西方名畫的色彩還原 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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賀天 著

圖書標籤:

• 藝術史
• 繪畫
• 色彩學
• 西方藝術
• 名畫
• 藝術鑒賞
• 繪畫技法
• 色彩還原
• 藝術作品
• 藝術參考

齣版社： 知識産權齣版社

ISBN：9787801985293

版次：1

商品編碼：10046921

包裝：精裝

齣版時間：2006-04-01

頁數：234

編輯推薦

　　這是一本對比型畫冊。
　　失去的色彩無法傳承，古典美術作品不能簡單地等同於其他文物。鑒於此，作者拋磚引玉，希望通過圖像處理技術，盡可能地發掘古典西方畫作原初的色彩、細節、層次、對比和銳度。這當然是一個有爭議的題目。往事越韆年，誰也沒見過“開元盛世”，開元盛世究竟什麼樣兒，沒有剛性的“標準”。
　　但真理應該是可以被認識的。無微不至的計算機技術，科學的曆史學方法論，畢竟使我們日益接近一個更清晰、更準確，更完整、更“標準”的開元盛世。難道不是嗎?
　　本書可供博物館、美術館、修復中心、行畫供應商、臨摹名作的學生、授課老師、畫傢和愛好者參考。

內容簡介

　　這是一本對比型畫冊。
　　存世的美術作品幾乎不可能維持最初的樣子。幾十幾百年下來，作品的外觀多少總會發生一些改變，偏色，變黃，含混，黯淡，上瞭光油的發黑，沒上光油的慘白，諸如此類；糟糕的拷貝進一步惡化人們的印象。相比較而言，如果說油畫的外觀還算穩定的話，那麼其他畫種，例如色粉筆畫或水彩畫，今天的情況已經就非常危急瞭。
　　失去的色彩無法傳承，古典美術作品不能簡單地等同於其他文物。鑒於此，作者拋磚引玉，希望通過圖像處理技術，盡可能地發掘古典西方畫作原初的色彩、細節、層次、對比和銳度。這當然是一個有爭議的題目。往事越韆年，誰也沒見過“開元盛世”，開元盛世究竟什麼樣兒，沒有剛性的“標準”。
　　但真理應該是可以被認識的。無微不至的計算機技術，科學的曆史學方法論，畢竟使我們日益接近一個更清晰、更準確，更完整、更“標準”的開元盛世。難道不是嗎?
　　本書可供博物館、美術館、修復中心、行畫供應商、臨摹名作的學生、授課老師、畫傢和愛好者參考。

作者簡介

　　賀天，生於1954年。
　　理想主義者。憂鬱、熱情、誠實、執拗。亂讀書，漫無邊際。
　　在圖像後期處理的幾個專門問題上有一日之長。

目錄

No.1 日齣印象
No.2 塞納河的阿莫特支流
No.3 浴後的狄安娜
No.4 肯特海難
No.5 彭帕杜爾夫人
No.6 帕斯卡夫人
No.7 藍色沙發中的小女孩
No.8 女傭
No.9 苦艾酒
No.10 讀書的女孩兒
No.1l 水果籃
No.12 上帝和人
No.13 泉
No.14 貝爾登先生
No.15 激流
No.16 埃剋河邊的磨坊
No.17 約珊米蒂山榖
No.18 默茲河
No.19 畫 室
No.20 凡·德·帕雷與聖母(局部）
No.21 雪中獵戶
No.22 受胎告知
No.23 教皇英諾森十世
No.24 死亡之島
No.25 畫傢和她的女兒
No.26 安娜波萊娜在倫敦塔裏
No.27 洛剋農的安格紐夫人
No.28 艾德裏安·伊塞林夫人
No.29 收割的報酬
No.30 斯洛剋莫頓·伊麗莎白肖像
No.31 近衛軍官臨刑的早晨
No.32 皮埃爾·萊剋代爾肖像
No.33 兩姐妹
No.34 西斯廷聖母
No.35 拉鼕娜·維拉達
No.36 西濛的贊美歌
No.37 聖昂熱利剋院長和修女蘇珊
No.38 拿破侖翻越阿爾卑斯山
No.39 馬拉之死
No.40 自畫像
No.41 劫奪薩賓的婦女
No.42 喂小羊
No.43 課子讀書
No.44 聖母的榮光
No.45 甜蜜的包圍
No.46 純潔
No.47 丘比特和普賽剋的遊戲
No.48 普賽剋給丘比特加冕
No.49 丘比特拋棄普賽剋
No.50 鬥雞少年(局部）
No.51 寂靜的修道院
No.52 聖芭芭拉(局部）
No.53 維納斯的誕生
No.54 自畫像
No.55 崇拜維納斯
No.56 烏爾賓諾的維納斯(局部）
No.57 人間和天上的愛(局部）
No.58 瘋狂的女賭徒
No.59 托菜多的埃利諾和她的兒子
No.60 無名女郎
No.61 包廂
No.62 有瑪爾哥哈塔的威尼斯瀉湖風光
No.63 遊艇上的午餐
No.64 大運河雪霧
No.65 浴池見證
No.66 聖·優拉莉亞
No.67 讀信的藍衣女孩兒
No.68 軍官與微笑的女郎
No.69 奧林匹婭
No.70 長鬍子的男人
No.71 老婦人
No.72 自畫像(局部）
No.73 退役戰艦鐵梅雷爾號
No.74 黑爾少爺
No.75 西頓夫人扮演悲劇女神
No.76 奧菲莉婭
No.77 青春期
No.78 老太婆
No.7g 盧維森的雪
No.80 自畫像
No.81 意外的歸來
No.82 藝術傢母親的肖像
No.83 伏爾加縴夫
No.84 自畫像
No.85 羅馬內院
No.86 德纍斯頓十字教堂
No.87 最後的莫希乾人
No.88 月亮與火光
No.89 哥本哈根的湖泊
No.90 去麥加
No.91 布裏茲小海灣
No.92 冰封之河
No.93 拾麥穗
No.94 奧斯的傍晚
No.95 諾曼底風景
No.96 瘋婦
No.97 阿爾及爾女人
No.98 自由引導人民
No.99 聖·茲特
No.100 戴珍珠的女人
No.101 格雷厄姆的孩子們
No.102 美蒂奇抵達馬賽港(局部）
No.103 井颱邊的瑞貝卡
No.104 懺悔的妓女
No.105 午餐前的祈禱
No.106 阿拉貢的凱瑟琳
No.107 年輕夫人肖像
No.108 阿爾薩斯女孩兒
No.109 大使們(局部）
No.110 丹麥女公爵剋裏斯汀娜
No.111 黃昏

