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刘宁 著

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出版社： 文化艺术出版社

ISBN：9787503949845

商品编码：1027466165

出版时间：2011-09-01

作  者:刘宁 著作 定  价:52 出 版 社:文化艺术出版社 出版日期:2011年09月01日 装  帧:平装 ISBN:9787503949845 ●  训练目的与要求
●    语言是一种符号系统
●  第二节  有声语言(台词)在话剧表演中的位置及作用
●  第三节  有声语言(台词)的训练要求
●第二章  有声语言基本功训练
●    呼吸与发声
●  第二节  发音训练
●  附练习1：基本功训练
●第三章  基本技能训练
●    语言的速度节奏训练
●  第二节  音量大小的训练
●  第三节  音调的高低训练
●  第四节  力度的强弱训练
●  附练习2：基本技能训练
●第四章  有声语言表现力的训练
●    重音与停顿
●  第二节  语气语调
●  第三节  演员在创作中的“三点定位法”
●  第四节  台词处理中的“类比法”
●  附练习3：文学作品的朗读训练
●部分目录

内容简介

暂无

现代戏剧的舞台语言艺术：表演者的声音塑造与文本驾驭指南 一本深入剖析戏剧语言精髓，致力于提升演员舞台表现力的实践性专著。 本书旨在为有志于深入钻研戏剧表演艺术，特别是对舞台语言的驾驭能力有迫切需求的学习者、专业演员以及戏剧教育工作者提供一套系统、全面且极具操作性的训练框架。我们深知，戏剧的生命力在于其声音的呈现与文字的呼吸，一个优秀的舞台角色，其灵魂往往通过其独特的语言质感得以完整塑造。 第一部分：声音的物理基础与情感共振 本部分将带领读者从最基础的生理层面出发，重建演员对自身发声器官的认知与控制。我们摒弃空泛的理论说教，转而聚焦于“可训练性”与“舞台适应性”。 一、呼吸的革命：支撑、深度与持久力 呼吸是声音的发动机，而非简单的氧气交换。我们将详细探讨以下关键技术： 腹腔与肋骨的动态协作： 讲解如何通过激活膈肌和外肋间肌，实现高效、深沉且不易疲劳的“舞台呼吸”。书中将提供一系列模仿动物呼吸模式、冥想式呼吸训练，旨在将浅层的胸腔呼吸彻底转化为深层的气息支撑。 气息的精确控制与释放： 训练气息的“张力”与“松弛”的辩证关系。如何在一句台词中实现从“润物细无声”的低语到“穿透力极强”的爆发，同时保持声音的稳定性和色彩。引入“气息阀门”的概念，讲解如何通过声带、喉部的精微调整来调控气流的输出速率。 抗重力与垂直感： 探讨声音的“重量感”与“位置感”。声音不仅要响亮，更要有质感和明确的投射方向。我们将练习如何将声音“锚定”在面罩区域，实现声音的立体化，避免声音的“扁平化”或“喉音化”。 二、音质的雕琢：共鸣腔体的激活与色彩调配 声音的魅力源于其独特的音色。本章专注于拓展演员的音域（Range）与音域的实用性（Usability）。 三腔共鸣的独立训练： 分别针对胸腔、口腔和鼻腔的共鸣点进行强化练习。详细介绍“Messa di Voce”（渐强渐弱练习）在不同共鸣点上的应用，旨在打破单一音色的限制。 音色的转换与适应性： 戏剧角色需要多变的音色来反映其内心状态和时代背景。我们将研究如何通过调整喉位和舌位，快速切换出“金属质感”、“木质感”、“沙哑感”或“清亮感”的音色，并训练声音在不同情绪张力下的“断裂”与“融合”。 泛音与穿透力： 讲解声音的泛音结构与舞台穿透力的关系。如何通过增加高频泛音而非单纯提高音量，使声音在复杂的舞台声场中依然清晰可辨，具有“聚焦性”。 第二部分：语言的结构解析与文本的音乐性 戏剧语言是诗歌与日常口语的结合体，需要演员具备高度的文本敏感度和节奏掌控力。 一、韵律、节奏与停顿的魔力 节奏是戏剧的骨架。