
读《楚辞》杂记
孔子生日辨
孔氏不丧出母辨
书葛氏藏书之毁
序（六则）
题跋（二十八则）
诗（十首）
词（十首）

四 研究
《陆维钊书法选》前言沙孟海
艺苑推三绝书林想百围——怀念导师陆维钊先生
朱关田王冬龄邱振中祝遂之陈振濂
陆维钊书法论章祖安
陆维钊先生的书法教育思想初探刘江
碑帖融合——赵之谦、沈曾植、陆维钊书法之比较 白砥
靖扁书的创造与现代书法艺术
——陆维钊的划时代贡献 薛永年
艺在诗书间许江
关于陆维钊先生的现代性与创造力 陈振濂
通才绝艺合而化之——陆维钊书学思想核心兼实践金垮
砚翻古墨春雷飞率意写心任自然
——简析陆维钊山水花鸟画艺术 李敬仕
汲古创新的诗意书道任平

附录
陆维钊先生艺术年表
后记

精彩书摘

　　《陆维钊文献集/中国美术学院学脉文丛》：
　　由于潘先生的坚决抵制，撤书法专业的风波总算平息下去了。接着，潘先生开始亲自来给我们上课，讲课内容是《草诀歌》。他对我们说：“书法我是票友，不内行，因此就只能教你们认几个草字。”他还多次提到，学书法要多向朱家济先生请教，朱先生才是行家。潘天寿先生平时给人的印象是寡于言辞，讲起课来则滔滔不绝，旁征博引，四处逢源，内容极其广泛，虽然直到第三周才言归“草诀歌”这个正题，但他海阔天空式的讲演，大大开拓了我们的思维空间，一下子把我们引入到一个广袤无际的艺术领域，采英撷华，真可谓俯拾皆是。在这场合，从潘先生身上，我才真正领略了大师的风采。
　　朱家济先生是外聘教授，出身书香门第，是沈尹默在北京大学时的学生。我曾经听张宗祥先生说，朱先生是当时很少几个可以与马一浮先生“谈谈”的人之一。又有一次我向朱先生请教“冯唐易老”的典故，他随口就能背出原文，而且讲得出在《资治通鉴》第几卷，我事后经过核对，几乎一字不差。这位老先生的脾气有点特别，遇到我们提问或回答有不正确，他的第一反应就是“胡说”二字。他说话绝少，教我们《古代汉语》，从来不讲解，只让我们自己读原文，甚至要我们少看注释。当我提出不看注释无法读懂时，他竟然说：“你要读懂它干什么？”表露出一副十分惊讶的神态。我向他请教诗词作法，他只说“多读”，后来送给我一部《诗韵合璧》，还规定我只准查字韵，不准看上面的例词、例句。我们请他讲解一下某件名作的好处，他思考半天，只回答了“好就好在没法说”一句话。我问：“书法在书卷气之外还有哪些要求？”他就反问我：“书法除了书卷气，你说还能有什么？”他学问那么好，却不写论文，我们都为他惋惜，他却说：“该说的古人都说了，我还有什么好写。”他的这些话，我一直觉得无法理解，今天细细咀嚼，才逐渐体悟到其中的深刻涵义。朱家济先生在指导我们书法训练时，特别强调“下笨功夫”，他认为赵孟頫“以最高的天资服从最严的法度”，是书法家的典范。同时他又用王安石《游褒禅山记》中“求思之深而无不在”的话，启发我从各种生活实践中去获取对书法生命的深层感悟。
　　沙孟海先生是朱家济先生浙江博物馆的同事，也是外聘教授，以治学严谨著称。20世纪80年代末，大概他正在研究执笔的问题，有一次向我打听了朱先生生前对执笔、中锋的看法后，突然站起来惊喜地说：“原来如此！我与他在一个办公室面对面坐了几十年，一直不好意思问他。”他对朱先生谦虚若此，使我深受感动。沙先生没有给我们讲过书法课，他所授的篆刻史和古文字学（主要内容是说文部首和三十五举），章节分明，从上课铃停下到下课铃响起，整个课堂虽然只有我们两三个学生（刘江先生一般也来听讲），却始终洋溢着他中气十足的声音，我们则拼命做笔记，谁也不肯稍怠。因此，他就成了唯一一个没有在课堂上做过示范的老师。我终身难忘的是：1984年义乌文化局派我去请沙先生为新落成的剧院、电影院题字，到杭后听说先生得了癌症，第二天就要上北京动手术。我赶去看望，他问起时，我不慎说出了题字的事，他挣扎着从病床上起来，我和师母怎么也劝不住，先生还责备师母：“他是专为这件事来的，如果不完成，教他回去怎么交代。”我曾问过先生为什么用熟宣纸写招牌字，他说：“生宣纸容易渗化，工人刻起来不方便。”
　　诸乐三先生注重实际，他总是明确指示我们，汉印中哪几方是最好的，我们习作中哪些地方有毛病，又亲自动笔为我们设计或修改印稿。先生在讲授篆刻中很少涉及纯理论的问题，就与他的为人一样朴实无华。在我的记忆中，他经常用的就是“团得拢”和“苍苍茫茫”这样两个词，前者是指章法，要求印面上的每个字甚至每个笔画，不论距离远近，都要互相顾盼照应；后者是指刀法和笔法，要求有浑厚古拙的意趣，切忌平滑。
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前言/序言

