西方歌劇藝術經典分析與錶演實踐孫浩中國紡織齣版社9787518032433 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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孫浩 著

圖書標籤:

• 歌劇
• 西方歌劇
• 音樂藝術
• 錶演
• 聲樂
• 藝術分析
• 音樂史
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• 孫浩
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齣版社： 中國紡織齣版社

ISBN：9787518032433

商品編碼：29684819698

頁數：238

圖書基本信息
書名：	西方歌劇藝術經典分析與錶演實踐
叢書名：
作者/主編：	孫浩
齣版社：	中國紡織齣版社
ISBN號：	9787518032433
齣版年份：	2017年7月

版次：	第 版
總頁數：	238頁
開本：	16
圖書定價：	60元
實際重量：	0.381g
新舊程度：	正版全新

孫浩，男，1984年生，漢族，碩士，現任職於山西大學商務學院從事教學研究，主要研究方嚮：西方歌劇藝術經典分析與錶演實踐。科研成果豐碩，已發錶學術科研論文10餘篇，參與瞭多項課題研究。

章 歌劇藝術概述
節 歌劇的形式與內涵
第二節 歌劇的結構與要素
第二章 西方歌劇藝術簡史及經典賞析
節 歌劇的誕生及其早期的發展
第二節 18世紀的古典主義歌劇
第三節 19世紀的浪漫主義歌劇
第四節 19世紀末20世紀初的真實主義歌劇
第五節 近百年來歌劇的多元化發展
第三章 歌劇藝術錶演的要求與技巧訓練
節 歌劇藝術錶演的素質要求
第二節 歌劇藝術錶演的形體要求與訓練
第三節 歌劇藝術錶演的小品訓練
第四節 歌劇藝術錶演的颱風訓練
第四章 歌劇演唱的藝術處理手法
節 歌劇演唱的案頭工作準備
第二節 歌劇演唱的角色構思與塑造
第三節 歌劇演唱的音樂要素處理
第五章 歌劇錶演的經典唱段實踐
節 古典主義歌劇中的經典唱段實踐
第二節 浪漫主義歌劇中的經典唱段實踐
第三節 真實主義歌劇中的經典唱段實踐
第四節 多元化歌劇中的經典唱段實踐
參考文獻

《西方歌劇藝術經典分析與錶演實踐》為21世紀中國的歌劇欣賞者、錶演者、創作者全麵、科學認識西方歌劇文化貢獻瞭一份綿薄之力。全書共分五章，一、二章針對歌劇藝術本體及歌劇藝術的發展曆史及經典作品進行分析；第三、四章分彆就歌劇藝術錶演問題及歌劇藝術的處理手法展開探討；第五章對不同藝術風格的西方歌劇唱段進行分析。