前言/序言

藝術的脈絡：從古典到現代的色彩演變 本書旨在深入探討西方藝術史上，不同時期、不同流派的畫傢如何運用色彩來構建畫麵、傳達情感並體現時代精神。我們將穿越時空，細緻剖析光影、調性與顔料的化學變化如何在藝術傢的筆下轉化為永恒的視覺體驗。 第一章：色彩的黎明——古代與中世紀的神秘光輝 本章將追溯西方色彩使用的源頭，從古埃及的礦物顔料到古希臘的壁畫遺跡，探討早期文明對色彩象徵意義的理解。在中世紀，藝術的主題轉嚮宗教敘事，色彩不再是單純的模仿自然，而是成為神聖秩序的體現。我們將分析蛋彩畫（Tempera）的技法特點，以及藍銅礦（Lapis Lazuli）等稀有顔料在聖像畫中如何被賦予至高無上的地位。哥特式教堂的彩色玻璃窗，是光綫與色彩結閤的極緻體現，本章將詳細解讀其幾何構圖與色彩的象徵體係，理解在缺乏精確調色理論的時代，藝術傢如何依賴經驗與宗教教義來掌控色彩的莊嚴與肅穆。 第二章：文藝復興的覺醒——透視、光影與和諧之美 文藝復興標誌著對人性和自然觀察的迴歸。提香（Titian）和威尼斯畫派對油畫媒介的革新，使得色彩的層次感和光澤度得到瞭前所未有的提升。本書將重點剖析“色彩派”（Colorito）與“素描派”（Disegno）的爭論，分析達·芬奇的“暈塗法”（Sfumato）如何模糊輪廓，創造齣空氣感和深度。米開朗基羅在西斯廷天頂畫中對人體結構與色彩的精妙結閤，以及拉斐爾如何運用柔和的過渡色來營造理想化的和諧氛圍，都將作為核心案例進行解析。我們還會探討早期油畫顔料配方（如使用亞麻籽油）對畫麵持久性的影響。 第三章：巴洛剋與洛可可——戲劇性與感性張力 巴洛剋藝術對強烈的視覺衝擊和情感錶達有著不懈的追求。卡拉瓦喬（Caravaggio）的“明暗對比法”（Chiaroscuro）如何利用極端的亮部與暗部對比，將戲劇性的瞬間定格？倫勃朗（Rembrandt）對暖色調的偏愛，以及他如何通過疊加薄塗的釉料（Glazes）來捕捉皮膚的內在光芒，是本章的重點內容。 進入洛可可時期，色彩的基調轉嚮輕盈、歡快與感性。弗拉戈納爾（Fragonard）和華托（Watteau）的作品中充斥著柔和的粉彩、奶油色和淡金色。本章將研究這種風格轉變背後，宮廷審美趣味的變化，以及顔料製造商為滿足對這類細膩色彩的需求所做齣的調整。 第四章：新古典主義與浪漫主義的色彩宣言 新古典主義試圖迴歸古羅馬的清晰、理性與節製。大衛（David）的畫麵強調清晰的綫條和受控的色彩，避免過度的情感渲染。然而，浪漫主義運動是對這種冷靜的有力反抗。德拉剋洛瓦（Delacroix）是色彩的革命傢，他相信色彩本身就能激發強烈的情感。本書將詳細分析德拉剋洛瓦對互補色並置手法的探索，以及他如何運用鮮艷、對比強烈的色彩來錶現自由、激情和異域風情，例如在《自由引導人民》中的錶現。 第五章：印象派的瞬間捕捉與科學的光學 印象派是西方色彩史上的一座裏程碑。受光學理論（如謝弗勒爾的色彩理論）的影響，莫奈、雷諾阿等畫傢開始將調色闆從畫室搬到戶外。本章將深入解析“外光寫生”的實踐，以及他們如何拋棄傳統的黑色和棕色陰影，轉而使用光譜中的純色或互補色來描繪光綫在不同時間、不同天氣下的瞬息萬變。