音乐学概论俞人豪人民音乐出版社艺术考研正版教材考研大专9787103014219 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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俞人豪 著

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出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103014219

商品编码：29684821132

页数：365

图书基本信息
书名：	音乐学概论
丛书名：	音乐自学丛书.音乐卷
作者/主编：	俞人豪
出版社：	人民音乐出版社
ISBN号：	97871030014219
出版年份：	1997年

版次：	第1版
总页数：	365页
开本：	1/32
图书定价：	28.00元
实际重量：	322 g
新旧程度：	正版全新

《音乐自学丛书?音乐学卷:音乐学概论》由人民音乐出版社出版。

引言 

第*章音乐学总论 
节音乐学的定义 
一、学科名称的由来 
二、学科的研究对象与范围 
三、学科研究方法论 
四、学科的性质 
第二节音乐学的学科分类体系 
一、古罗马体系 
二、阿德勒体系 
三、德列格体系 
四、维奥拉体系 
五、艾尔舍克体系 
第三节音乐学研究历史总述 
一、古代 
二、中世纪 
三、文艺复兴时代 
四、17－18世纪 
五、19世纪 
六、20世纪 

 引言 章音乐学总论 节音乐学的定义 一、学科名称的由来 二、学科的研究对象与范围 三、学科研究方法论 四、学科的性质 第二节音乐学的学科分类体系 一、古罗马体系 二、阿德勒体系 三、德列格体系 四、维奥拉体系 五、艾尔舍克体系 第三节音乐学研究历史总述 一、古代 二、中世纪 三、文艺复兴时代 四、17－18世纪 五、19世纪 六、20世纪 《音乐自学丛书?音乐学卷:音乐学概论》内容包括中外音乐史、音乐美学基础、民族音乐理论等音乐学院开设的主要理论课程，既有一定的理论深度，又通俗易读。除作为自修教材外，亦可作为音乐院校及音乐师范院校师生的辅导教材和参考书。 