　　国美校训箴言：行健、居敬、会通、履远。何谓居敬？“往圣采经典，先师垂教范。”一代代的先师行以垂范、言以规箴，跬成名校的学脉。这个传承不怠的学脉中，既见名师大家的文心使命、绝学精品，又涵他们的人格品类、气质神韵。美院伴山水名湖，守江南文山，一批批艺者聚合于此，成就名校事业，将个人的志节功业化在学院的大业之中，可谓不世出的缘分。此缘在湖山，在人气，在世代风华、人文跬积，让后辈总怀拳拳敬心。
　　国美建校将近九秩。回顾九十年，仿佛中华艺术教育的缩影，代代先师名家的身影叠映在历史的天际之上，伴青山肃穆、平湖风流，凝成西湖艺苑的人格范型。
　　国美先师的人格范型首在孤山远志。八十八年前，国立艺术院借西湖罗苑，于湖山清明中创建。蔡元培先生乘周末之暇，来杭举办建院仪典，发表演讲《学院为研究学术而设》。从此，一代年轻精英会聚平湖，追蹑蔡先生的艺教理想，学术研究与国民美育成艺院圭臬。林风眠先生身负重托，面对一片贫弱的环境，将美育视为一种精神信仰的运动，践行中西融合的实验与理想。孤山虽清冷，却包孕着国立艺术院的青春激情。罗苑旁莅苏白二公祠，二公祠所依傍的后山，荒天古木，空谷回声。北宋名士林和靖先生梅林归鹤，就在此处，多少年后，一代禁烟名将林则徐罢官经此，祭扫同姓先贤，出私资修葺墓陵。杭州最后一任知府林启兴学有功，逝后杭城人在此建“林社”之筑。一脉林姓的史秩在林山中隐没，当年的林风眠先生于晨昏漫步、春秋眺望中，胸襟可曾洒落名士风流的逸习？但那湖山蕴含的高情远致，一次又一次地催剥国美先贤的学术肝肠与使命担当，却是可以揣想与追怀的。
　　国美先师的人格范型的第二特性是清波悲情。去年，我们为“世纪风眠”画展绘制《湖山清明》，遥想初建艺术院的一代名师立身湖畔的景象。但这些载人史册的名师的命运，似乎都充满蹉跎，历尽坎坷。也正是这些传奇式的蹉跎，造就了先师们跌宕起伏的形象。一代名师吴大羽先生以其激情和卓识，在20世纪30年代的学生中负有盛名。在抗战的困难环境中，吴冠中先生曾代表学生们致以激情书信，诚心恳望先生回校教学。吴大羽先生既是画家，又是诗者。20世纪40年代后期，先生曾写下令人难忘的《别情》：
　　我以一日之长来到你的面前
　　敢贪着天功妄自居先
　　此来只为向大家输所敬诚
　　不许有一点错过落到你我中间
　　诗写得如一尊朴玉，刚直坚忍，掷地有声。诗中漾着一种绝然，也沁着一份无奈。从这里我们可以读到知识分子凝血沁心的坦诚。正是这样一位赤诚耿介的艺者，在后来的日子里，屡受坎坷。但也正是这份赤诚，这份坎坷，造就了上海石库门一方天井中的宠辱皆忘与韵致灿然，造就了20世纪中国绘画史上不可多得的抽象精品。曾有人以先生的遭遇自比，却全然无知于这悲情中的品节肝胆、诚心照人。
　　潘天寿先生亦是著名酌诗者。他的诗沉郁雄强，识鉴高远。他最后的五绝，写于“文革”中的1969年，时在回海宁老家被批斗返杭的途中。诗写于一张灰色的香烟纸上，据说是从地上拾来。“莫嫌笼絷狭，心如天地宽。是非在罗织，自古有沉冤。”这是一个真正的诗者的控诉，字字血、声声怨。但中国诗人又始终心胸方正，襟怀容让，将痛切转向伤逝。

