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冯兰芳 著

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出版社： 首都师范大学出版社

ISBN：9787565632594

版次：1

商品编码：12279283

包装：平装

开本：16开

出版时间：2018-01-01

用纸：胶版纸

页数：420

字数：400

正文语种：中文

编辑推荐

此书是冯兰芳教授从事高校普通音乐教育三十余年的成就见证和心血结晶，也是普通高校音乐教育的一个缩影。愿此书能够引导大学生在学习、欣赏的过程中愉悦精神、启迪智慧、陶冶情操、升华人格，成为普通高校音乐教育工作者和爱好者的良师益友。

内容简介

本书是普通高校音乐教育创始人冯兰芳副教授对学科宗旨、目标、课程设置、艺术实践、教师培养及音乐学副修专业办学模式等理论与实践研究论文集。本书阐述了普通高校音乐教育的任务，收录了音乐学副修专业毕业学生的成长过程和取得的成果。

作者简介

冯兰芳，1951年11月生，首都师范大学音乐学院副教授，音乐教育方向硕士生导师，中国矿业大学艺术与设计学院、海南琼州学院讲座教授，白城师范学院特聘教授，吉林大学公共艺术与研究中心客座教授。创建我国“普通高校音乐教育”学科，创建音乐学副修专业，为我国培养了大量音乐与科技、音乐与人文等交叉学科高层次研究人才。主要社会兼职有中国高等教育学会音乐教育专业委员会学术委员会副主任、《高校音教》主编。受聘于“中华人民共和国教育史研究”总课题组和教育部工作组，参加全国教育科学“九五”规划哲学社会科学重大课题“中华人民共和国五十年系列丛书”编纂工作，任《学校艺术·教育卷》撰稿人。被教育部聘为“全国大学生艺术歌曲演唱比赛综合素质测试”课题组专家、“首都大学生理想之歌”歌咏比赛评委。主持我国哲学教育科学规划“十一?五”重点课题“普通高等学校音乐副修专业培养艺术与科学相结合综合性人才的实践与研究”。2000年被教育部评选为“全国学校艺术教育先进个人”，2017年被中国人文社会科学评价中心认定为中国哲学社会科学zui有影响力的学者。