西方音乐史：从古至今的旋律演变 一部宏大而细腻的音乐画卷，深入探索西方音乐的千年流变与核心精神。 本书旨在为音乐爱好者、专业学生以及对人类文化史有浓厚兴趣的读者，提供一部全面、深入且富有洞察力的西方音乐史著作。我们不局限于简单的年代罗列和作曲家生平介绍，而是力求揭示音乐风格演变背后的社会、哲学、技术与艺术思潮，展现音乐如何作为时代精神的忠实记录者与积极塑造者。 第一部分：源起与奠基——古代至中世纪的曙光（约公元500年以前） 本部分将追溯西方音乐的遥远起源，聚焦于古希腊文明对音乐理论和美学的奠基性贡献。我们将详细考察毕达哥拉斯学派对音程和数学关系的发现，探讨柏拉图和亚里士多德关于“乐治”（Ethos）的哲学思考，分析音乐在宗教仪式和戏剧中的初步地位。 随后，我们将跨入中世纪的门槛，重点分析罗马天主教会如何成为西方音乐的主要载体与规范制定者。从早期的格里高利圣咏的无伴奏单音音乐形态的形成，到记谱法的初步尝试（如纽姆记谱法），直至九世纪前后复调的萌芽，我们将细致描绘这一时期音乐的庄严、内省与神圣属性，以及音乐与拉丁文本之间密不可分的依附关系。 第二部分：复调的觉醒与风格的定型——从早期复调到文艺复兴的辉煌（约900年 – 1600年） 中世纪晚期至文艺复兴早期，是西方音乐史上一次意义深远的飞跃——复调音乐的成熟与发展。 我们将深入剖析奥尔加农（Organum）的早期形式，以及巴黎圣母院乐派（Notre Dame School）（如列奥南、佩罗坦）在节奏规范和声部组织方面取得的突破。探讨“新艺术”（Ars Nova）时期，纪尧姆·德·马肖等音乐家如何将世俗文本引入复杂的对位技巧，预示着个人风格的初步浮现。 文艺复兴时期，随着人文主义思想的兴起，音乐的“人性化”进程加速。本章将详述佛兰德斯乐派（如约斯坎·德普雷）如何将模仿手法推向极致，创造出结构严谨、声部平衡的声部音乐。同时，我们将考察宗教音乐（如弥撒和经文歌）与世俗音乐（如法国香颂、意大利低音歌曲）的互动与差异，并分析成篇音乐（Parody Mass）的艺术手法。 最后，我们将聚焦于16世纪下半叶的“第二文艺复兴”，特别是意大利的牧歌（Madrigal）如何通过“文字描绘”（Word Painting）技术，将情感表达提升到前所未有的高度，为巴洛克风格的到来埋下伏笔。 第三部分：情感的戏剧化与逻辑的构建——巴洛克时期的宏伟叙事（约1600年 – 1750年） 巴洛克时代是西方音乐史上最具活力和戏剧张力的时期之一。本部分将从歌剧（Opera）的诞生及其早期发展入手，重点分析佛罗伦萨“新艺术学会”对古希腊悲剧复兴的尝试，以及蒙特威尔第在《奥菲欧》中对“第二实践”的实践。 我们将系统梳理巴洛克音乐的核心特征：数字低音（Basso Continuo）、调性体系的最终确立、以及对情感理论（Doctrine of Affections）的运用。对器乐领域的探索将占据重要篇幅： 协奏曲（Concerto）：从科雷利到维瓦尔第的“快-慢-快”结构定型及其对独奏与合奏对比的精妙处理。 奏鸣曲与组曲：室内乐形式的成熟与精致化。 赋格与对位：深入解析巴赫对卡农与赋格手法的登峰造极之作，特别是《平均律键盘曲集》在调性探索上的里程碑意义。 晚期歌剧：亨德尔的清唱剧与意大利正歌剧的鼎盛。 本书将强调，巴洛克音乐的逻辑严密性与装饰的华丽性，共同构筑了其独特的美学高峰。 第四部分：清晰、平衡与启蒙——古典主义的理性之光（约1730年 – 1820年） 随着启蒙运动的兴起，音乐审美转向追求清晰、自然、平衡与普适性。本章将阐述“风格明晰”（Style Galant）如何过渡到古典主义的规范化。 我们将详细分析奏鸣曲式（Sonata Form）的结构、功能及其在交响曲、奏鸣曲和室内乐中的核心地位。重点探讨以下三位巨匠的贡献： 1. 海顿：作为“交响曲之父”，他在形式规范化（如奏鸣曲的成熟）和器乐幽默感上的创新。 2. 莫扎特：其音乐中无与伦比的旋律天赋、对歌剧人性刻画的深度（如《费加罗的婚礼》），以及对各种体裁的完美驾驭。 3. 贝多芬：作为连接古典与浪漫的桥梁，我们将分析他如何突破既有限制，通过主题的冲突、发展和统一来表达宏大的个人意志和英雄主义精神（特别是他中期和晚期的作品）。 第五部分：激情、个体与广阔天地——浪漫主义的潮汐（约1815年 – 1910年） 浪漫主义音乐是对古典主义理性秩序的一种深刻反动，强调主观情感、想象力、对自然的迷恋和对超自然事物的探索。 本部分将围绕以下几个关键发展展开： 艺术歌曲的兴起：舒伯特与舒曼如何通过钢琴伴奏与人声的紧密结合，将诗歌的文学意境提升到新的高度。 标题音乐与交响诗：李斯特对新器乐体裁的发明，以及柏辽兹在配器法和叙事手法上的革命。 民族主义的兴起：探讨捷克（德沃夏克、斯美塔那）、俄罗斯（强力集团）、挪威（格里格）等作曲家如何从民间音乐和本土文学中汲取灵感，构建各自的音乐身份。 浪漫主义歌剧的巅峰：威尔第在意大利歌剧中的戏剧张力和瓦格纳在德国歌剧中的“整体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）理念及其对主导动机（Leitmotiv）系统的运用。 第六部分：边界的拓展与风格的分化——二十世纪至今的多元探索 进入二十世纪，音乐面临着传统调性体系的崩溃与科技的冲击。本部分将梳理风格的急剧分化与创新： 印象主义与象征主义：德彪西和拉威尔如何利用音色、和声的模糊性来捕捉瞬间的印象与氛围。 表现主义与无调性：勋伯格及其十二音体系（Dodecaphony）的诞生，以及对人类内心焦虑的深刻表达。 新古典主义与原始主义：斯特拉文斯基在不同时期的风格转向，特别是《春之祭》对节奏的激进处理。 美国音乐的崛起：从艾夫斯的复调概念到格什温对爵士乐的融合。 电子音乐与序列主义：战后巴比特等人对精确控制的追求，以及德彪西之后声音实验的深化。 本书将最终引导读者认识到，当代音乐已不再有单一的主流，而是在持续的实验、回归与跨界融合中，展现出前所未有的广阔前景。 通过对这些关键时期、核心概念和标志性作品的系统梳理，读者将不仅“知道”西方音乐史发生了什么，更能理解“为什么”会发生，从而建立起一套成熟的、有深度和温度的音乐鉴赏框架。