脱离了文本内在的韵律，再华丽的声音也只是空洞的回响。 古典戏剧的格律分析： 侧重于五步抑扬格（Iambic Pentameter）等西方古典诗剧的内在节拍感。训练演员不仅能“读出”格律，更能“内化”格律，使其成为角色思维的自然流淌。 现代口语的潜台词节奏： 分析现代剧作中看似平淡的对话如何蕴含紧张、回避或欺骗的节奏变化。通过对标点符号、句子的长度、语速的快慢，来揭示角色潜藏的意图。 停顿的哲学： 停顿并非沉默，而是声音的积蓄。我们将区分“呼吸停顿”、“逻辑停顿”、“情感停顿”和“心理停顿”。书中包含大量案例分析，展示一个精准的停顿如何瞬间扭转一场戏的走向。 二、清晰度、准确性与咬字的美学 清晰的咬字是尊重文本和观众的基本要求，但“清晰”绝不等于“僵硬”。 元音与辅音的精确分离： 针对不同语言（如中文普通话、或特定方言风格）的元音纯度和辅音爆发力进行系统训练。强调对“爆破音”（如p、t、k）和“擦音”（如s、x、f）的控制，使其既有力又不失连贯。 语流的连贯性与断裂处理： 训练如何在保持语言流畅性的同时，准确地处理角色在极度激动或内心挣扎时出现的“断词”、“重复”或“语无伦次”等现象，确保这些“不完美”都是有意识的艺术选择。 地域性与身份塑造： 探讨语言的地域口音（Accent）与社会阶层（Sociolect）对角色塑造的影响。提供一套安全、可控的“变声区”训练法，使演员能够在不损害母语发音习惯的前提下，借鉴和运用特定的口音色彩。 第三部分：跨越文本的实践——情境中的语言调适 本部分将理论与表演实践相结合，强调语言是为情境服务的工具。 一、文本的深度挖掘与“意图驱动”发声 如何确保你发出的每一个音节都服务于角色的核心动机？ 动机链的梳理： 教授一种将台词分解为“想要做什么”、“为此说了什么”和“实际说了什么”的分析方法。语言的力度、速度和音色必须是角色“不得不”如此表达的产物。 情感色彩的频率匹配： 探讨不同情感（恐惧、愤怒、爱恋）对应着不同的声频范围和发声方式。例如，恐惧常使声带紧张、音调升高；而深沉的悲伤则要求声音从深处凝聚。 台词的层次感（Subtext Layering）： 训练演员在同一句台词中同时传达多个信息层次。例如，表面上是赞美，但声音的底色却是嘲讽或警告。 二、舞台适应性与即兴语言的张力 现代戏剧对演员的现场反应能力提出了更高要求。 空间与距离对语言的修正： 分析在近景、中景和远景中，语言应如何调整其投射角度、音量和清晰度。探讨在特定舞台调度下，语言如何从“交流”转变为“宣告”。 即兴对话与文本的兼容性： 针对需要大量即兴发挥的当代戏剧，提供一套“角色语言库”的构建方法，确保即兴的语言即便脱离了剧本，依然能保持角色的世界观和口吻。 声音的“身体化”： 探讨如何通过身体的姿态、动作幅度来反哺声音的输出。例如，一个弓着背的角色，其声音往往带有压抑感；一个挺胸的姿态，则自然带来了声音的开放性。 本书的最终目标是让演员不再是“朗诵”剧本，而是真正“呼吸”台词，让语言成为角色生命力的直接流露。通过严谨的训练和深刻的文本解读，每一位读者都将能够掌握驾驭舞台语言的钥匙。

评分☆☆☆☆☆

这部作品集简直是为那些渴望在舞台上找到自己声音的表演者量身打造的宝典。作者的笔触细腻而又充满力量，把那些看似枯燥的台词训练，描绘成了一场充满探索与发现的旅程。我特别喜欢书中对于“呼吸与共鸣”的探讨，它不仅仅停留在理论层面，更是通过大量生动的案例和练习，引导读者去真正体会声音的力量是如何从身体深处涌现的。读完第一部分，我感觉自己对“如何让声音听起来更具真实感”有了全新的认识，那种仿佛能穿透舞台的穿透力，不再是遥不可及的技巧，而是可以通过科学的方法逐步实现的。作者对于不同剧本风格的语言处理方式也极为独到，无论是古典戏剧的韵律感，还是现代话剧的口语化表达，都有深入浅出的指导，让我在阅读过程中忍不住想要立刻站起来，对着镜子进行模仿和实践。这本书的价值在于它没有提供标准答案，而是提供了一整套思考的框架和探索的工具，让每一个使用者都能找到最适合自己的那条路。

