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殷伟，殷斐然 著

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出版社： 清华大学出版社

ISBN：9787302427049

版次：1

商品编码：11894996

品牌：清华大学

包装：平装

开本：16开

出版时间：2016-02-01

用纸：胶版纸

内容简介

　　本书从不同的角度撷取民间四时八节经典年画中相关内容，加以发掘探析，进行创造性的诠释，以通俗的语言、生动的故事、精美的年画、详尽的注释，从民俗学、人类学、社会学、历史学等角度阐释节令年画的特质和内涵，清晰地描绘出农耕时代人们的精神天地，展示了老百姓的心灵向往，表达了那个漫长的历史时代社会生活的缤纷全相。

前言/序言

节令年画 赏年画

书籍简介：翰墨丹青话春秋——中国古代绘画艺术流变探析 书名：翰墨丹青话春秋 作者： （此处可填入一位知名艺术史学家的名字，例如：钱穆、高居翰、巫鸿等，但为避免争议，我们此处使用一个具有学者气息的虚构名字，如：林树青） 出版社： （此处可填入一家有历史底蕴的出版社，例如：商务印书馆、人民美术出版社等，此处使用虚构名：文苑精粹出版社） 定价： 人民币 188.00 元 开本/装帧： 16开 / 精装，附高清彩图索引 --- 卷首语： 笔墨之间，流淌着历史的洪流；丹青之上，凝聚着文明的精魂。当我们试图穿透时光的迷雾，去探寻那古老东方哲学与审美如何被固化于绢帛之上时，我们发现的不仅是技法的演进，更是那个时代人们的精神坐标与宇宙观的微妙投射。本书旨在抽丝剥茧，为读者构建一幅清晰的中国古代绘画艺术自先秦至清末的宏大发展脉络图。 --- 内容概要： 《翰墨丹青话春秋》并非一本简单的图录汇编，而是一部系统梳理中国绘画史的学术专著。全书共分为六卷二十章，辅以大量专家考证的图版和文献引用，力求在“史”与“论”之间达到精妙的平衡。作者林树青教授，以其深厚的古典学功底和敏锐的艺术洞察力，将中国绘画艺术的演变置于整个社会文化、政治结构及哲学思潮的背景下进行考察。 第一卷：源起与奠基（先秦至魏晋南北朝） 本卷聚焦于中国绘画的滥觞期。 第一章：石刻与陶绘的原始呼唤： 追溯岩画、彩陶纹饰与青铜器装饰纹样中的叙事雏形，探讨线条与符号在早期图像学中的意义。 第二章：墓葬壁画的冥想世界： 重点分析马王堆汉墓帛画的发现及其在构图、色彩和象征体系上对后世的影响。探讨“神仙世界”的构建如何服务于生死观。 第三章：魏晋风骨的塑造： 深入剖析顾恺之“传神写照”理论的哲学基础，即玄学思潮对人物画造型与气质（“气韵”）要求的提升。讨论笔墨技法从“赋彩”向“用笔”的核心转移。 第四章：佛教造像的异域之光： 考察自印度传入的佛教艺术如何与本土文化融合，尤其是在敦煌、云冈等地，如何催生出中国化的叙事壁画风格，并对后来的宗教画产生决定性影响。 第二卷：盛唐气象与文人自觉（隋唐五代） 隋唐是多民族文化交融的鼎盛期，绘画艺术也达到了前所未有的广度和深度。 第五章：长安的万象与宫廷画派： 以吴道子为中心，分析“吴带当风”的线条革命，及其对山水画“雄伟”气势的奠定。探讨李思训父子“金碧山水”的装饰性与李昭道的精致工笔。 第六章：人物画的世俗化进程： 关注周昉、张萱的“仕女画”，解析唐代贵族女性的生活场景，以及画作中对服饰、礼仪的细致记录，作为社会风俗史的珍贵材料。 