歌麯分析與寫作李剛中國紡織齣版社9787518032723 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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李剛 著

圖書標籤:

• 歌麯分析
• 歌麯寫作
• 音樂理論
• 流行音樂
• 音樂創作
• 李剛
• 中國紡織齣版社
• 高等教育
• 教材
• 音樂

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齣版社： 中國紡織齣版社

ISBN：9787518032723

商品編碼：29684809218

頁數：274

圖書基本信息
書名：	歌麯分析與寫作
叢書名：
作者/主編：	李剛
齣版社：	中國紡織齣版社
ISBN號：	9787518032723
齣版年份：	2018年1月

版次：	第 1版
總頁數：	274頁
開本：	16
圖書定價：	69.5元
實際重量：	0.3kg
新舊程度：	正版全新

李剛，男，漢族，黨員，甘肅慶陽人。1999年參加工作，先後在小學、中學任教。西北師範大學音樂學院音樂學作麯理論畢業，文學碩士。現任衡陽師範學院音樂學院理論教研室主任，衡陽師範學院音樂學院教學督導。

章歌麯概述
節歌麯的定義及藝術特徵
第二節中麯發展曆程
第二章歌麯的體裁與演唱方式
節歌麯的體裁
第二節歌麯的演唱形式
第三節各聲部的音色特點及音域
第三章歌詞的特點與形式
節歌詞的藝術特點
第二節歌詞的音韻特點
第三節歌詞的結構形式
第四章歌麯主題及其發展方法
節歌麯的主題
第二節歌麯主題發展的方法
第五章歌麯的麯式結構
節緒論
第二節一部麯式
第三節單二部麯式
第四節單三部麯式
第五節多部麯式
第六節復二部麯式
第七節復三部麯式
第八節迴鏇麯式
第九節變奏麯式
第六章常見歌麯體裁的寫作
節兒童歌麯寫作
第二節進行麯歌麯寫作
第三節民歌歌麯寫作
第七章歌麯的高潮
節歌麯高潮錶現的形態
第二節高潮的數目及位置
第三節高潮的形成
第八章歌麯的從屬部分
節前奏
第二節間奏
第三節引子與後奏
第四節尾聲
第九章歌麯鋼琴伴奏的寫作
節概述
第二節歌麯鋼琴即興伴奏的基本步驟
第三節鏇律的和聲編配原則
第四節鋼琴伴奏織體的寫作
第十章多聲部歌麯的寫作
節多聲部歌麯寫作的一般特點
第二節聲部的劃分及組閤方式
第三節二聲部歌麯的寫作
參考文獻

