钢琴实用教程谢耿西南师范大学出版社9787562158370 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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谢耿，金声，孙维权，黄瑂莹，周荫昌 编

图书标签:

• 钢琴
• 教程
• 实用
• 音乐
• 高等教育
• 谢耿
• 西南师范大学出版社
• 9787562158370
• 教材
• 乐器

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 西南师范大学出版社

ISBN：9787562158370

商品编码：29684806406

页数：276

图书基本信息
书名：	钢琴实用教程（）（修订版）
丛书名：
作者/主编：	谢耿，金声，孙维权，黄瑂莹，周荫昌
出版社：	西南师范大学出版社
ISBN号：	9787562158370
出版年份：	2013年7月

版次：	第 1版
总页数：	276页
开本：	16
图书定价：	58元
实际重量：	0.699kg
新旧程度：	正版全新

教学导读
练习曲
1．练习曲0D．10 No．5
2．练习曲0p．10 No．12
3．侏儒舞 （音乐会练习曲No．2）
4．英雄 （音乐会练习曲十二首之No．7）
5．音画练习曲Op．33 No．3
6．练习曲No．7
7．练习曲0D．8 No．12
复调乐曲
1．前奏曲与赋格No．16
2．前奏曲与赋格No．17
3．前奏曲与赋格Op．87 No．2
4．G角调“民间玩具” （《他山集》No．4）
大型乐曲
1．奏鸣曲K．576
2．奏鸣曲乐章Op．31 No．2
3．F大调第三奏鸣曲Op．46 No．3
4．A大调奏鸣曲乐章Op．120
中小型乐曲
1．新疆随想曲
2．皮黄
3．降b小调第二谐谑曲Op．31
4．第十匈牙利狂想曲
5．g小调前奏曲Op．23 No．5
6．水的嬉戏
7．前奏曲三首
协奏曲
黄河愤 （钢琴协奏曲《黄河》第三部分）

　《钢琴实用教程（修订版）/21世纪全国高师音乐系列教材》包括声乐、钢琴、理论三大板块，由全国30多所音乐院校的专家教授组成编委会，共同承担编写工作，教育部艺术教育委员会副主任周荫昌教授担任教材编委会主任，音乐教育家周广仁教授、温可铮教授担任教材主审。《钢琴实用教程（修订版）/21世纪全国高师音乐系列教材》为全国各音乐院校广泛使用，并以其全面性得到了全国师生的广泛认可和高度评价，其中部分教材还荣获教育部教材奖。