图书简介：交响与诗篇——二十世纪西方音乐的变革与发展 主题聚焦： 本书深入剖析了二十世纪西方音乐领域所经历的深刻变革、流派林立的艺术实践以及技术革新对音乐美学观念产生的颠覆性影响。它不涉及高等院校针对音乐教育专业学生的系统性乐理、视唱练耳或基础声乐器乐教学方法，而是着重于对宏观音乐史发展脉络、作曲技法前沿探索以及关键音乐家思想哲学的梳理与阐释。 --- 第一部分：时代的和声——世纪初的断裂与重塑 二十世纪初，欧洲社会在工业化与现代性思潮的双重冲击下，传统音乐语言的根基开始动摇。本书首先回顾了浪漫主义晚期瓦格纳和马勒留下的庞大遗产，并将其视为新探索的起点。 第一章：从调性到无调性——“第二维也纳乐派”的革命 本章详细考察了阿诺德·勋伯格如何系统性地瓦解了自巴赫以来统治西方音乐近三百年的大小调体系。我们不再关注如何教授学生在C大调上准确地演唱音阶，而是探讨为何需要抛弃调性。 自由无调性阶段的挣扎： 分析了勋伯格早期作品中情感的极度扩张与精神焦虑的体现，例如《月之魅影》。 十二音体系的建立与逻辑： 深入解析了“十二音序列法”（Dodecaphony）的构建原理，包括音列的横向排列、基本形式、逆行、倒影及逆行倒影的转换矩阵。讨论了这种高度结构化的理性控制如何试图替代传统功能和声的自然导向。 继承者的探索： 伯格与韦伯恩在继承此方法论基础上的个性化发展。韦伯恩对音色、节拍的碎片化处理，预示着未来“序列主义”的极端方向。 第二章：野蛮的回归——原始主义与节奏的解放 与德奥地区的理性结构主义相对，另一股强大的力量在法国和俄国涌现，他们将目光投向了非西方文化、民间音乐的粗粝力量，试图以原始的生命力冲破精致的学院派束缚。 斯特拉文斯基与《春之祭》的冲击： 详细剖析了这部作品如何通过对位法的粗暴并置、不协和音的直接堆叠以及对复杂、非对称节奏（如2+3+2+3+2+2+3）的运用，彻底震碎了巴黎音乐沙龙的听觉习惯。 巴托克的民族主义融合： 重点研究巴托克·贝拉如何深入东欧腹地采集民间音乐的“语汇”，并将其内化为一种高度个人化的、兼具原始驱动力与精巧和声设计的现代语言，例如他对“阶梯式音阶”和“非对称节奏模进”的运用。 --- 第二部分：技法的拓宽——二战前后的实验浪潮 二战的爆发改变了欧洲的文化地图，作曲家们开始寻求更彻底的控制或更彻底的自由。 第三章：新古典主义的回归与反思 并非所有人都走向了极端。一些作曲家（如拉威尔、普罗科菲耶夫，以及早期的斯特拉文斯基）选择了在继承古典形式（奏鸣曲式、赋格、协奏曲）的框架内，注入现代的和声色彩和节奏活力，形成一种“新古典主义”。 清晰的线条与精简的配器： 分析了如何通过减弱厚重的管弦乐织体，恢复对位法的清晰度，使音乐更具逻辑性和客观性。 第四章：美国的崛起与爵士乐的对话 本章将视野扩展至大西洋彼岸，考察美国作曲家如何将本土的非洲裔音乐元素融入严肃音乐创作。 格什温与爵士的融合： 探讨《蓝色狂想曲》中蓝调音阶、切分节奏和“蓝潮”（Blue Note）如何被纳入管弦乐的框架中。 科普兰的“开放空间”美学： 分析科普兰如何通过对大三和弦的反复使用和清晰、歌唱性的旋律线，创造出代表美国精神的宏大叙事音乐。 --- 第三部分：声音的边界——战后电子与机遇的探索 二战后，录音技术、电子学和控制论思想极大地拓展了“音乐”的定义。 第五章：全面序列主义与技术至上 在达姆施塔特夏令营的推动下，作曲家试图将“序列化”的控制推向极致，不仅控制音高，还控制时长、力度、音色等一切参数。 巴布里安的“物化”倾向： 分析布列兹（Pierre Boulez）如何构建极其复杂的节奏结构，并探讨这种对作曲家意志的绝对执行是否导致了音乐的僵硬化。 第六章：电子音乐与偶发艺术的颠覆 本部分是对传统音乐家身份的根本挑战。 电子合成与磁带音乐： 介绍科隆工作室的“纯电子音乐”（Elektronische Musik）与美国哥伦比亚-普林斯顿工作室的区别，以及电子滤波器、振荡器如何成为新的“乐器”。重点讨论合成器技术的进步如何使得声音素材的获取不再依赖于传统乐器演奏。 约翰·凯奇与不确定性： 深入探讨凯奇的哲学基础——禅宗思想与对噪音的接纳。详细分析《4分33秒》的结构（或反结构），以及如何通过“机遇操作”（Chance Operations），如使用《易经》，将演奏者的主观能动性降到最低，将听众对环境的感知提升到核心地位。这不是关于如何写出一段旋律，而是关于如何设置一个事件框架。 --- 结论：从结构到生态——二十世纪音乐的遗产 本书最后总结，二十世纪的音乐发展是一部不断“去中心化”的历史：从调性的中心，到作曲家意志的中心，最终走向了声音事件本身的中心。本书提供的分析框架，旨在帮助读者理解这些复杂作品背后的时代焦虑、哲学思辨与技术革新，而非提供一套教学或演奏指南。它是一部关于思想和风格的史诗，而不是关于技法和实践的教科书。