音樂的無形之手：聲音的結構、情感的密碼與創作的邊界 一、 導論：從聽覺的迷霧到結構的清晰 人類對音樂的感知是本能的，但對音樂的理解卻是一門深奧的學問。音樂，作為時間藝術的極緻體現，其構成要素——鏇律、和聲、節奏、織體——共同編織齣人類情感光譜中最細微的紋理。本書旨在剝離那些看似玄妙的音樂現象，將其還原為可觀察、可分析、可構建的結構體係。我們不滿足於僅僅“感受”音樂，更追求“理解”音樂的運作機製，從而為嚴肅的音樂學習者、創作者和鑒賞傢提供一套嚴謹的分析框架。 本書的視角超越瞭單純的風格流派劃分，而是聚焦於音樂語言的普適性語法。我們從音高關係的物理基礎齣發，逐步深入到不同文化背景下如何對這些關係進行組織和賦予意義。重點將放在如何通過對現有作品的解構，提煉齣可遷移的創作策略，而非簡單模仿既有範本。 二、 和聲的深度解析：功能與色彩的辯證統一 和聲是西方音樂（及其受影響的全球音樂體係）的骨架。本書將對傳統調性體係進行係統性的梳理，但這並非止步於基礎的“主-屬-下屬”三和弦分析。我們深入探討和聲的功能性張力，即一個和弦如何驅動音樂嚮下一個和弦移動，以及這種“驅動力”在不同音樂時期（從巴洛剋到浪漫主義晚期）是如何被不斷拓展和挑戰的。 拓展與變化： 重點分析九和弦、十一和弦、十三和弦的引入如何豐富瞭調性色彩。著重解析減七和弦、增和弦等具有高度模糊性和轉位潛力的和聲如何作為“調性橋梁”，實現遠關係調的自然過渡。 非功能性和聲： 對於印象派、爵士樂以及部分現代主義音樂中齣現的平行和聲、和聲遊走（Harmonic Field）現象進行細緻剖析。這些和聲不再嚴格服務於功能導嚮，而是更多地服務於音色和氛圍的營造。讀者將學習如何識彆和運用這些非傳統和聲手法，拓寬作品的情感錶達範圍。 節奏與和聲的耦閤： 和聲的進行速度（Harmonic Rhythm）對音樂的呼吸和敘事節奏有著決定性影響。本書將演示如何通過改變和聲的密度和速度，來控製聽眾的期待感和緊張度，實現力度上的爆發或沉靜。 三、 鏇律的構建藝術：綫條的邏輯與記憶的錨點 鏇律是音樂中最直接與聽眾對話的元素。一個偉大的鏇律不僅僅是音符的隨機排列，而是深思熟慮的綫條設計。本書從音程關係和模態特性入手，構建鏇律創作的底層邏輯。 模態與音階的應用： 除瞭大小調之外，本書會詳細介紹教會調式（Dorian, Phrygian, Lydian等）在不同時代音樂中的實際應用，特彆是它們如何賦予鏇律獨特的情緒基調，避免瞭傳統大小調的“陳詞濫調”。 動機的提煉與發展： 鏇律創作的核心在於“動機”（Motif）的有效利用。我們將分析如何從一個簡單的音高或節奏片段齣發，通過移位、轉位、擴張、縮減等作麯技法，將一個微小元素發展成貫穿整個樂章的有機綫條。這要求創作者具備高度的結構思維，確保鏇律的連貫性與變化性並存。 鏇律與音域的心理學： 鏇律在高音區、中音區和低音區的分布，對聽覺感知有著直接影響。我們將探討如何利用音域的跨越和對比，來強調樂句的高潮點或錶達內心的獨白。 四、 節奏與織體的精密構造：時間與空間的交織 如果說和聲是骨骼，鏇律是血肉，那麼節奏和織體就是音樂的呼吸和皮膚。 節奏的復雜性： 本章超越瞭對拍號的簡單識彆。我們將探討復節奏（Polyrhythms）、復閤拍號的內在邏輯，以及如何利用節奏的錯位（Displacement）製造齣動態的、不穩定的聽覺效果。對於非傳統節拍（如5/4, 7/8）的運用，不僅關注其技術實現，更關注其在情感上帶來的“失重感”或“行進感”。 織體分析與控製： 從單音音樂（Monophony）到復雜的復調音樂（Polyphony），織體的選擇決定瞭音樂的清晰度與密度。本書將重點分析對位法（Counterpoint）在不同時期的演變，特彆是如何在高密度的織體中保持鏇律綫條的獨立性。此外，也將涵蓋如何通過改變配器或音色來模擬織體的變化，例如使用和弦分解（Arpeggiation）來創造流動感。 五、 音樂敘事：結構、形式與情感的宏大藍圖 任何成功的音樂作品都具有內在的敘事邏輯，這種邏輯通過“形式”這一載體得以體現。本書將引導讀者係統地研究幾種核心的音樂形式，理解它們是如何控製聽眾的期待並最終導嚮預期的解決或顛覆。 奏鳴麯式（Sonata Form）的現代詮釋： 不僅限於古典主義的“呈示部-展開部-再現部”，更關注其內部的衝突解決模型。我們將分析如何通過調性對比、主題的變異和發展部的結構張力來構建戲劇性。 變奏麯與迴鏇麯： 變奏麯是檢驗創作者對主題掌握深度的試金石。分析如何通過對節奏、和聲、織體甚至調性的徹底重構，使主題在保持身份認同的同時煥發新生。 文本與音樂的融閤： 對於聲樂作品或具有明確標題的器樂作品，分析音樂如何精確地描繪或象徵文本內容。這涉及音畫寫作（Word Painting）的技術，以及如何利用音樂的非綫性特點來錶達復雜或矛盾的情感狀態。 六、 創作的實踐與反思：工具箱的構建 本書的最終目的，是將理論分析轉化為創作實踐的驅動力。我們提供一係列工具和思維模式，幫助創作者跳齣舒適區。 限製中的創造力： 探討在嚴格限製下（如隻使用五聲音階、固定節奏型、或限定和聲色彩）如何激發新穎的解決方案。 聲音的“配方”： 從配器角度探討如何通過樂器組閤、力度對比和音域安排，來實現特定的“聲音質感”（Timbre）。這不僅僅是樂器學的知識，更是聲音情緒的調控。 通過對這些核心要素的係統性剖析和實踐指導，本書旨在培養讀者一種深入、批判性的音樂思維，使他們能夠像建築師審視結構圖紙一樣，去理解、解構並最終創造齣具有內在邏輯與持久生命力的音樂作品。

評分☆☆☆☆☆

說實話，一開始我對“寫作”這個詞抱有很高的期待，希望它能提供一套行之有效的“爆款歌麯公式”。然而，這本書帶給我的衝擊，卻是徹底顛覆瞭這種功利性的想法。它並沒有提供任何捷徑，反而是將“創作”這個行為，剝離成一個個精細打磨的、可供拆解的模塊。比如，關於歌詞的敘事弧光，它用瞭整整一章的篇幅來分析不同文化背景下，如何利用意象的遞進和衝突來推動情感的高潮。書中引用的案例跨度極大，從古典民謠到現代電子舞麯的歌詞結構都有涉獵，展現齣作者廣博的知識麵。它教會我的不是“怎麼寫齣熱門歌”，而是“如何真誠且有效地錶達你的音樂思想”。這種教育方式是反直覺的，它要求讀者付齣耐心和思考，去啃食那些看似枯燥的分析框架，但一旦吸收，你會發現，你寫齣的東西開始有瞭自己的“重量”和“邏輯”。這本書更像是一個耐心的導師，它不會直接喂你魚，而是用一種近乎苛刻的方式，讓你學會如何使用自己的漁網，去捕撈屬於你自己的音樂靈感。讀完之後，我發現自己對那些被過度使用的流行詞匯産生瞭本能的排斥，轉而追求更具個人色彩和結構美感的錶達。

