西南大学音乐学新视野丛书：中国宫廷音乐与书写 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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李方元 著，郑茂平 编

图书标签:

• 音乐学
• 中国宫廷音乐
• 历史音乐学
• 文化研究
• 西南大学
• 音乐史
• 传统音乐
• 书写文化
• 宫廷文化
• 音乐考古学

出版社： 西南师范大学出版社

ISBN：9787562167495

版次：1

商品编码：11505487

包装：平装

丛书名： 西南大学音乐学新视野丛书

开本：16开

出版时间：2014-06-01

用纸：胶版纸

页数：154

正文语种：中文

内容简介

　　《西南大学音乐学新视野丛书：中国宫廷音乐与书写》主要收入的是“中国宫廷音乐”研究方面的专题论文，收入《中国宫廷音乐与书写》的文章，从时间讲，涉及中国宫廷音乐的三个时期：上古创始期的周代、中古再造期的汉代与南北朝，近古重建期的宋代；从研究对象讲，涉及音乐史研究和音乐文本研究。

目录

总序
前言
上篇
周代宫廷雅乐的历史渊源及成因
周代宫廷雅乐面貌及其特征
周代宫廷雅乐与郑声
北魏宫廷音乐考述

下篇
我国正史“乐志”书写的形成与其音乐实践基础
正史“乐志”与早期中国音乐知识传统的建构
——以《史记》《汉书》“乐志”为例
隋前五部正史“乐志”及其文本传统
唐宋时期的正史“乐志”及其文本传统
《初学记》乐部资料述略——以前三个子目为例
《宋史·乐志》的修纂与版本