《中国古代绘画史研究：从史前到清末》 导言：时空交错中的笔墨印记 中国绘画，作为中华文明的重要组成部分，承载着数千年的哲学思想、社会变迁与审美理想。它并非孤立的艺术形式，而是与文学、书法、诗词乃至哲学思潮紧密交织的复合体。本书旨在系统梳理中国绘画自史前萌芽至清末近代的演变历程，剖析不同历史阶段的核心特征、代表人物及其作品的文化意蕴，为读者构建一个宏大而精微的视觉史观。 第一部分：肇始与奠基——史前至魏晋南北朝 第一章：图腾与符号的初现（史前至先秦） 本章追溯中国绘画的源头。通过对岩画、陶器纹饰的分析，探讨早期人类如何通过图像表达对自然的敬畏与生存的渴望。彩陶上的几何纹样、动物形象，已初显艺术的萌芽。进入商周，青铜器上的饕餮纹与神人兽面纹，展现出神秘主义与等级秩序的结合。春秋战国时期，漆画的兴起标志着对色彩和线条的精细化追求。《韩非子》等文献中对“图画”的记载，揭示了绘画已逐渐介入社会叙事。 第二章：神思的流变与“气韵生动”的酝酿（汉代） 汉代绘画是叙事性与装饰性并重的时期。墓室壁画，如马王堆汉墓的帛画，以其丰富的色彩和对宇宙观的描绘，成为研究汉代信仰与生活的重要窗口。画像石的出现，则以其粗犷有力的线条，体现了汉人刚健的审美趣味。这一时期的核心议题是“意”与“形”的关系开始被重视，为后世“传神写照”理论的形成奠定基础。 第三章：士人精神的觉醒与笔墨的独立（魏晋南北朝） 魏晋南北朝是塑造中国画独立品格的关键时期。随着玄学兴起和佛教的传入，艺术家开始关注内在精神世界的表达。顾恺之的“以形写神”，标志着中国人物画理论的成熟。他的“传神论”强调捕捉人物的内在气质，而非仅仅是外在形貌的摹写。山水画的初步发展，如宗炳提出的“卧游”概念，预示着山水画将成为士大夫寄托情怀的重要载体。南北朝时期，佛教石窟造像与壁画（如云冈、敦煌）的繁盛，带来了印度艺术的元素，丰富了中国人物造型的表现力。 第二部分：高峰与转型——隋唐五代宋元 第四章：盛世气象与世俗的交融（隋唐五代） 唐代，国力强盛，文化开放包容，绘画艺术达到了一个前所未有的高峰。人物画方面，周昉的“丰腴之美”与吴道子的“吴带当风”，分别代表了宫廷与民间审美的极致。山水画在李思训父子手中发展出富丽堂皇的“青绿山水”；王维则开创了水墨山水画的先河，将禅宗思想融入笔墨之中。五代时期，荆浩、关仝等北方画家，将山水画推向了“全景式”的宏伟境界，完成了山水画独立题材的构建。 第五章：格物致知与文人画的勃兴（宋代） 宋代是中国绘画的黄金时代，其特点是“格物”精神下对自然细致入微的观察，以及士人阶层对艺术的深度介入。