弦音的奥秘：一部探索音乐结构与演奏哲学的著作 书名：《和声的织体：从巴赫到德彪西的音乐语言演变》 作者：[此处可填一个虚构的资深音乐学家或作曲家的名字] 出版社：[此处可填一个权威的音乐或学术出版社名称] ISBN：[此处可填一个虚构的、与原书ISBN无关的数字] --- 内容提要：超越技巧的深度凝视 本书并非针对某一特定乐器演奏技巧的普及性指导手册，而是一部深入剖析西方音乐自巴洛克时期至印象主义时期核心美学思想、结构逻辑及其在不同历史阶段的语汇演变的学术专著。它旨在引导读者，无论是专业的音乐理论研究者、作曲系学生，还是对古典音乐有深入探究热情的听众，跨越纯粹的指法训练和曲目背诵，进入音乐本体论的宏大叙事之中。 全书共分为五大部分，二十章内容，结构严谨，论证细密。 --- 第一部分：古典语法的奠基——巴洛克与古典主义的结构理性 (约 350 字) 本部分聚焦于音乐作为一种“建筑艺术”的黄金时代。我们着重分析了巴赫对位法的精妙之处——并非简单地描述对位规则，而是深入探讨赋格曲中主题的“精神性”和声部的“逻辑性”如何共同构建起一个完整、自洽的宇宙。书中详细考察了《平均律键盘曲集》中的各调式特性，以及它们如何影响早期和声的色彩基调。 随后，我们将焦点转向海顿和莫扎特确立的奏鸣曲式的内在张力。我们探讨了呈示部、发展部与再现部之间的戏剧性冲突与解决机制，解析了主题动机（Motive）如何被分解、重组，最终服务于整体的“统一性”原则。与侧重指法训练的教程不同，本书强调的是“结构感”的培养——理解奏鸣曲式如何要求演奏者在宏观把握曲式结构的前提下，对乐句的起承转合进行精准的呼吸控制。我们引入了“几何学”的视角来分析古典乐句的平衡性。 --- 第二部分：浪漫主义的激情与和声的扩张 (约 400 字) 进入十九世纪，音乐的主体性从客观的“结构”转向主观的“情感”。本书详细梳理了李斯特、肖邦、瓦格纳对传统和声的革新。我们不再仅仅满足于辨认功能和弦，而是深入研究半音化如何成为表达强烈情感的催化剂。 书中对李斯特的“交响诗”进行了专门的章节分析，探讨了“主导动机”（Leading Motifs）在器乐叙事中的运用，以及它们如何打破传统曲式束缚，创造出流动的、文学性的音乐体验。对于肖邦的夜曲和叙事曲，本书强调了“鲁巴托”（Rubato）在不同文化语境下的细微差别——它不是随意的速度波动，而是对内在旋律线与伴奏织体之间时间关系的主动协商。 尤为深入的是对瓦格纳“和弦的永恒悬置”的探讨。我们分析了《特里斯坦与伊索尔德》中的那个著名和弦，并将其置于整个西方音乐史的语境中——它是对传统终止式的一次“决裂宣言”，预示着调性的终极危机。本书旨在帮助读者理解，这些和声的扩张，是如何迫使演奏者发展出更具延展性、更富于色彩变化的触键技术，以承载日益复杂的情感负荷。 --- 第三部分：民族乐派的根源与色彩 (约 300 字) 本部分将目光投向了对“地方性”和“民间性”的追寻。我们考察了德沃夏克、穆索尔斯基和格里格等作曲家如何从本土民间音乐（如斯拉夫舞曲、俄罗斯民歌或挪威民间调式）中汲取灵感，从而丰富了欧洲音乐的色彩库。 本书分析了这些民族音乐的特定调式（如弗里吉亚、利迪亚调式）如何被融入宏大的交响曲或室内乐中，以及它们为音乐带来的异域风情和原始张力。我们探讨了“民间节奏”的特点——它往往比古典的方正节奏更具灵活性和不可预测性，这对演奏者在处理此类作品时，如何平衡学术严谨性与民间气息的自由奔放提出了深刻的问题。本书鼓励演奏者在学习这些作品时，去了解其文化土壤，而非仅仅视之为异国情调的装饰。 --- 第四部分：印象主义的消解与声音的重构 (约 300 字) 进入二十世纪初，德彪西和拉威尔的音乐标志着对既有“结构理性”的一次优雅的“撤退”。本书详细解读了印象主义音乐的核心美学：“暗示而非断言”。 我们分析了德彪西如何利用全音阶、五声音阶以及非功能性的和声平行移动来营造一种模糊、光影交错的听觉效果。本书探讨了这些新的音阶体系如何直接影响了键盘乐器的触键质量——不再追求清晰的轮廓，而是追求声音在琴弦上的“弥散”与“消融”。 与专注于清晰度训练的传统教程相反，本书引导读者思考如何通过细微的踏板运用和重量分配，在不失透明度的前提下，让声音“悬浮”起来，捕捉转瞬即逝的光影。我们对比了印象主义与前一时代的浪漫主义在处理“延音”和“力度对比”上的根本区别。 --- 第五部分：理论的交汇与演奏的未来视野 (约 150 字) 最后一部分是对前述所有音乐语言进行整合与反思。本书总结了从对位、奏鸣曲式、调性扩张到音色探索的演变轨迹，旨在提供一个宏观的“乐理地图”。本书认为，任何高水平的演奏，都是对作曲家所处时代美学语境的深刻理解和忠实再现。掌握乐理和结构，是实现演奏自由的唯一途径。它是一本为求知者准备的地图，而非仅仅是驾驶的说明书。 本书特色： 结合了音乐史学、和声学分析与演奏实践的跨学科视角，强调“为什么这样写”，而非仅是“如何去弹”。附有大量乐谱片段的深度分析图表。

评分☆☆☆☆☆

作为一个已经学习了几年钢琴但总感觉技术瓶颈难以突破的进阶学习者，我抱着试一试的心态买了这本书，结果简直是“柳暗花明又一村”。这本书的价值远超于基础入门，它的中后期内容对于提升演奏表现力有着奇效。我尤其对其中关于踏板使用的专题讨论印象深刻。过去我只是模糊地知道“该踩下去”，但这本书用非常清晰的图示和文字描述了解释了不同和声进行中踏板的“换踏”时机与深度控制，甚至区分了“全踏”、“半踏”与“点踏”在营造不同音色上的细微差别。这让我意识到，我之前的演奏是多么“粗糙”。此外，它对指尖触键力量的控制、以及如何利用重量而非蛮力去驱动琴键的讲解，简直是一语道破天机。我的音色一下子变得更饱满、更有歌唱性了，这在以往的练习中是难以达到的效果。这本书无疑是那种值得反复研读，每次都能发现新东西的深度学习资料。

