多声部视唱教程：选自名家经典作品 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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邓梅 编

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出版社： 中央音乐学院出版社

ISBN：9787810967358

版次：1

商品编码：11901748

包装：平装

开本：16开

出版时间：2015-12-01

用纸：胶版纸

页数：201

正文语种：中文

内容简介

　　《多声部视唱教程：选自名家经典作品》由北京宏伟双华印刷有限公司印刷，2015年12月第1版，2015年12月第1次印刷。主要内容包括：跳舞又歌唱、艾杰坦，拜杰坦、野玫瑰、听，听，云雀、英雄凯旋——选自清唱剧《犹大·马加比》、山在虚无缥缈间——选自清唱剧《长恨歌》等。

目录

第一部分
1．跳舞又歌唱
2．艾杰坦，拜杰坦
3．野玫瑰
4．听，听，云雀
5．英雄凯旋——选自清唱剧《犹大·马加比》
6．山在虚无缥缈间——选自清唱剧《长恨歌》
7．贝丝，你是我的女人——选自歌剧《波吉与贝丝》
8．爱之梦
9．卡农
10．波罗维茨少女合唱——选自歌剧《伊戈尔王》
11．春潮
12．波希米亚人之舞——选自歌剧《卡门》
13．魔笛序曲
14．二泉映月

第二部分
15．渴望春天
16．乘着歌声的翅膀
17．致音乐
18．歌唱春天
19．耶稣，吾民仰望之喜悦——选自清唱剧《心、口、行为、生活》
20．圣体颂
21．玫瑰三愿
22．踏雪寻梅
23．天赐神粮
24．圣者
25．阿利路亚
26．牧歌
27．教我如何不想她
28．十字架上——选自《b小调弥撒》
29．荣耀颂——选自《D大调小弥撒》
30．德意志安魂曲第四乐章
31．羔羊颂——选自《C大调加冕弥撒》
32．哈利路亚——选自清唱剧《弥赛亚》

