什密特钢琴五指练习曲(作品16) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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人民音乐出版社编辑部... 编

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出版社： 人民音乐

ISBN：9787103033906

商品编码：29514049947

开本：8

出版时间：2008-01-01

基本信息

• 商品名称：什密特钢琴五指练习曲(作品16)
• 作者：(德)什密特|编者:人民音乐出版社编辑部
• 定价：15
• 出版社：人民音乐
• ISBN号：9787103033906

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2008-01-01
• 印刷时间：2017-04-01
• 版次：1
• 印次：14
• 开本：8开
• 包装：平装
• 页数：33

内容提要

《什密特钢琴五指练习曲》是一本在钢琴教学中 极为重要的手指练习教材。对于训练手指的独立性来 说，它比《哈农钢琴练指法》的难度稍大，可以配合 《哈农》使用。
     这本手指练习，分不带保持音和带保持音的五指 练习，适合于学生在初、中级阶段使用。全书包括五 指练习213条，其中有大小三和弦、属七和弦、减七 和弦的原位琶音和转位琶音同向以及反向练习等。在 五指练习中，从第34条到169条，加入了保持音的练 习（从保持一个音到保持四个音），这也是本教材的 一个重要特点。
     作者什密特对练习的要求是：每条练习至少弹10 至15次（省去*后1小节的四分音符，直到*后一次 才弹出来）；先分手练习，然后再两手合起来。弹奏 时要平稳而安静，先慢速直至手指弹得灵活有力时再 逐渐加快。另外，每条练习还要求用同样的指法进行 移调弹奏。
     《什密特钢琴五指练习曲（作品16）》的训练价 值即在于使学生的手指*独立、*有力且发音*集中 。作为与《哈农》同等重要的手指基本训练教材，《 什密特钢琴五指练习曲》对弹奏程度*深的练习曲和 各类中外乐曲，尤其是带保持音的复调钢琴作品，将 打下**扎实的技术基础。
    

目录

使手指独立不倚和动作均衡的练习
拇指从他指下移过，弹奏音阶和琶音的预备练习
附录
一、音阶练习
1.大调音阶
2.和声小调音阶
3.旋律小调音阶
二、琶音练习
1.大三和弦
2.小三和弦
3.属七和弦
4.三和弦与属七和弦的综合练习
三、半音阶练习
四、和弦进行
五、双三度音阶练习
六、双三度半音阶练习
七、双六度半音阶练习
八、双六度音阶练习