院体画的写实功力达到巅峰，如徽宗朝的“宣和画院”，对动植物的描绘精妙绝伦。范宽、郭熙等人的作品，体现了宋人对山水“理”与“法”的探究。更重要的是，以苏轼、米芾为代表的文人画思潮确立了以“意趣”为上，反对刻意雕琢的审美标准，将书法与绘画的笔墨语言融合推向极致。 第六章：精神的寄托与符号的重建（元代） 元代，蒙古族的统治使得汉族士人阶层地位下降，艺术表达转向“遗民情结”和精神自救。四王（黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙）继承并发展了文人画的传统，强调笔墨的“性情”表达。他们将宋代以来的“笔墨趣味”提升到理论高度，通过“点苔”、“皴法”的变化，构建了一个高度程式化、精神化的绘画语言体系。元代山水画的审美，从对自然的描绘转向对古人笔法的致敬与再创造。 第三部分：技艺的程式化与反叛——明清 第七章：画派纷呈与地域性探索（明代） 明代绘画呈现出多元化与程式化的双重倾向。以“浙派”的戴进、吴伟为代表，继承了南宋院体的雄健，注重院体笔墨的运用。但更具影响力的，是中晚期文人画的发展。以“吴门画派”的沈周、文徵明、唐寅、仇英为代表，他们将元代的笔墨技法转化为更具装饰性、更易于流传的“雅玩”风格。晚明时期，徐渭的泼墨大写意，以其强烈的个性和反传统精神，预示着清代个体表达的回归。 第八章：正统与变革的交锋（清代前期至中期） 清初，“四王”（王时敏、王鉴、王翚、王原祁）奉敕整理画学，构建了一套以摹古、集古为核心的理论体系，强化了传统文人画的学院正统地位。董其昌的“南北宗论”在这一时期被确立为正统的理论框架。然而，正统的背后也存在着强烈的反叛力量。以石涛和八大山人为代表的“新画派”，他们批判泥古不化的风气，强调“一画论”的个体创造性与“我写我心”的激情表达，为中国画的现代化转型埋下了伏笔。 第九章：中西之学的初次碰撞与终结（清末） 晚清时期，西方文化与艺术观念的传入，对中国传统绘画体系造成了巨大冲击。岭南画派（如居巢、居廉）开始尝试吸收西方光影和色彩的观念，以改良传统花鸟画。然而，在既有的文人画体系尚未完成自我消化与转化的关键时刻，清王朝覆灭，中国画的传统叙事逻辑被彻底打破，进入了近现代的探索阶段。 结语：笔墨精神的当代回响 本书力求以清晰的脉络梳理中国绘画数千年的演变，重点关注其内在的哲学基础、审美观念的迭代，以及不同历史时期对“笔墨”二字的理解差异。通过对经典作品的深入剖析，展现中国艺术在追求“气韵生动”与“笔墨趣味”过程中的不懈努力与伟大成就。