好的，这是一份针对“西南大学音乐学新视野丛书：中国宫廷音乐与书写”之外的、内容翔实且不提及该书的图书简介。 --- 古典音乐的跨文化对话：从巴洛克到近现代的审美变迁与技法革新 书籍概述 本书是一部深植于西方古典音乐传统，同时兼具广阔跨学科视野的音乐学研究专著。它系统梳理了自17世纪巴洛克早期至20世纪末的欧洲音乐发展脉络，聚焦于音乐风格的内在逻辑、技术革新及其与时代社会、哲学思想的深刻互动。本书摒弃了单纯的“名家名作”罗列，而是着力于揭示不同音乐时期在结构组织、和声语言、配器技法以及美学追求上的本质性转变，并辅以详尽的乐谱分析和历史文献考证，为读者提供一套理解西方古典音乐复杂性的全新框架。 本书的核心论点在于，音乐史的发展并非线性的进步，而是在一系列美学范式转移和技术挑战中螺旋上升的。通过对关键转折点的深入剖析，本书旨在重建被时间线和教科书简化所掩盖的音乐创作的动态过程。 第一部分：巴洛克的建筑理性与情感张力 (1600-1750) 本部分聚焦于巴洛克时期，一个音乐从复调的精巧结构向主调体系过渡的关键阶段。我们将深入探讨这一时期音乐的两个核心特征：“情绪理论”（Doctrine of the Affections）与“通奏低音”（Basso Continuo）的运作机制。 第一章：从复调的精魂到主调的崛起 本章首先追溯了文艺复兴晚期对位法的精湛技艺，特别是帕莱斯特里那风格的延续。随后，重点分析了歌剧在佛罗伦萨的诞生及其对单音音乐（Monody）的推崇，这是主调思维的初步萌芽。我们将详细解析卡塔琳娜·克劳迪娅·德·美第奇宫廷对戏剧音乐的赞助，以及早期歌剧如蒙特威尔第《奥尔费奥》中，如何通过音乐语言来刻画人物情感的复杂性。 第二章：通奏低音的革命性角色 通奏低音被视为巴洛克音乐的“骨架”。本章不仅解释了其记谱法（数字低音），更重要的是，探讨了演奏者（尤其是大键琴家或琉特琴家）在即兴填充和声结构中的创造性自由。我们对比了科雷利和维瓦尔第在协奏曲中低音线条的织体处理方式，揭示了和声功能性在这一时期如何被确立为音乐结构的核心驱动力。 第三章：赋格的巅峰与对位艺术的终结式表达 巴赫的音乐被视为巴洛克对位艺术的集大成者。本章将超越对《平均律钢琴曲集》的肤浅赞美，专注于《赋格的艺术》的结构严谨性与哲思深度。我们使用频谱分析和结构模型，解构了卡农、镜向复调、增值/减值等复杂对位手法，并探讨了巴赫晚期作品中，对位法如何超越技法展示，成为表达超越性真理的媒介。 第二部分：古典主义的清晰、平衡与形式的典范 (1750-1820) 古典主义时期是音乐史上对“清晰”、“自然”与“比例”的审美追求达到顶峰的阶段。本部分旨在阐明奏鸣曲式（Sonata Form）如何成为这一时期最核心的叙事工具。 第四章：从洛可可的轻盈到海顿的结构智慧 本章考察了“敏感风格”（Empfindsamer Stil）在向古典风格过渡中的作用，特别是C.P.E.巴赫对情感起伏的细微捕捉。随后，本书将海顿誉为“交响曲之父”的根源归结于他对主题发展（Thematic Development）的精妙处理。通过分析海顿晚期弦乐四重奏的“预示”与“解决”手法，展示了古典主义如何将戏剧张力内化于纯器乐结构之中。 第五章：莫扎特：旋律的完美与内在的阴影 莫扎特的音乐常被误解为“毫不费力的优雅”。本章则侧重于探究其看似流畅的旋律下隐藏的复杂性。我们将细致分析莫扎特歌剧（如《唐璜》）中，音乐如何与角色的心理状态同步变化，探讨其在和声色彩使用上的大胆（例如对减七和弦的运用），以及其如何以古典框架承载比同时代人更为深邃的人性洞察。 第六章：贝多芬：结构对形式的超越 贝多芬是古典主义的终结者，也是浪漫主义的先驱。本章的核心在于分析他如何通过扩展奏鸣曲式的空间和时间维度来表达“英雄式”的意志力。我们将对比分析其早期、中期和晚期的奏鸣曲，特别是晚期作品中对变奏曲和赋格传统的重新激活，论证贝多芬如何将个人精神体验置于普世和谐之上。 第三部分：浪漫主义的无限渴望与民族色彩的兴起 (1820-1900) 浪漫主义时期，音乐的疆界被极大地拓宽，个人情感、文学想象与国家认同成为创作的核心驱动力。本部分关注音乐语言如何服务于“无限性”的追求，以及民族主义如何重塑了音乐的地理版图。 第七章：抒情独白：从舒伯特到肖邦的钢琴诗篇 本章聚焦于艺术歌曲（Lied）与钢琴独奏曲的兴盛。舒伯特如何将诗歌的意境转化为音乐的“瞬间凝固”；肖邦如何将波兰民间节奏与精致的巴黎沙龙风格相结合，创造出一种极具个人化色彩的和声语言。我们将分析李斯特的交响诗（Tone Poem）如何通过“主导动机”（Leading Motive）的技术，将叙事文学转化为纯器乐的线性展开。 第八章：德奥晚期浪漫主义的饱和与危机 随着瓦格纳对“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）的追求，音乐的传统界限被推向极限。本章深入分析了瓦格纳音乐中的“不解决的和声”（Unresolved Harmony），尤其是“特里斯坦和弦”的意义，论证其如何导向功能和声的瓦解。同时，我们也考察了勃拉姆斯如何在一个对瓦格纳式激进主义的“保守”立场下，发展出密度极高、信息量庞大的室内乐。 第九章：民族乐派的觉醒与地域色彩的建构 本部分将目光投向欧洲大陆的边缘地带。捷克作曲家斯美塔那与德沃夏克如何从本国民间音乐（如波尔卡和斯拉夫舞曲）中汲取营养，构建具有强烈地域标识的交响音乐。此外，我们还将探讨俄国“五人强力集团”如何通过对东正教圣咏和民间音调的系统性吸收，实现对德奥音乐传统的有效反拨。 第四部分：20世纪的破碎与重构：技术的挑战与审美的多元化 (1900至今) 20世纪是音乐史上最为剧烈动荡的时期，传统的调性体系遭遇崩溃，作曲家们在极端的自由与对新秩序的渴望之间挣扎。 第十章：印象主义的色彩：德彪西与感官的解放 本章将德彪西的音乐视为对德奥晚期浪漫主义“重负”的消解。我们分析了其如何利用全音阶、五声音阶以及非功能性的和声色彩，描绘光影与氛围，而非清晰的叙事。通过对“音色”的重视，德彪西实质上预示了音乐将从结构艺术转向感官体验艺术的未来走向。 第十一章：新古典主义与第二维也纳乐派的对立 20世纪上半叶的音乐思想呈现出鲜明的对立面。一方面，斯特拉文斯基通过“新古典主义”试图回归古典形式的清晰性，但用不协和音和复杂的节奏来解构它们；另一方面，勋伯格发展出的十二音技法（Serialism），是对传统调性秩序的彻底革命。本章将详细解析十二音矩阵的构建逻辑，并对比分析了韦伯恩音乐中序列技法的极致压缩与结构性。 第十二章：随机性、极简主义与声音的未来 本书的收官部分探讨了战后音乐的两个极端趋势。约翰·凯奇的“偶然性音乐”如何挑战了作曲家对作品的最终控制权，并将听众的注意力引向音乐之外的环境声音；而美国的极简主义（如赖利、菲利普·格拉斯）则通过极度克制的材料重复，探索了时间感知的非线性体验。这部分总结了20世纪音乐如何将“美”的定义从和谐与可理解性，扩展到过程、偶然与体验的广袤领域。 --- 结论：从“意义”到“可能” 本书最终导向的结论是，西方古典音乐的历史是一部不断解构与重构自身规则的编年史。每一次风格的重大突破，都伴随着对既有美学范式的反思和技术的颠覆。通过对跨越四个世纪的深刻剖析，读者将得以领悟，音乐不仅是旋律与节奏的组合，更是人类精神对时间、结构和情感表达极限的永恒探索。本书的价值在于提供了一套分析工具，使读者能够以历史的纵深感，去聆听和理解每一个音符背后的时代回响。