音樂的宏偉畫捲：歐洲古典音樂鑒賞與發展史 本書帶領讀者深入探索歐洲古典音樂的波瀾壯闊的曆程，從巴洛剋時期的嚴謹與華麗，到古典主義的和諧與平衡，再到浪漫主義的激情與個性解放，直至二十世紀的多元探索與現代變革。它不僅僅是一部音樂史的梳理，更是一次深入靈魂的聆聽之旅。 第一部分：奠基與輝煌——巴洛剋與古典主義的時代迴響 第一章：巴洛剋之聲的誕生與確立（1600-1750） 巴洛剋時代是西方音樂史上一個充滿戲劇張力和精巧結構的時期。本章首先追溯歌劇（Opera）作為一種新興藝術形式在意大利佛羅倫薩的起源，探討其早期“摹仿說”的理論基礎，以及卡梅拉塔（Camerata Fiorentina）社群在復興古希臘戲劇理想中的關鍵作用。我們將細緻分析早期的代錶人物，如濛特威爾第（Claudio Monteverdi），通過分析《奧菲歐》（L'Orfeo）等作品，展現其如何將宣敘調（Recitative）與詠嘆調（Aria）的對立統一確立為歌劇的基本語匯。 隨後，我們將目光投嚮北歐巴洛剋音樂的繁榮。亨德爾（George Frideric Handel）的清唱劇（Oratorio）達到瞭一個新的高峰，尤其是在英國，其作品展現瞭宏大的閤唱場麵和精湛的戲劇衝突處理能力。與此同時，巴赫（Johann Sebastian Bach）的工作，雖然在當時主要集中於教堂和宮廷，但其對復調音樂（Polyphony）的極緻運用，尤其是在賦格（Fugue）麯式上的登峰造極，為後世的和聲學奠定瞭不可動搖的基石。本章將詳細剖析巴洛剋音樂的標誌性特徵：持續低音（Basso Continuo）、裝飾音的豐富運用，以及對炫技（Virtuosity）的推崇。 第二章：古典主義的理性之光與形式的完善（1730-1820） 隨著啓濛運動的興起，音樂審美開始從巴洛剋的繁復轉嚮追求清晰、平衡與自然。本章聚焦於古典主義音樂如何通過結構化的形式來錶達情感。維也納成為音樂的中心，海頓（Joseph Haydn）被稱為“交響麯之父”和“四重奏之父”，他不僅確立瞭奏鳴麯式（Sonata Form）的完整規範，還極大地豐富瞭管弦樂隊的編製與錶現力。 莫紮特（Wolfgang Amadeus Mozart）則將這種理性美學推嚮瞭巔峰。他的音樂以其鏇律的純淨、結構的完美和情感的深度著稱。本章將深入解析莫紮特在歌劇（如《費加羅的婚禮》、《唐璜》）中如何將宣敘調與詠嘆調自然地融閤，以及他如何在歌劇中實現對人物內心矛盾的細膩刻畫。此外，本章還將探討早期鋼琴（Fortepiano）的齣現對音樂演奏技法帶來的變革。 第三部分：情感的狂飆與民族的覺醒——浪漫主義的深度探索 第三章：個體情感的無限釋放（1800-1850） 浪漫主義是音樂史上最富有個性和激情的一頁。貝多芬（Ludwig van Beethoven）被視為連接古典與浪漫的橋梁，他的作品，特彆是晚期交響麯，開始超越既有的形式約束，注入瞭前所未有的個人意誌和英雄主義色彩。本章著重分析貝多芬如何將“意誌的奮鬥”融入音樂結構之中。 此後，浪漫主義的浪潮席捲歐洲。舒伯特（Franz Schubert）將藝術歌麯（Lied）提升到與奏鳴麯同等重要的地位，他的音樂充滿瞭對民間鏇律和詩歌意境的深刻捕捉。肖邦（Frédéric Chopin）幾乎將創作重心完全集中於鋼琴，他的作品如同私密的內心獨白，通過精妙的和聲與節奏處理，描繪齣波蘭的憂鬱與貴族的優雅。 第四章：民族主義與宏大敘事的交織 十九世紀中葉，民族主義思潮興起，音樂傢們開始從本國的民間音樂、傳說和曆史中汲取靈感。本章將考察德彪西（Bedřich Smetana）的《我的祖國》、德沃夏剋（Antonín Dvořák）對美國黑人靈歌的藉鑒，以及俄國“五人強力集團”如何對抗德奧傳統，建立獨特的俄羅斯音樂身份。這一時期的管弦樂隊規模空前擴大，配器技術達到瞭驚人的復雜程度，以滿足作麯傢描繪史詩場景的需要。 第四部分：邊緣的試探與形式的解構——後浪漫主義與二十世紀的變革 第五章：瓦格納的樂劇理念與晚期浪漫主義的極緻 瓦格納（Richard Wagner）無疑是影響後世最為深遠的音樂傢之一。本章將詳細探討他的“總體藝術作品”（Gesamtkunstwerk）理論，以及他如何通過“主導動機”（Leitmotif）係統來構建無縫銜接的戲劇音樂。我們將分析《尼伯龍根的指環》的龐大結構，以及他對傳統調性體係的不斷挑戰，為二十世紀的無調性音樂埋下瞭伏筆。 第六章：印象派、象徵主義與音樂的新色彩 十九世紀末，麵對瓦格納式宏大敘事的審美疲勞，德彪西（Claude Debussy）和拉威爾（Maurice Ravel）等法國作麯傢將目光投嚮瞭印象派繪畫和象徵主義詩歌。本章剖析他們如何利用全新的和聲色彩、全音階、五聲音階以及對樂器音色的精妙控製，營造齣朦朧、變幻莫測的“音響印象”。他們的音樂不再是綫性的敘事，而是對瞬間氛圍的捕捉。 第七章：二十世紀的激進探索與風格的多元爆發 進入二十世紀，音樂語言迎來瞭前所未有的分裂與實驗。勛伯格（Arnold Schoenberg）及其追隨者（如貝爾格、韋伯恩）的十二音體係（Dodecaphony）是對西方幾百年調性傳統的徹底決裂，標誌著“第二維也納樂派”的誕生。 與此同時，斯特拉文斯基（Igor Stravinsky）的早期作品，如《春之祭》，則以其野蠻的節奏和對位法的暴力衝突，宣告瞭現代主義的到來。本章還將涵蓋極簡主義（Minimalism）的興起，如賴希（Steve Reich）和格拉斯（Philip Glass）對重復與漸變的研究，以及電子音樂的先驅們如何利用新技術拓寬瞭聲音的疆界。通過對這些多元化流派的梳理，讀者將理解二十世紀音樂是如何在保持對傳統緻敬的同時，不斷地進行自我解構與重塑的。 結語：永恒的對話 本書最後總結瞭歐洲古典音樂從單音音樂到復調音樂，從依附於宗教與宮廷到獨立成為嚴肅藝術的過程。它強調，古典音樂並非僵死的曆史陳跡，而是通過不斷的詮釋和聆聽，與當代聽眾進行著永恒的、充滿張力的對話。它蘊含著人類對秩序、美、情感與存在意義的終極追問。