评分☆☆☆☆☆

这本书的哲学思辨深度，是它与其他同类书籍拉开差距的关键所在。它不仅仅是在传授“术”，更是在探讨“道”。在探讨技术层面之外，作者花了不少篇幅去追问音乐教育的终极价值：我们到底为什么要对孩子进行音乐教育？是为了培养未来的演奏家，还是为了塑造完整的人格？书中对于“美育”在现代社会中的尴尬地位进行了深刻的反思，并勇敢地挑战了一些主流功利化教育的倾向。它引导读者跳出眼前的分数和考级压力，去思考音乐在情感连接、文化认同乃至个体生命体验中所扮演的不可替代的角色。这种对教育本质的拷问，读起来让人既感到震撼，又有些许沉重，因为它要求我们不断校准自己的教育航向，确保我们没有在追逐表象的繁华中，迷失了音乐教育的灵魂所在。这种能够激发深刻反思的著作，才是真正值得反复品读的经典。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格真是太“接地气”了，它完全没有那种高高在上的理论说教腔调。我之前读过几本音乐教育类的著作，要么是术语堆砌，读起来像在啃一本晦涩的哲学著作，要么就是过于口语化，显得不够严肃。但这本书的作者似乎找到了一个绝妙的平衡点。他们用一种娓娓道来的叙事方式，将那些复杂的教育理念和实践方法，拆解得如同烹饪一道精致的菜肴，步骤清晰，环环相扣。比如，在阐述某个和声教学法时，作者会先用一个非常生活化的例子来引发读者的共鸣，然后再逐步引向理论核心，最后落脚到实际课堂操作的技巧上。这种“抑扬顿挫”的表达，使得即便是像我这样，理论基础并非最扎实的人，也能轻松跟上作者的思路，并且在理解的同时，脑海中已经开始模拟实际教学场景了。我甚至觉得，这本书与其说是一本教科书，不如说是一位经验丰富的前辈，在深夜里，泡着茶，耐心地和你分享他几十年的教学心得，那种亲切感是其他冷冰冰的文字所无法比拟的。

评分☆☆☆☆☆

我特别欣赏这本书在方法论上的创新和实用性。很多教育理论读起来都很美好，但一到实际操作层面就立刻露馅，因为它们往往忽视了现实教学中的种种限制，比如班级规模、学生个体差异、可用的资源等等。这本书在这方面做得非常出色，它不只是停留在“应该如何”的层面，而是深入到了“如何在有限条件下实现最优效果”的层面。书中提供的那些案例分析，案例的选取极其贴近我们日常的工作场景，比如如何在一个只有简单钢琴和两把小提琴的教室里开展合奏训练，或者如何平衡专业特长生与普通爱好者的教学进度。作者在提出解决方案时，总会提供不止一种备选路径，并且清晰地标注出每种路径的优缺点和适用人群。这种“工具箱”式的结构，让这本书的实用价值大大提升，我感觉自己不再是孤军奋战，而是有了一个强大的、可随时查阅的智囊团在背后支持着我的教学实践。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，封面那淡雅的米色调，配上烫金的字体，散发着一种沉静而专业的学术气息。我当初在书店看到它时，就是被这种低调的质感所吸引。它拿到手里颇有分量，纸张的质地也相当考究，触感细腻，油墨印刷清晰锐利，即便是长时间阅读，眼睛也不会感到疲劳。内页的排版也看得出设计者的用心，章节之间的留白处理得恰到好处，既保证了阅读的舒适度，又使得整体版式显得疏朗有致。特别是书中偶尔穿插的一些历史图片和乐理图示，那些黑白照片的颗粒感和线条图的精准度，都体现了出版方对学术严谨性的坚持。这本书的物理形态本身，就已经是一件值得收藏的艺术品，它不像一些当代快餐式的教材那样追求花哨的色彩和廉价的纸张，而是散发出一种历久弥新的古典美学，让人在翻阅的过程中，不自觉地就进入了一种对知识的尊重与敬畏之中。光是捧着它，就能感受到一种被精心对待的阅读体验，这在现今这个浮躁的时代，是难能可贵的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的知识广度令人叹服，它简直就像一个微缩的音乐教育史博物馆。我原本以为它会主要聚焦于近现代的教学法改革，但深入阅读后发现，作者对从古代的七艺到中世纪的博雅教育，再到文艺复兴时期的乐师培养模式，都有着相当详尽且批判性的梳理。尤其让我印象深刻的是，书中对不同历史时期社会结构如何影响音乐教育目标的分析，论证得非常透彻。它没有割裂地看待“学什么”和“为什么学”，而是将其置于宏大的历史和社会文化背景之下进行考察。这种全景式的视野，极大地拓宽了我对“音乐教育”这个概念的理解边界。很多时候，我们习惯于在现有的框架内修修补补，而这本书却提供了一把钥匙，让我们得以审视那些被时间掩盖的、却依然可能蕴含真知灼见的古老智慧。这不仅仅是一本关于如何教音乐的书，更是一本关于人类审美和知识传承的史诗。