20世纪西方音乐钟子林民族大学出版社正版教材课本音乐史9787811082012 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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钟子林 著

图书标签:

• 音乐史
• 西方音乐
• 20世纪音乐
• 钟子林
• 民族大学出版社
• 教材
• 课本
• 音乐
• 高等教育
• 9787811082012

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 中央民族大学出版社

ISBN：9787811082012

商品编码：29684819853

页数：291

图书基本信息
书名：	20世纪西方音乐
丛书名：	现代远程音乐教育丛书
出版社：	民族大学出版社
ISBN号：	9787811082012
出版年份：	2006年12月1日

版次：	第1版
总页数：	291页
开本：	1/32
图书定价：	40元
实际重量：	299 g
新旧程度：	正版全新

 编辑《20世纪西方音乐》这本教材与1991年由人民音乐出版社出版的《西方现代音乐概述》内容基本相似，进行了一定能够的整理和修改；而《西方现代音乐概述》是从1981年起我在音乐学院开设的一门课程的讲稿基础上整理而成的。《20世纪西方音乐》是西方音乐通史中的后一个部分，主要涉及印象派以后的西方各种不同流派和风格的音乐。作者简介钟子林，男，教授，1933年1月出生，浙江省杭州市人。曾任音乐学院图书馆馆长，音乐学系主任。现任音乐学院音乐学系博士生导师。开设的理论课程有“西方现代音乐”、“美国流行音乐”、“摇滚乐的历史与风格”、“英语音乐文献阅读”等多门。指导研究生多名。著作有《西方现代音乐概述》、《摇滚乐的历史与风格》，译著有《苏俄音乐与音乐生活》（合译），论文有《1 945年以来的西方音乐与我国音乐创作的关系》、《国外音乐动向之一新浪漫主义》、《20世纪西方音乐回顾》等多篇。

目录序言20世纪音乐的变化及其原因初探部分1945年以前讲表现主义音乐（上）节概述第二节奥地利1.简况2.勋伯格作品选介：《月迷彼埃罗》《华沙幸存者》第二讲表现主义音乐（下）1.贝尔格作品选介：《沃采克》《小提琴协奏曲》2.威伯恩作品选介：《五首管弦乐小品》《交响曲》第三讲新古典主义音乐（上）节概述第二节斯特拉文斯基作品选介：《春之祭》《浦契涅拉》《诗篇交响曲》第三节德国1.简况2.兴德米特作品选介：交响曲《画家马蒂斯》《小室内乐》3.韦尔作品选介：《三分钱歌剧》第四讲新古典主义音乐（下）第四节意大利第五节法国1.简况2.奥涅格作品选介：《太平洋231号》《第三交响曲“祭礼”》《火刑堆上的贞德》3.米约作品选介：《屋顶上的牛》《世界的创造》4.普朗克作品选介：《d小调双钢琴协奏曲》第五讲民族主义音乐（上）节概述第二节匈牙利1.简况2.巴托克作品选介：《十五首匈牙利农民歌曲》《神奇的满大人》《第三钢琴协奏曲》第三节英国1.简况2.沃安？威廉斯作品选介：《伦敦交响曲》3.霍尔斯特作品选介：《行星》第六讲民族主义音乐（下）第四节美国1.简况2.艾夫斯作品选介：《新英格兰的三个地方》《第四交响曲》3.科普兰作品选介：《阿帕拉契亚山区的春天》《林肯肖像》4.格什文作品选介：《蓝色狂想曲》《波吉与贝丝》第五节西班牙1.简况2.法雅作品选介：《三角帽》第七讲其他之一：布里顿与蒂皮特节布里顿作品选介：《彼得？格兰姆斯》第二节蒂皮特作品选介：《我们时代的孩子》第八讲其他之二：普罗科菲耶夫与肖斯塔科维奇节苏联简况第二节普罗科菲耶夫作品选介：《亚历山大涅夫斯基》《第三钢琴协奏曲》第三节肖斯塔科维奇作品选介：《第七交响曲》《第十交响曲》第九讲其他之三：微分音音乐与噪音音乐节微分音音乐作品选介：《母亲》第二节噪音音乐作品选介：《电离》第二部分1945年以后第十讲序列音乐节概述第二节梅西安作品选介：《图朗加利拉交响曲》《异国鸟》第三节布列兹作品选介：《没有主人的锤子》第十一讲偶然音乐节概述第二节凯奇作品选介：《奏呜曲与问奏曲》《第四变奏曲》《方塔娜混合曲》第十二讲电子音乐节概述第二节斯托克豪森作品选介：《青年之歌》《金粉》第十三讲新音色节概述第二节希纳基斯、潘德雷茨基、利盖蒂、贝里奥、克拉姆1.希纳基斯2.潘德雷茨基作品选介：《广岛受难者的哀歌》3.利盖蒂作品选介：《大气层》4.贝里奥作品选介：《交响曲》5.克拉姆作品选介：《远古童声》第十四讲其他：亨策与诺诺节亨策作品选介：《第四交响曲》第二节诺诺作品选介：《被打断的歌》第十五讲70年代以后节概述第二节简约派1.概况2.格拉斯作品选介：《五度的音乐》第三节新浪漫主义第四节第三潮流第五节拼贴第十六讲结束语：回顾与展望主要参考书目20世纪西方音乐名词解释人名索引