好的，为您创作一份关于其他图书的详细简介，字数大约1500字，不提及您提到的那本特定练习曲集： 《和声学与曲式分析精要：从巴洛克到浪漫主义的深度探索》 作者： 艾伦·格雷森 (Allen Grayson) 出版社： 音乐学林出版社 (Musicological Grove Press) 初版年份： 2021年 图书概述：构建音乐思维的坚实基石 《和声学与曲式分析精要》并非又一本枯燥的理论手册，而是一部旨在彻底重塑学习者对西方音乐结构理解的里程碑式著作。本书深度融合了传统的“功能和声”教学法与现代的“分析生态学”视角，致力于引导读者从“记住规则”的初级阶段，跃升至“理解逻辑与风格”的高级阶段。 本书的作者艾伦·格雷森教授，是当代著名的音乐理论家和钢琴演奏家，他深知理论学习与实际演奏、创作之间的鸿沟。因此，本书的核心目标是架设一座稳固的桥梁，确保所有理论概念都能在具体的音乐语境中得到清晰、直观的呈现。全书的论述脉络清晰，逻辑严密，旨在为音乐学院学生、专业演奏家、作曲系学者以及所有渴望深入理解古典音乐语言的爱好者，提供一套全面、实用的学习路径。 第一部分：功能和声的深度剖析 (Harmonic Foundations) 本书的第一部分专注于对西方传统调性体系（特别是大调与小调体系）的和声语言进行彻底的解构与重建。格雷森教授摒弃了许多早期教材中将和声视为孤立“块状”的讲解方式，而是强调和声进行中的“驱动力”与“解决倾向”。 章节重点细述： 1. 调性基础与音级功能再定义： 本章详细区分了主音功能（Tonic Function）、属音功能（Dominant Function）和下属音功能（Subdominant Function）的细微差别。重点引入了“调性张力梯度”的概念，用以衡量和声进行中听觉上的稳定与不稳定变化。通过大量巴赫、莫扎特和贝多芬早期作品中的精确范例，展示了三和弦与七和弦在建立调性中心时的核心作用。 2. 导音的魔力与副属和声的应用： 超越了基础的 V 级和 V7 和弦，本部分深入探讨了导音（Leading Tone）在构建听觉期待中的关键角色。随后，引入了对副属和弦（Secondary Dominants）的系统性分析。这些和弦被清晰地分类为“指向目标功能”的和弦，并结合实例讲解了它们如何用于短期调性游移和增强特定音级的重要性。例如，对 D/V（属音上的属和弦）在连接至属和弦前的预期效果进行了详尽的乐谱演示。 3. 变化和声的色彩探秘： 这是对和声深度拓展的关键部分。本章对经过和弦（Passing Chords）、波兰的半减七和弦（Neapolitan Sixth Chord, N6），以及增六和弦（Augmented Sixth Chords, 意大利式、法国式、德国式）进行了严谨的归类和功能阐释。格雷森教授尤其强调了增六和弦在连接到属和弦时所产生的强烈的“导向性”，并对比了不同增六和弦在听觉色彩上的细微差别。对于减七和弦，则从其对称性结构出发，探讨了其作为“转位和弦”在远关系转调中的高效能。 4. 调性之外的边缘探索 (Chromaticism)： 本章涉及了对借用和弦（Borrowed Chords）——特别是源自同主音大小调的和弦——的系统分析。这些和弦如何为既定调性增添一抹“异域”色彩，而又不至于破坏整体调性框架，是本章的探讨核心。 第二部分：曲式分析的逻辑构建 (Formal Structure and Design) 如果说第一部分是理解音乐的“词汇”与“语法”，那么第二部分就是学习如何“写作”与“建筑”。曲式分析不再被视为历史遗留的刻板模具，而是理解作曲家如何组织音乐材料、管理听众期待的逻辑框架。 章节重点细述： 1. 早期曲式与单元结构的提炼： 本部分从最基础的音乐单元开始：乐句（Phrase）、乐段（Period）。通过对巴洛克时期（如巴赫的赋格片段和三部创意曲）的分析，读者将学习如何识别乐句的终止感，区分终止式（Cadence）在句末的功能差异。接着，详细阐述了简单曲式（如二部曲式 A-B）的结构逻辑，强调了对比、再现与统一性的平衡。 2. 奏鸣曲式：结构的宏伟蓝图： 奏鸣曲式被视为古典时期音乐思维的巅峰体现。本书对其进行了前所未有的细致拆解： 呈示部 (Exposition)： 不仅分析了主部主题（P）和副部主题（S）的材料对比，更深入探讨了主调性（Primary Key）与副调性（Secondary Key）之间的“冲突与解决”的戏剧性设计。 发展部 (Development)： 强调其“动机性分析”的重要性，即作曲家如何通过分解、移位、和声重构材料，制造最大的结构张力。 再现部 (Recapitulation)： 分析了解决冲突的关键——副部主题如何“回归主调”，完成整个结构的统一。本书特别提供了对海顿、莫扎特和贝多芬在运用奏鸣曲式时的风格差异化处理的对比案例。 3. 复合曲式与变奏的艺术： 对回旋曲式（Rondo Form）和颂歌主题与变奏曲式（Theme and Variations）进行了详尽的讲解。在变奏部分，作者将变奏手法系统地分为“和声变奏”、“节奏变奏”、“织体变奏”和“曲调变奏”四大类，并以海顿和勃拉姆斯的变奏作品为例，展示了主题材料在不同处理下的生命力。 第三部分：风格实践与分析视角的拓展 本书的最后一部分，将前两部分的理论知识应用到更广阔的音乐史语境中，涵盖了从巴洛克晚期到浪漫主义早期的风格特征。 1. 从巴洛克到古典：结构清晰度的演进： 通过对比巴赫的对位思维与海顿的清晰分句，揭示了音乐语言从复调织体向主调织体过渡的必然性。重点分析了咏叹调（Aria）和奏鸣曲快板乐章在组织材料上的根本区别。 2. 浪漫主义的和声与情感张力： 着重讨论了舒伯特、肖邦和舒曼作品中，和声如何服务于叙事性和情感表达。分析了扩展的副属和弦、更频繁的远关系转调，以及对小调色彩的偏爱，如何共同构筑了浪漫主义音乐特有的“诗意”与“流动性”。书中收录了对大型交响曲的乐章结构分析，展示了大型曲式在浪漫主义时期如何被拉伸和个人化。 总结与特色 《和声学与曲式分析精要》的独特价值在于其互动性和实例的丰富性。全书配备了大量的乐谱摘录，并辅以详细的“分析指南步骤”。作者强调，学习理论的最终目的是为了更深刻地聆听和更具洞察力地演奏。本书不仅教你“是什么”，更教你“为什么会这样”，从而真正掌握古典音乐的思维方式。它是一份结构严谨的工具箱，亦是一份通往音乐内层逻辑的详尽地图。