評分☆☆☆☆☆

最讓我感到驚喜的是，這本書在探討音樂創作時，並未陷入“西方中心主義”的窠臼。在分析和聲語言和鏇律構建時，作者非常謹慎地引入瞭全球範圍內的音樂範例進行對比參照。尤其是在討論節奏復雜性時，書中對非西方傳統音樂中獨特的對位和復調處理方式進行瞭精妙的歸納和梳理，雖然篇幅不長，但點到為止，極大地拓寬瞭我的音樂視野。它提醒我，任何一種創作技巧都不是孤立的，而是特定文化土壤中開齣的花朵。這種開放和包容的態度，讓這本書的價值超越瞭單純的技法傳授，更像是一部關於“音樂思維”的哲學探討。我開始嘗試在自己的作品中，有意識地融入一些在過去認為“不可能”結閤的元素，目的不再是為瞭追求獵奇，而是為瞭探索不同音樂語言在共性基礎上的無限可能性。讀完之後，我感受到的不再是知識的堆砌，而是一種被釋放和激勵的創造力，仿佛無數扇通往新領域的大門，在不經意間為我敞開瞭。

評分☆☆☆☆☆

這本書的排版和圖錶設計，簡直是音樂理論書籍的一股清流。通常，當我們談論音樂分析時，腦海中浮現的往往是密密麻麻的五綫譜和各種符號，讓人望而生畏。但這裏的視覺呈現方式，卻極大地降低瞭理解的門檻。作者巧妙地運用瞭色彩編碼和流程圖，將復雜的和聲進行過程可視化。例如，書中對某個特定時期爵士樂中“替代和弦”的運用分析，不再是純粹的音符疊加，而是用動態的圖示展示瞭功能和聲是如何被“玩弄”和“顛覆”的。這種圖形化的解釋，對於我這種視覺型學習者來說，簡直是救星。我不再需要反復在樂譜和文字之間來迴對照，圖錶本身就構成瞭語言。這種對“可讀性”的極緻追求，讓我得以更專注於音樂本身的邏輯，而不是被復雜的記譜法所睏擾。可以說，這本書在技術層麵上達到瞭一個非常高的水準，它證明瞭嚴肅的音樂分析，也可以做得既清晰又富有美感。

評分☆☆☆☆☆

這本厚重的書擺在桌上，光是書脊的設計就透著一股子專業和嚴謹。我原本隻是想找本入門級的樂理書來打發時間，沒想到翻開扉頁纔發現，這根本不是那種隻會告訴你“Do Re Mi”在哪裏的小冊子。它更像是一份詳盡的、充滿曆史沉澱的音樂解碼手冊。作者顯然是下瞭大功夫去梳理不同音樂流派在結構、和聲乃至情緒錶達上的微妙差異。我尤其欣賞它對“動機發展”這一概念的闡述，不再是空泛的理論堆砌，而是通過大量實例——那些我們耳熟能詳的經典麯目——手把手地教你如何追蹤一個微小的鏇律片段如何在整首作品中經過變奏、重組，最終構建起宏偉的音樂殿堂。那種豁然開朗的感覺，就像是拿到瞭一把萬能鑰匙，能夠打開過去聽歌時隻覺得“好聽”卻說不齣所以然的睏惑之門。它讓我開始真正“看”到音樂的骨架，而不是僅僅沉浸在錶麵的鏇律泡沫之中。讀完第一部分，我立刻忍不住拿起吉他，嘗試去解構自己剛寫的一段和弦進行，效果立竿見影，那種從模仿到理解的質變，是任何在綫課程都難以給予的深度體驗。

評分☆☆☆☆☆

我必須承認，這本書的閱讀過程是充滿挑戰的，它絕非一本適閤在通勤路上消遣的讀物。它更像是一部工具書，需要你經常停下來，拿齣樂器或者啓動你的數字音頻工作站（DAW）進行驗證。書中後期章節對於“麯式結構”的深入剖析，尤其是對奏鳴麯式在現代流行音樂中變體的探討，簡直是深不可測。作者不僅僅停留在描述“AABA”或“主副歌”的錶層結構，而是深入挖掘瞭這些結構背後的心理學基礎——為什麼人類的聽覺偏愛這種特定的重復與對比模式？這種追本溯源的探討，極大地拓展瞭我對音樂“為什麼”有效的心智模型。我感覺自己像是站在一個音樂工程學的角度，重新審視瞭那些看似天馬行空的創作。它迫使我不斷地自我提問：“我寫的這段過渡是不是太突兀瞭？”“這裏的重復是否已經讓聽眾感到厭倦？”這種持續不斷的內省和修正，讓我的創作效率雖然暫時降低瞭，但作品的質量卻有瞭質的飛躍，從隨心所欲的塗鴉，升級成瞭有明確目標和強大支撐的建築。