内容简介怎么把20世纪不同流派和风格的音乐叙述得很有条理，是编写中的一个难题。流派、国家和作曲家三者关系纵横交错，不容易分得既很清晰而又不重复。现在这本教材的体例与原来的《西方现代音乐概述》一样，突出了流派，但有很大缺陷：把某个作曲家仅仅放在某一个流派中来进行介绍，这样做，容易使人误解，好像这个作曲家就仅仅是属于某个流派似的。而实际上这个作曲家完全有可能也与其他流派有关。20世纪，特别是20世纪下半叶，许多作曲家经常采用多种风格进行创作，不同时期也往往会发生变化，不能简单地给他们贴上一个标签，固定在某个流派之中。本教材之所以仍然把他们放在某个流派下面叙述，是因为没有找到更好的体例，另外，也只是想说明他们的创作曾经和某个流派有关而已。同样道理，教材中所列作品选介也只是某个作曲家的作品举例，并不意味着这首作品就一定属于某个流派。对于20世纪70年代以后的西方音乐，如何进行梳理和说明，也许过一段时间回过头来可以看得更加清楚。现在所做的，只是尽可能地向读者介绍一些新近的情况，是否恰当，比起其他章节来，更有待检验。 

音乐的变迁：一部跨越时代的交响 本书旨在为音乐爱好者、学生及研究者提供一份详尽的、涵盖广阔的历史视野的音乐史指南。我们不聚焦于特定的时期或地域，而是力求描绘出音乐从古至今，在不同文化背景下所经历的深刻变革与持续演进的宏大图景。 第一部分：远古的共鸣与文明的序曲 人类对声音的组织和表达，远早于文字的诞生。本部分将追溯音乐的起源，探讨史前人类如何利用自然界的声音元素——风声、水流、动物的鸣叫——构建早期的节奏与旋律概念。我们将考察美索不达米亚、古埃及等早期文明中，音乐如何融入宗教仪式、宫廷生活以及日常劳作。这些早期的乐器，从简单的骨笛到复杂的里拉琴，不仅是工具，更是人类精神世界的物质载物。 重点将放在古希腊音乐理论的奠基性作用。毕达哥拉斯对音程与数学关系的发现，不仅塑造了西方音乐的音高体系，更深刻影响了后世对“和谐”的哲学理解。柏拉图在《理想国》中对音乐的伦理学定位——音乐如何塑造公民的品格——为后世音乐教育与审美评价设立了重要参照系。 第二部分：中世纪的圣咏与世俗的萌芽 进入中世纪，欧洲音乐的重心转向教会。本部分将深入剖析格里高利圣咏（Gregorian Chant）的单音音乐（Monophony）结构及其在天主教礼拜仪式中的核心地位。我们将分析这些无文本、无固定节拍的早期复调音乐是如何在修道院的寂静中被记录、整理和流传的。 然而，音乐的生命力从未被单一的宗教机构完全禁锢。随着世俗生活的复苏，吟游诗人（Troubadours）和游唱诗人（Trouvères）的出现标志着世俗音乐的勃兴。他们的歌曲，充满爱情、骑士精神和对自然的赞美，以清晰的旋律和易于传唱的结构，为未来的多声部音乐发展提供了新的土壤。对早期复调音乐形式——如奥尔加农（Organum）——的演变过程进行细致的梳理，是理解西方音乐从“一行”走向“多维”的关键。 第三部分：文艺复兴的和谐与人性的觉醒 文艺复兴是艺术与人文精神的全面回归。音乐领域也迎来了巨大的转变。本章将着重探讨对位法（Counterpoint）的成熟与精进，以及约瑟夫·迪普雷（Josquin des Prez）等大师如何将复杂的声部交织得天衣无缝。 印刷术的发明极大地促进了音乐的传播，打破了教会对乐谱的垄断。