點彩派（如修拉）對科學色彩理論的極端應用，即通過精確計算的色彩點陣來讓觀眾的眼睛完成色彩混閤，也將被作為重要分支進行探討。 第六章：後印象派的內心風景與主觀色彩 後印象派畫傢們在繼承印象派對光色的關注後，開始迴歸對形式和個人情感的錶達。塞尚（Cézanne）如何通過色彩的冷暖變化來構建物體的體積和空間深度，預示瞭立體主義的齣現。梵高（Van Gogh）則將色彩提升到精神層麵，他使用的濃烈、近乎燃燒的黃色和藍色，是其內心掙紮與激情的直接投射，而非對客觀世界的忠實記錄。高更（Gauguin）在塔希提島探索的“象徵性色彩”——使用非自然、高度飽和的色彩來錶達原始的情感和神秘的氛圍，標誌著現代藝術色彩語言的徹底解放。 第七章：野獸派的狂飆與立體主義的解構 進入二十世紀，色彩徹底擺脫瞭模仿自然的束縛。馬蒂斯（Matisse）和野獸派畫傢們將純色大膽地並置，用色彩的平麵化和強烈的對比來錶達畫麵本身的裝飾性和歡愉感。他們對顔料的厚塗和原始的筆觸，是對傳統細膩筆觸的徹底顛覆。 與此同時，畢加索和布拉剋領導的立體主義運動，雖然初期傾嚮於使用樸素的棕、灰、赭石色，但這種“去色彩化”本身也是一種對色彩敘事權的挑戰，目的是將物體的多重視角在二維平麵上進行結構性的分析。 第八章：錶現主義與抽象的色彩疆界 德國錶現主義（如“橋社”和“藍騎士”）將色彩視為焦慮、恐懼和精神體驗的載體。恩斯特·路德維希·基希納的尖銳的、不和諧的色彩組閤，反映瞭城市生活的疏離感。瓦西裏·康定斯基（Wassily Kandinsky）則認為色彩具有“精神振動”，他試圖創造一種純粹的、音樂般的抽象語言，色彩與形狀的結閤不再指嚮任何外部現實。本章將分析抽象錶現主義如羅斯科（Rothman）如何使用大麵積、朦朧的色彩場域，來引發觀者深沉的冥想和形而上的體驗，標誌著色彩在藝術中實現瞭最終的自主性。 總結：色彩的無限可能 本書通過對跨越數個世紀的藝術實踐進行梳理，揭示瞭西方色彩語言的不斷演變——從神聖的象徵，到和諧的再現，再到主觀的情感宣泄和最終的純粹錶達。我們看到，每一次對色彩規則的打破，都伴隨著社會思潮的深刻變革，每一次對新顔料或新技法的探索，都為藝術的未來開闢瞭新的維度。理解這些色彩的“曆史”，便是理解西方藝術精神的“脈絡”。

評分☆☆☆☆☆

坦率地說，這本書的閱讀體驗更像是跟隨一位經驗豐富的老畫師進行瞭一次田野考察，而非簡單的知識灌輸。我最欣賞的是它對“環境光綫對色彩感知的影響”這一宏大主題的細緻解剖。作者沒有止步於討論畫布上的顔料本身，而是花費瞭大量的篇幅去考證17世紀荷蘭室內光照的特點，以及這種光綫如何塑造瞭倫勃朗筆下那些深邃的陰影和珍珠般的光澤。這種敘事手法極具代入感，仿佛能聞到老畫室裏鬆節油和亞麻籽油混閤的味道。尤其令人稱道的是，書中對不同時期畫派在色彩運用上的“哲學差異”進行瞭深入剖析。比如，印象派對瞬間光影的捕捉與巴洛剋時期對戲劇性光影的運用，在色彩選擇和筆觸處理上的內在邏輯衝突與繼承關係，被梳理得清晰明瞭。這使得這本書的價值遠遠超齣瞭色彩技術手冊的範疇，它實際上是一部關於藝術史、光學和材料科學交織的精彩論述，對於提升一個普通觀者的鑒賞層次，有著立竿見影的效果。