《西方音乐史：从巴洛克到浪漫主义的辉煌乐章》 内容提要： 本书旨在为音乐爱好者、学生及专业人士提供一部系统、深入且富有洞察力的西方音乐史导论，重点聚焦于巴洛克时期（约1600-1750年）至浪漫主义时期（约1820-1910年）的音乐发展脉络。我们不以枯燥的年代罗列为目的，而是致力于解析这一时期音乐风格的演变、关键作曲家的创作思想、技术革新以及社会文化背景如何共同塑造了西方音乐的宏伟结构。全书结构清晰，分为六个主要部分，辅以大量的乐谱片段分析和时代背景考察。 第一部分：巴洛克——情感的雕塑与和声的革命 (约1600-1750) 本部分深入探讨了巴洛克音乐的诞生与成熟。我们将解析“巴洛克”这一术语的含义，并追溯其在音乐中对宏大叙事、强烈情感对比（如“激情的理论”）以及装饰手法的偏爱。 歌剧的诞生与早期发展： 以佛罗伦萨音乐学院的努力为起点，探讨复调向主调音乐过渡的关键技术——数字低音（Basso Continuo）的作用。重点分析蒙特威尔第在《奥尔费奥》中如何将戏剧性与音乐表达完美结合，奠定早期歌剧的基石。 器乐体的确立： 详细阐述协奏曲（Concerto Grosso 与 Solo Concerto）的形式发展，特别是维瓦尔第对小提琴协奏曲的贡献。对赋格（Fugue）的结构和逻辑进行深度剖析，将其视为巴洛克复调思维的巅峰体现。 巴赫与亨德尔的集大成： 专门章节聚焦于两位巨匠。对巴赫的《平均律键盘曲集》中的对位技巧及其数学美学进行细致讲解，并分析其宗教清唱剧与管风琴作品中的神学意涵。亨德尔则侧重于其在清唱剧（Oratorio）领域的世俗化与戏剧化成就，特别是《弥赛亚》的结构分析。 第二部分：古典主义——理性、平衡与形式的完善 (约1730-1820) 本部分考察了音乐如何从巴洛克的复杂装饰转向启蒙运动所倡导的清晰、平衡与普适性。这一时期的音乐追求形式上的完美与情感的节制。 风格的转型： 介绍洛可可风格（Style Galant）和早期的敏感风格（Empfindsamer Stil）如何作为过渡桥梁，为奏鸣曲式的成熟铺平道路。 奏鸣曲式（Sonata Form）的黄金时代： 对奏鸣曲式的呈示部、发展部与再现部进行结构化拆解，阐明其内在的戏剧冲突与解决机制。分析海顿在弦乐四重奏和交响曲中如何系统化地运用和发展这一形式，被誉为“交响曲之父”的地位的由来。 莫扎特的精妙： 探讨莫扎特在歌剧创作中对人物心理刻画的超越性，例如在《费加罗的婚礼》中如何利用音乐的织体变化揭示社会阶层与情感的微妙张力。同时，分析其钢琴协奏曲如何将独奏乐器与乐队的对话提升到前所未有的高度。 第三部分：贝多芬——古典的终结者与浪漫的先驱者 (过渡时期) 贝多芬被视为连接古典与浪漫两大时代的桥梁。本部分着重分析其作品中体现出的个人意志、英雄主义叙事以及对既定规范的突破。 英雄的意志与标题音乐的萌芽： 详细分析《第三号交响曲“英雄”》的结构扩展，以及它如何将传统交响曲从纯音乐的范畴扩展到叙事和哲学的层面。 晚期风格的深刻性： 考察其晚期弦乐四重奏和钢琴奏鸣曲中复杂的对位回归与主调的模糊化处理，这些特征预示了后世的调性探索。 第四部分：浪漫主义早期与中期的民族色彩 (约1820-1870) 浪漫主义音乐的核心在于个体情感的极端化表达、对非音乐事物的迷恋（文学、自然、异域文化）以及对民族身份的探寻。 艺术歌曲（Lied）的兴盛： 以舒伯特和舒曼为例，分析钢琴伴奏如何不再是简单的支持，而是与人声共同建构一个完整的“诗歌世界”，探讨“联篇歌曲”的叙事技巧。 钢琴的个人化： 肖邦的“钢琴诗人”形象。分析其圆舞曲、夜曲和叙事曲中对“鲁巴托”（Rubato）的独特运用，以及他对传统舞曲形式的内化与升华。 器乐叙事化： 柏辽兹的《幻想交响曲》作为早期标题音乐的里程碑，解析其“固定音型”（Idée Fixe）的运用及其在调性色彩上的创新。李斯特如何发展单乐章交响诗，将其视为浪漫主义对宏大叙事需求的完美回应。 第五部分：德奥浪漫主义的巨匠与调性边界的探索 本部分聚焦于晚期浪漫主义时期，音乐在情感张力、管弦乐配器规模以及调性复杂性上的巅峰状态。 瓦格纳与“总体艺术作品”： 深入剖析瓦格纳的“主导动机”（Leitmotif）系统，讨论其在《尼伯龙根的指环》中如何将音乐、戏剧和哲学融为一体。探讨他如何通过“未解决的导进”来推迟调性解决，制造无尽的渴求感。 勃拉姆斯：古典形式的浪漫主义继承者： 将勃拉姆斯置于古典主义的严谨与浪漫主义的深沉情感之间进行分析。考察其对赋格与变奏曲结构的坚守，以及其作品中蕴含的内敛的悲剧性。 第六部分：浪漫主义的多元化——民族乐派与抒情大师 考察了浪漫主义精神如何在不同国家生根发芽，形成了独特的民族音乐语言。 民族乐派的觉醒： 聚焦于俄国的“五人强力集团”（如穆索尔斯基、里姆斯基-科萨科夫）如何从民间音乐和史诗中汲取灵感，以及德沃夏克的捷克风情。 法国与意大利的抒情传统： 法国印象派（如德彪西的早期影响）与意大利歌剧（威尔第、普契尼）在保持对人性与旋律关注方面的差异与共通之处。 本书特色： 本书不仅提供了详尽的历史背景，更强调音乐作品本身的“内在逻辑”。通过对重要乐段的详细技术分析，读者可以理解巴洛克时期的对位思维、古典时期的形式构建以及浪漫主义时期调性色彩的拓展。本书致力于培养读者“聆听历史”的能力，而非仅仅记忆名字与日期。配有大量原版乐谱的局部放大图和精选的时代背景插画，旨在构建一个沉浸式的学习体验。

评分☆☆☆☆☆

这本书的实用性是我非常看重的一点。尽管选材名家经典，但它并没有因此而变得高不可攀，反而通过科学的编排和由浅入深的练习，让这些大师的作品变得触手可及。每个练习段落都经过精心设计，既能有效地训练多声部听辨和演唱能力，又能让学习者在实践中逐步掌握复杂的音乐织体。我发现在学习过程中，自己对和声的感知能力有了显著的提升，能够更敏锐地捕捉到不同声部之间的关系，以及它们共同构成的和声色彩。这对于我平时听音乐、甚至参与合唱都有了很大的帮助。以前听一些复杂的复调音乐，可能会觉得有些混乱，现在则能够更清晰地分辨出各个声部的旋律线，并且理解它们是如何相互交织、融合的。这本书就像是一把钥匙，为我打开了理解和欣赏复杂音乐的大门。而且，它不仅仅是停留在理论层面，更强调实践，通过反复的视唱练习，将理论知识内化为实际能力。这使得学习成果能够得到直接的体现，增强了学习的信心和动力。