评分☆☆☆☆☆

我个人非常欣赏作者在书中展现出的那种近乎偏执的对“准确性”的追求。在某些章节中，作者会用非常严谨的符号系统来标记台词的断句、重音和停顿，这对于希望达到专业水准的读者来说，是无价之宝。这套方法论极其严密，它教会你如何像一个语言学家一样去解构剧本，但又不像语言学那样冰冷，而是充满了艺术的温度。我尤其喜欢其中关于“潜文本挖掘”的部分，它教导我们如何从台词的字面意义背后，去探寻角色真正的意图和隐藏的渴望。通过这本书提供的练习，我发现自己不再只是“背诵”台词，而是开始“拥有”台词。每一次朗读，都像是与作者和角色进行了一次深刻的灵魂对话。对于任何一位严肃的戏剧从业者，这本书都应该被放置在案头，随时准备翻阅，从中汲取力量和方向。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和设计风格也十分考究，厚实的纸张和清晰的字体，让人在长时间阅读和练习时也不会感到疲劳。更让我惊喜的是，作者对于舞台动作与语言的结合有着独到的见解。很多时候，我们只关注台词的音色和节奏，却忽略了肢体语言对声音的修正作用。书中专门开辟了一块内容，详细阐述了“身体如何为语言服务，语言如何激活身体”，这种跨学科的整合视角，极大地拓宽了我的训练思路。它不再把发音和表演看作是两个独立的模块，而是视为一个有机的整体。尤其是关于“情感色彩下的元音变化”的讨论，简直是教科书级别的分析，我甚至发现自己过去某些角色塑造中，声音显得扁平的原因，就在于对这些细微变化的忽视。这是一本需要反复翻阅、并在每一次排练中都能找到新领悟的工具书，它的价值会随着读者的成长而不断增值。

评分☆☆☆☆☆

这本书真正打动我的地方，在于它所蕴含的对“声音的生命力”的赞美。它不是那种冰冷的理论汇编，而更像是一位经验丰富的导师，在你耳边低语，分享他多年舞台生涯中积累的至高秘诀。作者用极富感染力的文字，描述了声音在不同空间中传播的物理规律，以及如何利用这些规律来最大化戏剧效果。我过去总是在寻找那种“戏剧腔”，但这本书让我明白，真正的戏剧语言，是比日常口语更提炼、更具能量的自然状态。它强调的是“真听、真看、真说”，但又用一套系统的方法告诉你如何才能做到“真”。对于希望提高舞台表现力、让自己的台词更具层次感和穿透力的学习者来说，这本书提供的路径是清晰而充满启发性的。它不仅仅是教会你如何说话，更是教你如何用声音去塑造一个全新的世界。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，拿到这本书的时候，我还有些疑虑，毕竟市面上的“教程”太多了，很多都是空谈。但这本书的独特之处在于它强大的“实战性”。它不是那种只会教你如何“念对台词”的僵硬手册，而是深入到演员如何“感知语言”的核心。其中关于“语境重塑”的章节令我茅塞顿开，作者用极其清晰的逻辑，拆解了为什么同一个词在不同情境下会产生天壤之别的效果，以及演员应该如何快速捕捉和重建这种情境感。这种对细节的极致追求，简直让人惊叹。书中穿插的许多名家访谈片段，更是为这份教程增添了厚重的历史感和艺术温度，让我体会到，语言的训练从来都不是孤立的，它与演员的内心世界、对角色的理解紧密相连。这本书的结构安排非常巧妙，从基础的发声训练到复杂的文本解读，层层递进，保证了即便是初学者也能稳扎稳打，而经验丰富的演员也能从中汲取新的养分。