評分☆☆☆☆☆

這本書的結構安排堪稱一絕，它以一種近乎編年史的方式，將色彩的演變置於整個西方藝術史的洪流之中，令人拍案叫絕。我特彆喜歡它處理後印象派色彩革新的那一章節，作者並沒有簡單地將梵高或高更的色彩視為“個人情感的宣泄”，而是將其視為對傳統“寫實主義”色彩規範的一次激進挑戰。書中通過對比分析瞭那個時代化學工業對新閤成顔料的貢獻，比如鈷藍和鎘黃的齣現，如何為藝術傢們提供瞭前所未有的色彩飽和度和穩定性，從而解鎖瞭新的錶現手法。這種將藝術創作與工業革命成果並置的視角，非常具有啓發性，讓人看到瞭藝術進步背後更深層次的社會和技術驅動力。閱讀過程中，我時常會忍不住停下來，去查閱那些書中提到的新顔料的實物照片，這種跨學科的求證過程，極大地豐富瞭我的知識網絡，使得對藝術史的理解不再是孤立的。

評分☆☆☆☆☆

這本《西方名畫的色彩還原》無疑是一本為藝術愛好者和色彩研究者量身打造的深度探索之作。它沒有流於錶麵地羅列那些耳熟能詳的畫作名稱，而是真正鑽進瞭“色彩”這個核心命題。我特彆欣賞作者在處理早期文藝復興時期那些礦物顔料特性時的那種近乎考古學傢的嚴謹。比如，對於提香作品中那種標誌性的“提香紅”的分析，書中不僅展示瞭現代科學對該顔料化學成分的解析，更結閤瞭當時威尼斯光綫環境和畫傢個人偏好的多重維度進行論證，這使得我們不僅僅是在“看”畫，而是在“理解”色彩背後的曆史與技術語境。書中對光譜反射率的探討，雖然技術性稍強，但對於理解為什麼某些色彩在不同光綫下會呈現齣截然不同的質感，提供瞭堅實的理論基礎。讀完後，我再去博物館麵對那些大師的真跡，眼神裏多瞭一份對調色盤的敬畏和對顔料壽命的同情。它讓我意識到，我們今天在博物館看到的“標準色”，其實已經經過瞭時間的洗禮和修復師的乾預，而這本書，努力拉近瞭我們與畫傢筆觸下最初色彩的距離，那種震撼是無法用單純的視覺愉悅來概括的。

評分☆☆☆☆☆

這本書最大的亮點在於其對“色彩的翻譯與錯位”這一概念的深刻探討。作者提齣，從古代羊皮紙上的手抄本插圖，到文藝復興的濕壁畫，再到後來的布麵油畫，每一種載體和媒介本身，都對原始的色彩信息造成瞭不同程度的“失真”或“轉譯”。我對此深錶認同，尤其是在關於“聖像畫的低溫修復”那一節，書中詳細闡述瞭由於早期的蛋彩媒介的固有特性，其色彩錶現力與後來的油畫相比，天然存在著一種“亮度飽和度”的鴻溝。這種強調“媒介限製”的視角，極大地挑戰瞭我們對“完美還原”的固有想象。它教會瞭我欣賞藝術品時，更應該關注藝術傢在特定限製下所能達到的創造力的極限，而不是一味地用現代標準去苛求古老的傑作。這本書的價值，不在於給齣標準答案，而在於提齣更深刻的問題，引導讀者進行更具批判性的藝術考察。

評分☆☆☆☆☆

盡管這本書的學術深度毋庸置疑，但其行文風格卻保持瞭一種令人驚訝的剋製與優雅，避免瞭純粹的學術枯燥。最令我印象深刻的是，作者在描述中世紀聖像畫中對金色背景的使用時，所采用的近乎詩意的語言。他並沒有僅僅從顔料的耐腐蝕性來解釋金箔的持久性，而是深入挖掘瞭“金色”在宗教語境中象徵“神聖不可侵犯的光芒”的文化意義，這種對色彩象徵意義的解讀，使得原本冰冷的技術分析瞬間充滿瞭人性和靈性。全書在處理文藝復興早期，特彆是法蘭德斯畫派的細節描繪時，那種對微觀層次的關注達到瞭極緻，每一個光澤點的處理，都仿佛被拆解成瞭光綫入射角和顔料厚度的函數關係，清晰卻不失溫度。對於希望從感性欣賞跨越到理性分析的讀者來說，這本書提供瞭一條非常平穩且引人入勝的階梯。