评分☆☆☆☆☆

这本《什密特钢琴五指练习曲（作品16）》对我来说，简直是一场指尖上的“觉醒”。我一直觉得自己的手指僵硬得像两条木棍，尤其是在需要快速、精准地跨越音程或者做一些细微的触键变化时，总是力不从心。购买这本书时，我对它期望不高，觉得无非就是那些千篇一律的音阶和琶音组合，但我错了。作者的编排思路非常巧妙，他没有一开始就追求速度和力度，而是极其注重“清晰度”。书中很多练习曲的节奏型看似简单，但要求你用不同的触键方式去感受同一个音符群组。比如，有一组练习要求用“断奏”来演奏，但又要求音量保持在一个非常稳定的中强音，这对我来说是个挑战，因为它迫使我必须控制手指的下键深度，而不是依赖琴槌的反弹力。练习到后面，我发现自己对手指的独立控制能力有了质的飞跃，以前那些模糊不清的十六分音符组，现在听起来层次分明，就像是清晨的露珠，颗颗晶莹。最让我惊喜的是，这本书对培养手腕的放松感有奇效。很多练习都暗含了对腕部支撑力的要求，如果手腕一紧，手指立马就会“打结”。这本书不是让你“练”技巧，而是让你“理解”技巧是如何通过身体的放松来实现的，这种由内而外的改变，远比死记硬背指法要有效得多。我已经能感受到，我在演奏其他更复杂的曲目时，那种莫名的阻滞感正在逐渐消失，取而代之的是一种流畅的、自然的流动感。