评分☆☆☆☆☆

这本书带给我的惊喜，还在于它对于“音乐性”的强调。很多视唱教程往往过于注重技巧的训练，忽略了音乐的情感表达和艺术内涵。但《多声部视唱教程：选自名家经典作品》在这方面做得非常出色。它精选的作品，本身就蕴含着丰富的情感和深刻的意境，通过学习这些作品的多声部织体，你不仅仅是在识谱、在唱准音，更是在体会作曲家是如何用不同的声部来构建音乐的张力、色彩和情绪的。比如，在学习一段委婉动听的合唱作品时，你会注意到高声部和低声部之间的呼应、衬托，以及中声部的填充，这些元素的巧妙结合，共同营造出一种宁静、祥和的氛围。当你能够准确地唱出这些声部，并且理解它们之间的关系时，你对这首作品的情感理解也会随之加深。这种将视唱训练与音乐审美紧密结合的方式，极大地提升了学习的有效性和趣味性。我发现，在练习的过程中，我不仅视唱能力得到了提高，对音乐的敏感度也仿佛被唤醒了，能够捕捉到更多音乐细节，更能体会到不同声部交织在一起时产生的奇妙效果。这是一种非常美妙的学习体验，让枯燥的视唱练习变得富有生命力。

评分☆☆☆☆☆

刚拿到这本《多声部视唱教程：选自名家经典作品》，说实话，我之前对视唱这块的认识还停留在比较基础的层面，总觉得它枯燥乏味，跟实际的音乐欣赏、演奏离得很远。但这本书的内容，尤其是它收录的作品选材，真的让我眼前一亮。它没有像很多教程那样，上来就给你一大堆不知所云的练习曲，而是直接切入到了那些我们耳熟能详的、甚至可以说是音乐史上的瑰宝。从巴赫的赋格体，到莫扎特歌剧的咏叹调片段，再到一些交响乐中的经典乐章，这些音乐本身就充满了魅力，而通过多声部视唱的方式去解析它们，感觉就像是把音乐的骨架一点点剥离开来，让我看到了它内在的逻辑和精妙之处。而且，教程在编排上也很有匠心，不是随意堆砌，而是循序渐进，从相对简单的二声部开始，逐步过渡到三声部、四声部，甚至更复杂的织体。每一步都设计得非常巧妙，让你在攻克难关的同时，也感受到学习的乐趣和成就感。特别是对于我这样对古典音乐有着浓厚兴趣，但又想深入理解其音乐结构的人来说，这本书简直就是一本宝藏。它不仅仅是视唱的练习，更是一次深入音乐殿堂的导览，让我从一个全新的角度去聆听和体验那些伟大作品。

评分☆☆☆☆☆

读完这本书，我最大的感受是，多声部视唱并不仅仅是枯燥的技巧训练，它更是通往理解音乐深层结构、感受音乐丰富性的重要途径。《多声部视唱教程：选自名家经典作品》正是以一种充满艺术魅力的方式，引领读者进入这个美妙的音乐世界。它所选取的名家经典作品，本身就具有极高的音乐价值和艺术感染力，通过学习这些作品的多声部视唱，读者不仅能锻炼视唱能力，更能从中体会到不同声部如何在旋律、节奏、和声等方面相互配合，共同营造出宏大或细腻的音乐图景。我特别欣赏书中对作品的巧妙选择，它们涵盖了不同的风格和时期，让读者能够接触到更广泛的音乐类型。而且，教程的循序渐进性也做得非常好，从简单的二声部到复杂的四声部，每一个阶段的学习都让人感到充实而富有挑战。这本书不仅仅是一本教材，更是一次与音乐巨匠的对话，一次对音乐智慧的探索。它让我对音乐有了更深层次的理解和体验，也激发了我对音乐学习的更大热情。

评分☆☆☆☆☆

这本书的书写风格和排版设计也值得称赞。它不是一本冰冷、死板的技术手册，而更像是一位经验丰富的音乐老师，循循善诱地引导你走进多声部视唱的世界。讲解部分清晰明了，语言通俗易懂，即使是初学者也能很快掌握要领。而且，它在提供乐谱的同时，还会配以一些简洁的注解，点出乐曲的特点、需要注意的地方，以及一些相关的音乐知识。这些注解就像是路标，能够帮助你在学习过程中少走弯路，更有效地抓住重点。我尤其喜欢它对作品的背景介绍，让你了解这些经典作品的创作意图和历史地位，从而更深刻地理解作品的内涵。此外，这本书的排版也十分精美，乐谱清晰易读，不会出现拥挤、模糊的情况，这对于视唱练习来说至关重要。总的来说，这本书在细节之处都体现了专业性和人性化，让学习过程变得更加顺畅和愉悦。我身边的一些音乐爱好者，在看了这本书后，也纷纷表示非常喜欢，认为它是一本非常值得珍藏的音乐学习资料。