评分☆☆☆☆☆

老实说，我并不是音乐专业的学生，对宫廷音乐也知之甚少，抱着试试看的心态买来《西南大学音乐学新视野丛书：中国宫廷音乐与书写》，没想到这本书的叙述方式非常吸引人。它不是枯燥的理论堆砌，而是通过大量生动的史料和考证，将中国宫廷音乐的面貌展现在我面前。书中对于宫廷音乐的“书写”部分的讲解，尤其让我感到新奇。我一直以为古代的乐谱就是现在的五线谱，但书中详细介绍了中国古代独特的记谱法，以及这些记谱法如何随着时代的发展而演变，甚至还涉及到一些宫廷音乐的抄写、整理和传播过程。这些细节让我对古代音乐的记录和传承有了更直观的理解。我特别喜欢书中关于宋代宫廷音乐的章节，它描绘了当时宫廷音乐的繁荣景象，以及宫廷音乐对当时市民音乐和民间音乐的影响，让我感受到了那个时代文化的丰富多彩。这本书的语言流畅，条理清晰，即使是像我这样的门外汉，也能轻松理解其中的奥秘。

评分☆☆☆☆☆

《西南大学音乐学新视野丛书：中国宫廷音乐与书写》是一本令人耳目一新的著作。书中对中国宫廷音乐的探讨，跳出了单纯的音乐史研究范畴，将其置于社会、政治、文化等多个层面进行考察，展现了宫廷音乐作为一种特殊的文化现象的丰富内涵。我尤其欣赏书中对于“书写”这一概念的深入挖掘，它不仅仅是指音乐的记谱，更是涵盖了音乐的创作、整理、传承、传播等各个环节的文字记录和理论体系。书中对不同时期宫廷音乐记谱方法的演变，以及相关的文献资料的梳理，都体现了作者严谨的学术态度和扎实的史料功底。我从中了解到了古代音乐的传承并非易事，需要精心的记录和整理。此外，本书对于宫廷音乐在国家权力结构中的作用，以及其在意识形态宣传方面的功能，也进行了深刻的剖析，让我看到了音乐的社会功能远比我之前想象的要复杂和强大。这本书的论述逻辑严密，观点鲜明，对于我理解中国古代音乐文化具有重要的启示意义。