我们将分析世俗音乐的体裁，如法国的香颂（Chanson）和意大利的牧歌（Madrigal）。这些作品开始关注歌词的内容与情感表达，使得音乐的“拟像”（Word Painting）技巧日益成熟，预示着情感张力的增强。同时，鲁特琴音乐的繁荣，体现了室内乐（Chamber Music）作为贵族家庭娱乐形式的兴起。 第四部分：巴洛克的激情与结构的辉煌 巴洛克时期（约1600-1750年）是音乐史上最具活力和戏剧性的阶段之一。本部分将聚焦于歌剧（Opera）的诞生及其在意大利的初步发展，探讨“宣叙调”（Recitative）与“咏叹调”（Aria）如何构建起叙事与抒情的张力。 协奏曲（Concerto）和奏鸣曲（Sonata）等器乐形式的规范化，标志着器乐地位的空前提高。维瓦尔第对协奏曲结构（快-慢-快）的精炼，以及巴赫对赋格曲（Fugue）这一复调巅峰形式的集大成，构成了巴洛克音乐在结构严谨性上的极致。同时，我们也将审视法国的抒情悲剧歌剧（Tragédie lyrique）以及德意志地区神剧（Oratorio）的发展，理解不同地域对同一艺术形式的风格化处理。 第五部分：古典主义的平衡与清晰的结构 随着启蒙运动的兴起，音乐审美转向了对清晰、平衡和普适性的追求。本部分将详细阐述奏鸣曲式（Sonata Form）如何在海顿、莫扎特的手中被确立为交响曲、协奏曲和室内乐的核心结构框架。 交响乐（Symphony）从早期的四乐章体例，发展成为规模宏大、结构复杂的器乐体裁，成为维也纳古典乐派的象征。同时，钢琴作为新兴的键盘乐器，以其更宽广的音域和更丰富的表现力，逐渐取代大键琴，深刻影响了奏鸣曲和变奏曲的创作。我们还将探讨古典主义时期歌剧对“自然”与“人性”主题的探讨，例如莫扎特作品中对社会阶层的微妙刻画。 第六部分：浪漫主义的自我表达与民族色彩 十九世纪，音乐不再仅仅是服务于贵族或教会的工具，它成为了作曲家表达个人情感、哲学思考乃至民族精神的载体。本章将探讨浪漫主义音乐的核心特征：主观性、对超自然和异域题材的迷恋，以及对传统形式的扩展与解构。 李斯特对“交响诗”（Symphonic Poem）这一单乐章管弦乐叙事体裁的开创，标志着标题音乐（Program Music）的胜利。肖邦专注于钢琴独奏作品，将民族元素（如玛祖卡、波兰舞曲）融入高度个人化的钢琴语汇中。此外，民族乐派（如德沃夏克、斯美塔那）的兴起，强调从民间音乐中汲取养分，为欧洲音乐注入了地域性的文化身份。 第七部分：跨越边界的探索与未来之声 进入二十世纪，音乐领域经历了前所未有的剧烈动荡。随着调性体系的瓦解，作曲家们开始探索全新的组织声音的方式。本部分将回顾从印象主义（如德彪西对音色和氛围的侧重）到表现主义（如勋伯格对十二音体系的建立）的转变。 我们将探讨对传统和声的彻底反叛，以及新兴技术（如录音技术）对音乐创作和接受方式的颠覆性影响。从斯特拉文斯基对原始节奏的运用，到20世纪中后期对偶然音乐（Aleatoric Music）和电子音乐的尝试，本书的结论部分将引导读者思考：音乐在不断打破自身边界的过程中，如何持续回应人类复杂的时代精神与不断变迁的感知世界。 本书力求以清晰的脉络和丰富的实例，为读者勾勒出一部连续、而非断裂的音乐发展史，强调不同时期、不同流派之间的内在联系与相互影响，使读者能够构建起一套立体的音乐理解框架。