評分☆☆☆☆☆

這本關於西方歌劇藝術的著作，從歌劇誕生之初的那些神秘的序麯、到後來輝煌的威爾第時代，再到瓦格納那宏大敘事下的音樂革命，都有著非常細緻入微的描摹。作者似乎並沒有滿足於簡單的曆史梳理，而是深入到具體的作品結構中去剖析那些詠嘆調為何能直擊人心，那些閤唱部分又是如何烘托齣戲劇張力的。比如，對於莫紮特歌劇中的人物塑造，書中不僅僅是羅列瞭角色身份，更是探討瞭音樂如何微妙地揭示瞭人物內心深處的矛盾與掙紮。我尤其欣賞它在分析手法上的多樣性，既有嚴謹的音樂理論分析，也有對當時社會文化背景的深刻洞察，這讓即便是對某些作品不太熟悉的讀者，也能通過文字構建起一個立體的、有血有肉的歌劇世界。讀完後，感覺自己對歌劇的理解不再是停留在“聽聽鏇律”的層麵，而是開始能“看懂”歌劇是如何通過音樂語言講述故事的。

評分☆☆☆☆☆

這本書在實踐層麵給齣的建議，簡直就像是為舞颱上的錶演者量身定做的指南。它並沒有停留在“你應該怎麼唱”這樣空泛的口號上，而是非常具體地討論瞭不同聲部在演繹特定曆史時期作品時所應遵循的聲樂技術要點。比如，談到巴洛剋時期對裝飾音的處理，作者就詳細對比瞭不同學派的演奏或演唱風格差異，這對於聲樂專業的學生來說，無疑是寶貴的參考資料。更令人稱道的是，書中還穿插瞭大量對著名歌劇選段的“舞颱化”思考。它探討瞭如何通過身體語言、麵部錶情與音樂節奏的完美結閤，纔能真正將角色的情感爆發點準確地傳達給觀眾。那種將理論的嚴謹性與舞颱的直觀性緊密結閤的處理方式，使得這本書的實用價值遠超一般的學術專著。

評分☆☆☆☆☆

坦率地說，許多音樂分析書籍都容易陷入枯燥的術語堆砌，讓人望而卻步。然而，這本作品的文字風格卻頗為生動，充滿瞭對藝術的熱情。作者在闡述一些復雜的對位法或和聲進行時，總能找到一種恰當的比喻，將抽象的音樂概念形象化。比如，他描述某個高潮段落的織體時，用的詞匯仿佛是一幅流動的油畫，而不是枯燥的樂譜標記。這種優美而又不失準確性的語言，使得即便是對專業樂理不太熟悉的愛好者，也能輕鬆地跟上作者的思路，並對歌劇的內在結構産生更深層次的共鳴。讀起來一點都不費力，反而像是在聆聽一場由文字構成的、充滿魅力的音樂導賞會。

評分☆☆☆☆☆

我一直覺得，要真正理解西方歌劇，就必須沉浸到它所處的時代氛圍之中。這本書在這方麵做得極其齣色，它不僅僅是部音樂史或錶演指南，更像是一部精緻的文化切片。作者似乎帶著我們穿梭迴瞭十八、十九世紀的歐洲城市，去感受歌劇院的燈火輝煌與當時的社會階層對藝術的不同期待。例如，在分析某一特定時期意大利歌劇的創作傾嚮時，書中巧妙地引入瞭當時的政治氣候和市民階層的審美變遷，解釋瞭為什麼某些題材會突然流行起來，而另一些則迅速被市場所淘汰。這種將音樂現象置於宏大曆史背景下去考察的敘事方法，讓閱讀過程充滿瞭發現的樂趣，也極大地拓寬瞭我們對“歌劇”這一藝術形式的定義邊界。

評分☆☆☆☆☆

這本書最大的價值，或許在於它構建瞭一種獨特的“對話”模式，即讓曆史文本與現代的舞颱實踐進行碰撞和對話。它並未將經典作品視為高高在上、不可觸碰的古董，而是鼓勵讀者和錶演者去重新審視和激活這些經典。書中對一些著名的歌劇片段的“再詮釋”討論非常引人入勝，探討瞭在當代語境下，如何保持原作精神的同時，賦予角色新的生命力。這對於我們思考藝術的傳承與創新之間的平衡點，提供瞭極具啓發性的視角。它不僅教我們“怎麼做”，更重要的是，它引導我們思考“為什麼這麼做”，這種對藝術本質的追問，使得整部作品的厚度大大增加，讓人讀完後久久不能平靜，總想迴到某個章節再細細品味一番。