评分☆☆☆☆☆

作为一名正在备考的学子，我最关心的自然是教材的实用性和针对性。这本书在这方面做得堪称典范。它不仅仅是知识的搬运工，更像是一个经验丰富的导师在为你指点迷津。在关键的概念定义处，作者总会用一种非常精炼且准确的语言进行概括，旁边往往会附带有小小的“提示”或“辨析”栏目，专门用来澄清那些最容易混淆的易错点。这对于我们做选择题和简答题时，能够迅速抓住核心要害，避免掉入文字陷阱非常有帮助。我尤其喜欢它在每一章末尾设置的“思考与拓展”部分，这些问题往往不局限于课本知识本身，而是引导我们去联系实际的听觉体验和当代的音乐现象进行批判性思考。这套教材显然是站在历年真题的出题思路之上进行编纂的，它的结构和侧重点，完美契合了高水平音乐学研究生的入学标准要求。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，初次接触音乐学这个领域时，我最大的障碍是缺乏一个统一的、可靠的知识入口。很多网络资料碎片化严重，相互矛盾的观点比比皆是。而这本教材，无疑提供了一个坚如磐石的基准线。它对音乐学的基本概念、术语的界定都保持了高度的一致性和权威性，这对于建立一个科学的知识框架至关重要。在涉及近现代音乐流派的划分和介绍上，作者的处理方式显得尤为高明，没有采取简单粗暴的标签化，而是着重强调了不同流派间内在的继承与反叛关系。对于我们非音乐科班出身的跨考生而言，它极大地降低了入门的门槛，同时又为未来更高阶的学习预留了足够的深度空间。这套教材不仅是考试的工具书，更是一本可以陪伴我未来几年学术生涯的，具有长久参考价值的知识宝库，物超所值。

评分☆☆☆☆☆

阅读这本书的过程，就像是进行一场跨越时空的音乐对话。作者的笔触时而如严谨的学者，条分缕析地拆解复杂的音乐结构；时而又像充满激情的音乐爱好者，用生动的语言描述那些伟大的音乐家及其作品背后的时代精神。我特别喜欢作者在描述贝多芬或德彪西等重要作曲家的创作背景时所流露出的那种饱满的热情，这种情感的代入感，极大地提升了阅读的愉悦度。它成功地将音乐史的线性时间轴，转化成了一个立体的、充满生命力的知识网络。比如，在阐述“赋格曲”的结构时，作者不仅仅是列举了巴赫作品的例子，还巧妙地穿插了其对后世作曲家（如肖斯塔科维奇）的影响，使得知识链条得以延伸。这种深入浅出，既不失学术深度，又不失人文温度的写作风格，是很多理论教材所欠缺的宝贵品质。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计实在是很考究，封面那一抹深沉的酒红色，配上烫金的书名，初见之下就给人一种厚重而专业的学术气息。我特地对比了市面上几家出版社的同类教材，这一本在纸张的选择上明显更胜一筹，内页那种微微泛黄的米白色，不仅保护了视力，长时间阅读下来也不会有明显的疲惫感。更值得称赞的是，章节之间的过渡处理得非常流畅自然，仿佛作者在引导我们进行一场精心策划的音乐之旅，而不是机械地堆砌知识点。尤其是排版上的留白处理，恰到好处地将复杂的内容区隔开来，使得那些晦涩的理论术语在视觉上变得不再那么令人望而生畏。拿到手里，沉甸甸的质感，让人油然而生一种对知识的敬畏之心，感觉自己正在翻阅的不是一本普通的考研用书，而是一部值得珍藏的音乐思想结晶。这种对细节的极致追求，恰恰说明了编者对“概论”二字的深刻理解——即便是入门之作，也应力求完美，为初学者打下最坚实的基础。

评分☆☆☆☆☆

翻开这本书的目录，我就知道作者在构建知识体系上花费了多少心血。它不像某些教材那样，仅仅是把各个音乐史阶段或理论板块简单罗列，而是采用了非常清晰的逻辑递进关系。从最基础的声音学原理和乐器法介绍开始，逐步深入到西方音乐史的宏大叙事，再到近现代音乐思潮的探讨，每一步都像是搭建一座精密的桥梁，确保读者能够平稳过渡到下一个更深层次的理解层面。我特别欣赏它在处理不同文化背景下的音乐现象时所展现出的那种兼容并蓄的态度，没有陷入任何单一的教条主义泥潭。例如，它在讲解调式和和声演变时，不仅详尽分析了古典时期的规范，还对浪漫主义时期的色彩化倾向进行了细腻的剖析，这对于我们理解音乐“为什么会这样发展”至关重要。这种宏观视野与微观分析相结合的叙事方式，让原本枯燥的理论学习过程变得充满探索的乐趣，极大地激发了我对音乐深层结构的探究欲望。