评分☆☆☆☆☆

作为一本音乐史教材，其历史跨度和覆盖面是衡量其价值的重要标准。这本书在对20世纪初期的西方音乐进行梳理时，展现了极强的条理性和覆盖性。它清晰地勾勒出了从民族乐派的兴起到，如何与新的现代主义思潮产生碰撞与交融的过程。你几乎可以跟随作者的笔触，从一个国家、一个学派的视角，逐步构建起那个时代错综复杂的音乐版图。不同于将所有现代作曲家简单地归入“激进”或“保守”的二元对立中，这本书更倾向于探讨地域文化和个体经验如何塑造了不同的音乐走向。这种细腻的地域划分和流派间的张力分析，使得读者能够避免对20世纪音乐形成“一团乱麻”的刻板印象。不过，我个人在阅读关于后半叶电子音乐和偶然音乐的部分时，感到有些意犹未尽。诚然，这些领域的研究难度较大，但20世纪后半叶的音乐探索恰恰是以这些领域为前沿的。感觉这部分内容虽然被提及了，但深度和篇幅相比于早期的表现主义或新古典主义，略显单薄，希望能看到更多关于技术革新如何反哺音乐本体创作的深入探讨。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事节奏把握得相当到位，它不像某些音乐史著作那样，一上来就抛出冗长晦涩的理论体系，反而更像是请了一位经验丰富的历史学家，带着你按部就班地走进20世纪那段波澜壮阔的音乐变革期。作者似乎很擅长抓住那些关键的转折点——比如从浪漫主义的余晖到印象派的色彩爆发，再到野兽派和十二音体系的颠覆性冲击——并且能用一种非常生动的方式去描绘这些风格是如何相互影响、相互排斥的。我特别欣赏它处理“冲突”和“融合”的方式。比如，在阐述勋伯格的内心挣扎时，文字里充满了对个体创造者在时代洪流中如何抉择的深度剖析，而不是简单地罗列技术特征。这种“以人为本”的叙事角度，让那些抽象的音乐术语变得立体和可感。读起来一点也不觉得枯燥，仿佛能亲耳听到那些时代的声音是如何在作曲家的手中被塑造、被打破、又被重建的。唯一让我略感遗憾的是，在介绍一些相对边缘流派的篇幅上，感觉可以再多加一把劲，毕竟20世纪的音乐图景是极其多元的，即便是教科书，也应该努力去描绘出更广阔的全景，哪怕只是蜻蜓点水般的提及，也能拓宽读者的视野，避免陷入主流叙事的单一化陷阱。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计倒是挺有意思的，封面那种深沉的墨绿色，配上那个略显古朴的字体，一眼就能看出它想走的是严肃学术的路线。我拿到手的时候，首先摸了摸纸张的质感，说实话，作为教材，它用纸还算厚实，油墨印得也比较清晰，不像有些出版社为了省成本，字迹边缘都快模糊不清了。内页的排版也看得出是用心设计的，大段的文字中间穿插着一些适度的留白，不至于让人感觉像是在啃一块密不透风的“文字砖头”。当然，内容本身才是重头戏，但好的物理载体总能为学习体验加分不少。比如，在讲解那些复杂的音乐结构和历史背景时，如果图文布局混乱，再好的知识点也容易让人望而却步。这本书的排版至少在视觉上是友好的，这对于需要长时间阅读和查阅的专业学生来说，是一个非常实在的优点。不过，我个人倒是希望在一些关键的历史节点或者作曲家介绍部分，能多增加一些高质量的乐谱片段扫描件，而不是仅仅依靠文字描述来构建画面感，那样会更有助于理解音乐是如何在历史的脉络中生长的。整体来说，作为一本放在书架上的工具书，它的“颜值”和手感是合格的，甚至可以说达到了一个较高的水准，至少在实体书的市场里，它展现出了一种对知识应有的尊重感。

评分☆☆☆☆☆

这本书的学术深度是毋庸置疑的，它显然是建立在扎实的文献研究基础之上的。我注意到，在很多重要的概念界定时，作者都非常严谨，引用的专业术语也保持了高度的一致性，这对于初学者建立规范的知识框架至关重要。它没有回避那些晦涩难懂的音乐分析方法，比如序列主义在后来的发展中如何被瓦雷兹等人的自由创作所挑战，这些内容都被清晰地梳理出来了。这种严谨性，使得它作为一本“正版教材”的定位显得名副其实，能够经得起专业教师的检验。然而，正是这种过度的严谨，偶尔会让人感到一丝距离感。在某些章节，特别是在对特定作品进行技术拆解时，文字显得过于“技术化”，缺少了一点点能够引导听觉想象的“诗意”。音乐毕竟是听觉的艺术，仅仅依靠文字的逻辑推演，有时候难以完全捕捉到作品的生命力。我希望，如果能在保持学术准确性的前提下，适当增加一些引导性的、富含情感色彩的描述，比如用更具画面感的语言去描述德彪西的和声色彩是如何模仿水流或光影的，或许能让读者在理解其“为什么”的同时，也更深刻地感受到作品的“美在哪里”。

评分☆☆☆☆☆

从使用体验的角度来看，这本书的参考价值非常高，尤其体现在它对于一些核心历史事件和音乐概念的定义上。例如，对于“新古典主义”的复兴精神、或者“序列音乐”从七声音阶到十二音体系的演变逻辑，书中的解释清晰且逻辑链条完整，非常适合作为复习或快速查阅的资料库。我习惯在做笔记时，将不同流派的代表人物和他们的主要创作理念用图表进行对比，这本书为我提供了非常现成的对比基础，只需要稍加整理就能形成一套完整的个人知识体系。而且，作为一个大学出版社的教材，它在引用和注释方面的规范性也做得很好，这对于需要进行更深层次阅读的读者来说，提供了可靠的文献追溯路径。如果说有什么地方可以提升的话，那就是配套资源的整合。如果出版社能提供一个官方的学习网站，附带一些关键乐曲的在线试听链接，或者提供一些针对关键概念的在线测试模块，那这本书的实用价值将得到质的飞跃。毕竟，音乐史的学习，终究离不开“听”这个核心环节，纯粹的文字描述，始终无法替代实际的声波体验。