评分☆☆☆☆☆

初翻开《西南大学音乐学新视野丛书：中国宫廷音乐与书写》，我本来抱着一种“了解一下”的心态，没想到却一头扎进了知识的海洋。这本书最让我印象深刻的是，它不仅仅是罗列史料，而是将宫廷音乐置于更广阔的社会文化语境中进行考察。例如，书中关于明清时期宫廷音乐的论述，不仅仅停留在乐曲本身，而是深入分析了不同时期宫廷音乐的意识形态功能，是如何服务于皇权统治和巩固统治合法性的。我特别注意到书中对“礼乐”制度的分析，详细阐述了宫廷音乐在国家祭祀、朝会、庆典等重大活动中的具体作用，以及其在维护社会秩序、教化民众方面的独特价值。这种跨学科的视角，让我对宫廷音乐的理解不再局限于音乐本身，而是上升到了一个更高的哲学和政治层面。书中还提到了宫廷音乐的“书写”方式，这部分内容极具启发性，让我认识到古代音乐的传承并非仅仅依靠口耳相传，而是有着严谨的文字记录体系。即使是像我这样对古代文字不太熟悉的人，也能从书中清晰的讲解和图例中窥见一斑。这本书的逻辑清晰，层层递进，让我对中国宫廷音乐的认知不断深化，是一部非常有价值的研究成果。

评分☆☆☆☆☆

这本《西南大学音乐学新视野丛书：中国宫廷音乐与书写》简直让我大开眼界，虽然我对音乐理论并非专家，但书中对中国宫廷音乐的描绘，从其历史渊源到不同朝代的演变，再到其在政治、宗教、礼仪等方面的功能，都展现了作者扎实的功底和细致的考究。特别是书中关于宫廷音乐的“书写”部分，让我对古代音乐的记录方式有了全新的认识。以往我只知道有工尺谱，但书中深入浅出地讲解了不同时期、不同场合的音乐记谱法，甚至还穿插了对一些珍贵史料的解读，让人仿佛穿越时空，亲眼见证了那些恢弘的宫廷乐舞。我尤其喜欢其中关于唐代宫廷燕乐的章节，从乐器配置到曲目选择，都描绘得栩栩如生，让我脑海中浮现出大唐盛世下莺歌燕舞的景象。同时，书中对于宫廷音乐在民间音乐发展中的影响也进行了探讨，打破了我之前对宫廷音乐“高高在上”的刻板印象，让我看到了它与民间文化之间复杂而微妙的联系。这本书不仅是一本学术专著，更像是一部引人入胜的中国古代音乐史画卷，即使是没有深厚音乐背景的读者，也能从中获得极大的知识和审美享受。

评分☆☆☆☆☆

这是一本让我沉醉其中的书。《西南大学音乐学新视野丛书：中国宫廷音乐与书写》以其独特的视角和严谨的学术态度，为我打开了通往中国宫廷音乐世界的大门。书中最吸引我的部分，在于它对宫廷音乐“书写”的细致探讨。我一直对古代音乐的记录方式很好奇，而这本书恰恰满足了我的求知欲。书中不仅介绍了不同朝代、不同类型的记谱法，例如工尺谱、简谱的早期形态，还对一些重要的音乐文献进行了深入解读，让我看到了古人如何将瞬息万变的音乐转化为可以世代传承的文字符号。我尤其对书中分析的一些宫廷乐谱手稿的例子印象深刻，那些泛黄的纸页背后，仿佛隐藏着无数动人的旋律和历史的故事。此外，本书对不同朝代宫廷音乐在审美取向、演奏风格、乐器革新等方面进行的梳理和比较，也让我对中国音乐的发展脉络有了更清晰的认识。它让我明白，宫廷音乐并非一成不变，而是在历史的长河中不断演变和发展的。整本书阅读下来，不仅学到了丰富的知识，更感受到了一种文化传承的厚重感。