评分☆☆☆☆☆

我尝试用一种比较散文化的角度来解读这本书带给我的感受。它就像一位沉默而智慧的长者，在你需要指引时，不动声色地为你铺展开一幅幅关于“何以为美”的画卷。阅读它，与其说是学习知识，不如说是一种精神上的浸润和滋养。某些作品的意境，尤其是在处理人与自然的关系时，那种淡泊宁静的气度，极大地缓解了我日常生活中积累的焦虑感。它让我学会了放慢速度，去观察那些平时容易被忽略的日常瞬间，并将之提升到一种近乎禅意的境界。这种书籍的力量在于它的“无言的教化”，它不直接说教，而是通过视觉的范例，潜移默化地塑造读者的审美趣味和生命态度。读完合上书页，我的内心深处似乎被涤荡了一番，对世界的感知也变得更加敏锐和富有诗意。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版设计简直是一场视觉的交响乐，每一个版面都经过精心编排，实现了图像与留白之间近乎完美的平衡。它没有陷入当代设计中常见的炫技或拥挤，而是选择了一种克制而高雅的布局，让每一幅作品都有足够的“呼吸空间”去展示其内在的力量。色彩还原度极高，即便是跨越了数十年的陈旧作品，在高清印刷技术的加持下，依然能感受到原作中那些微妙的色彩层次和光泽变化。这种对细节的极致追求，让作为读者的我感到一种极大的尊重——仿佛作者和装帧师都在说：“我们希望你看到它本来的样子。”阅读体验是极其顺畅和愉悦的，那种在指尖与纸张接触时产生的微妙摩擦感，是电子屏幕永远无法替代的质感。它唤醒了我对实体书籍的怀旧情结，也证明了精良的印刷品在信息传播和审美体验上依然具有不可替代的价值。

评分☆☆☆☆☆

这本书的光影流转和笔触的细腻程度，简直让人叹为观止。初翻时，那种扑面而来的历史厚重感，仿佛能触摸到创作者指尖的温度，每一个勾勒、每一处晕染，都凝聚着那个时代的精神与技艺的精华。装帧设计本身就是一件艺术品，纸张的质感、油墨的散发出的微弱气味，都构建了一种沉浸式的阅读体验。我尤其欣赏其中收录的那些早期手稿的复刻件，那些似乎未经雕琢的线条和随性的草图，比最终定稿更能揭示艺术家思维跳跃的轨迹和创作意图的雏形。它不仅仅是一本画册，更像是一座微缩的艺术史博物馆，通过这些精选的图像，我们得以窥见一条清晰的美学传承脉络，那些看似不经意的细节里，藏着颠覆性的艺术观念。阅读过程中，我多次停下来，对着某一幅作品凝视良久，试图理解作者是如何在有限的材料中，爆发出了无限的张力与诗意。这种对视觉艺术本体的深入挖掘，远超出了普通的审美愉悦，它引导我们思考“为什么是这样画”，而不是简单地欣赏“画得多么好”。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本集子，我立刻被它那种近乎学术考据的严谨态度所折服。它不是那种浮于表面的图录集合，而是经过深思熟虑的、有明确研究指向的文献梳理。编纂者的功力可见一斑，他们似乎投入了大量心血去追溯每一件作品的原始出处、创作背景乃至流传过程中的种种曲折。我最欣赏的是那些详尽的注释和背景分析，它们犹如一个个精准的探照灯，照亮了作品背后那些晦涩难懂的历史语境。读起来，你会清晰地感受到一种学术上的诚意和对历史负责的态度。这种厚重的知识密度，使得每一次翻阅都像是一次微型的学术研讨会。它教会我们如何用批判性的眼光去审视艺术史，如何从碎片化的信息中重构出完整的知识图景。对于任何一个希望深入了解特定艺术领域发展脉络的人来说，这本书无疑是提供了一个坚实可靠的知识基石，让人受益匪浅。

评分☆☆☆☆☆

从一个纯粹的艺术史爱好者角度来看，这本书在文献的系统性和稀有性上达到了一个令人咋舌的高度。我惊喜地发现了一些以往在其他公开出版物中鲜少露面的珍贵材料，这些补充信息对于修正或完善我们对特定历史阶段艺术思潮的认知具有关键作用。它的结构组织逻辑性非常强，不像很多文献选集那样显得松散，而是像一条精心编织的叙事线，引导读者从早期的探索阶段，一步步过渡到成熟期的风格确立，直至后期的思想深化。特别是对几位核心人物在不同创作阶段的风格演变所做的对比分析，提供了极具洞察力的视角。可以说，这本书为该领域的研究者提供了一个坚实可靠的参照系，同时也为初学者打开了一扇了解深度艺术史的捷径，其学术价值和实践指导意义是毋庸置疑的。