评分☆☆☆☆☆

这本乐谱集简直是为我这种半路出家的业余钢琴爱好者量身定做的！我之前尝试过好几本教材，要么是太偏理论，看得我昏昏欲睡，要么就是练习曲太枯燥，完全提不起兴趣。但这本书不一样，它真的把“实用”二字贯彻到底了。从最基础的手型纠正开始，每一个步骤都讲解得极其细致，配图清晰到位，让我感觉就像有个经验丰富的老师在旁边手把手地指导。尤其是对一些常见错误手型的分析，简直是“精准打击”，我一下子就明白自己哪里做得不对了。而且，它不像其他教材那样，上来就要求你弹复杂的和弦或音阶，而是循序渐进，每引入一个新知识点，都会马上结合一首简短的小曲子来巩固，学完马上就能“秀”一下，这种即时反馈的成就感，对我这种需要正向激励的人来说，太重要了。我感觉我不是在“学习”钢琴，而是在“玩”钢琴，不知不觉中，我的乐感和技巧都在稳步提升。特别推荐给所有想快速上手，但又不想牺牲基础扎实度的朋友们，这本书绝对是性价比之王。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和纸张质量也值得称赞，这对于长期对着谱子练习的钢琴学习者来说非常重要。内页的纸张不是那种反光的亮面纸，而是偏哑光的米白色，长时间盯着看眼睛也不会觉得特别累，这在灯光不那么充足的练习环境下尤其友好。而且，印刷的清晰度非常高，五线谱的线条和音符都十分锐利，不存在模糊不清的重影现象，这对于快速识谱至关重要，省去了我反复核对音高的烦恼。排版上也看得出是用心了，音符的间距把握得恰到好处，密集的十六分音符组合也不会显得过于拥挤而造成阅读困难。作为一本“工具书”，它在物理层面的体验感做得非常出色，让人愿意捧在手里，而不是仅仅把它当成一个需要被“攻克”的电子文档。这种对细节的关注，体现了出版社对学习者的尊重。

评分☆☆☆☆☆

我必须得说，这本书的编排逻辑简直是教科书级别的精妙。我注意到它在章节布局上做了大量的匠心，绝不是简单地将练习曲堆砌在一起。它似乎是基于一个长期的教学实践总结出来的最佳学习路径。前三分之一的篇幅专注于建立坚实的阅读基础和基本功，但它巧妙地融入了听觉训练的小练习，这在很多纯技巧书里是看不到的。然后，在中部开始，它逐渐引入复调概念和不同风格的音乐片段，从巴洛克到浪漫主义的过渡处理得非常自然流畅，不会让初学者感到突兀或难度陡增。最让我欣赏的是，它在讲解技术难点时，总能提供至少两种以上的练习方法，这体现了编者对学习者个体差异的充分理解。比如面对一个快速琶音，它不仅教了手指独立性的练习，还提供了一种“节奏变化法”来增强均匀性，非常具有启发性。我已经把这本书当成我未来两年的主要参考书了，它提供了一个清晰的“地图”，让我知道下一步该往哪里走，完全避免了盲目练习的弯路。

评分☆☆☆☆☆

最让我感到惊喜的是，这本书似乎在某种程度上融入了东方音乐思维的特点，这使得它在处理某些旋律线条时，比我之前接触的纯西方教材更加“有味道”。我发现它在讲解连奏（Legato）时，不仅仅停留在手指的物理连接上，还强调了“气息的连贯性”，这是一种非常贴近声乐或传统乐器思维的表达方式。书中对于力度记号（Dynamics）的解读也显得更为 nuanced，它不只是简单地标记“f”或“p”，而是通过配图说明了力量是如何在指尖与琴键之间传递和释放的，仿佛在教你如何“塑造”声音的立体感。这种由内而外的音乐表达训练，极大地丰富了我的演奏层次。它不再只是机械地敲击琴键，而是开始尝试用钢琴“说话”。对于追求更高艺术境界的非专业学习者来说，这种深入到演奏哲学的指导，远比单纯的指法练习更有价值，这本书已经超越了“教程”的范畴，更像是一本“钢琴演奏美学指南”。