评分☆☆☆☆☆

对于那些希望摆脱“机械式”演奏习惯的钢琴学习者来说，我强烈推荐这本书，因为它极大地培养了手指的“主动性”。很多时候，我们的手指只是被动地跟随乐谱，手指的动作是滞后的。这本书的一个核心理念似乎是教会你“预判”和“准备”。在许多连续的五指跑动中，它设计的指法转换点非常微妙，如果你没有提前做好手指的“抬起”和“定位”，下一个音符就会慢半拍，或者力度不对。通过反复练习这些“陷阱”般的指法组合，我的手指肌肉形成了更有效的记忆通路，手指不再需要等大脑发出明确指令才行动，它们开始学会“提前部署”。这对于处理那些快速的、需要流畅过渡的乐段至关重要。特别是对于那些在奏鸣曲快板乐章中经常卡壳的人，这本书就像是一剂“强心针”。我个人的体会是，我的手指现在对“等待”更有耐心，也更懂得如何在运动中保持平衡。它不仅仅是在训练五指的灵活度，更是在重塑我对手指运动的整体控制观念，让演奏变成一种更具预见性的、和谐的身体活动，而不是临场反应。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我当初买这本练习曲，主要是因为我的钢琴老师在课上提到它对基础乐句处理的重要性。我一直对乐句的“呼吸感”感到困惑，我的演奏听起来总是像一串被机械拉着走的音符，缺乏生命力，像是在朗读一份枯燥的说明书。这本书的魅力就在于它对“连贯性”的极致追求。它的大部分练习曲都围绕着五指范围内的和弦进行和旋律线条展开，但它要求你用一种几乎无法察觉的渐强渐弱来处理这些线条。我记得有一个练习，要求在连续的八分音符中，完成一个微小的、几乎是潜意识的重音转移。起初我根本不知道该怎么做，弹出来不是重了就是轻了，完全没有“光泽”。后来我尝试用耳朵去“听”出那个应该被强调的音符，而不是用手指去“砸”它。随着练习的深入，我开始体会到，音乐的表情并不是靠突然的力度变化来体现的，而是依靠这些细微的、绵密的音量起伏构筑起来的。这本书的结构安排也非常人性化，它不像某些教材那样一上来就给你下马威，而是循序渐进，让你在不知不觉中就适应了高标准的音乐要求。现在，当我再弹奏巴赫的一些对位练习时，那种线条之间的交织感和独立性也得到了极大的改善，感觉手指终于能“听懂”乐谱上那些看似不起眼的记号背后的真正含义了。

评分☆☆☆☆☆

这本书的出版历史悠久，我能感受到其中蕴含的德式严谨学风，它更像是一位经验丰富的大师在你耳边低语，而不是一份冷冰冰的练习清单。我个人尤其欣赏它在“节奏的细微变化”上所做的文章。我们都知道，练习节奏的稳定很重要，但这本练习曲更进一步，它探讨的是“如何让稳定的节奏听起来不无聊”。书中设计的很多小节，其实是在一个恒定的拍速下，要求你对特定的音符进行“重心的上提”或“重心的下沉”。举个例子，有一个练习是反复的两个音一组，要求你用不同的触键角度来模拟“询问”与“回答”的语气。这已经超越了单纯的技巧练习，上升到了音乐表达的范畴。它强迫我思考，同样是一个“C”音，在不同的乐句情境下，它的“质地”应该是怎样的。这极大地拓宽了我对“触键”的理解——触键不再只是按下去，而是包含了对音色、重量和释放的整个过程。通过这段时间的练习，我发现自己对音乐的“聆听”能力也提高了，我能更清晰地分辨出自己弹奏中那些微小的瑕疵，并且知道该如何用最直接的方式去修正它，而不是盲目地重复上百遍。

评分☆☆☆☆☆

我对古典音乐的学习一直抱持着一种“务实”的态度，追求的是那些能立刻见效的“硬核”训练。因此，对于这种专注于“五指”范围的练习曲，我一开始是抱持怀疑态度的，毕竟我们都需要练习更宽广的音域和更复杂的和弦。然而，事实证明，万丈高楼平地起，这个“地基”打得越扎实，上层建筑才能盖得越高。这本书最让我感到“痛并快乐着”的是它对“等值音符”的苛刻要求。在很多练习中，你需要在相同的时间长度内，打出完全相等强弱的音符，这听起来简单，但要做到音色和力度上丝毫没有偏差，简直是对手指耐力、稳定性和触键一致性的终极考验。我花了整整一个星期的时间，仅仅在练习其中一个四小节的段落上，就为了消除其中某个音符多出来的“颤动感”。这种极致的精确训练，让我的手指对琴键的反应变得异常灵敏和可靠。更重要的是，它训练了我的“专注力”。当你需要保持如此高的细节控制时，你的思维无法分心去想别的事情，这实际上也是一种高效的冥想。现在，我发现自己在演奏任何需要稳定性的段落时，比如需要保持连贯的持续音，或者在伴奏声部中保持平稳时，那种不自信的“抖动”完全消失了，取而代之的是一种钢铁般的沉稳。