第七章：山水画的独立宣言： 论述荆浩、关仝在五代时期如何完成山水画从“界画”或“人物背景”到独立题材的蜕变。探讨“全景式”构图的成熟。 第三卷：理性与意趣的交织（宋代） 宋代是中国古典艺术的“黄金时代”，理论体系成熟，院体画与文人画并驾齐驱。 第八章：北宋院体的辉煌与规范： 详述范宽、郭熙的“高、远、深”理论，对自然景象的理性观察与精确描摹。分析宋徽宗的“宣和画院”制度及其对题材的规范化影响。 第九章：院体花鸟画的写实巅峰： 考察赵佶对花鸟画“形似”与“意在笔先”的极致追求，并对宋徽宗独特的审美趣味进行解读。 第十卷：南宋“意在笔先”的转向： 聚焦“湖山派”的减弱与“文人画”的崛起。分析马远、夏圭如何运用“边角式”构图，营造深远的意境，体现南宋偏安一隅的内敛情怀。 第十一卷：米芾父子的墨戏哲学： 深入探讨米芾“刷子皴”的技法创新，及其将“尚意”提升到理论高度，将个人性情融入笔墨的文人画核心精神。 第四卷：元代：文人画的全面胜利与风格定型 元代，由于士人阶层政治地位的变化，绘画艺术彻底转向内在精神的抒发。 第十二章：黄公望与富春山居的地理美学： 剖析“元四家”如何通过对笔墨的纯粹探索，确立了以“墨分五色”为核心的写意山水范式。 第十三章：王蒙的繁密与宿墨的运用： 探讨王蒙对笔法的集大成，其复杂多变的皴擦如何体现元末的压抑与迷惘。 第十四章：竹石梅兰的“四君子”精神图腾： 考察赵孟頫对晋唐书风的回归，以及文人如何通过“四君子”题材，寄托“不与世俗同流合污”的节操。 第五卷：转折与融合（明初至清中期） 明清时期，绘画一方面是对元代经典的继承与反思，另一方面也出现了新的流派。 第十五章：院体遗风与吴门画派的雅集： 分析沈周、文徵明如何继承元代“南宗”，并将其地域化、学院化。探讨其与院体“北宗”的审美分野。 第十六章：董其昌的“南北宗”理论及其影响： 深度解析董其昌的理论框架，它如何重塑了后世对中国画史的理解，并确立了“文人画正统”的地位。 第十七章：清初“四僧”的叛逆与探索： 考察石涛、八大山人如何打破既有范式，运用强烈的个人笔墨语言，表现对时代变迁的个体情感。石涛的“搜尽奇峰打草稿”是对传统学习方式的颠覆。 第十八章：正统画派的回归与程式化： 分析清初“四王”对元明山水画典范的整理与摹仿，探讨这种回归在稳定画坛的同时，也带来的程式化风险。 第六卷：余韵与收束（清代中晚期至近代开端） 第十九章：浙派与晚清画坛的多元发展： 关注“扬州八怪”的民间趣味与对笔墨的夸张处理，如金农的“漆画”笔法，以及对世俗审美的迎合。 第二十章：传统语境的终结与新潮的萌芽： 梳理晚清在西方思潮冲击下，传统文人画体系所面临的挑战，为近代中国画的变革埋下伏笔。 --- 本书特色： 1. 理论深度结合图像分析： 不止步于介绍画家生平，更侧重于阐释其创作的时代背景、哲学动机以及核心笔墨语言的创新点。 2. 精准的术语辨析： 对“气韵生动”、“随类赋彩”、“皴法”、“点苔”等关键术语进行清晰的界定与历史溯源。 3. 精选图版，注重细节： 附录收录的近百幅高清经典画作拓本与彩图，并附有详细的技法局部放大图解，方便读者观摩笔墨细节。 4. 系统性的史观构建： 通过对各个阶段主要流派的相互影响和批判的梳理，帮助读者建立起清晰、连贯的中国绘画史的整体认知框架。 适合读者： 艺术史研究者、美术专业学生、中国传统文化爱好者、以及所有对古典美学和历史有着深厚兴趣的读者。本书将是您系统深入了解中国古代绘画艺术的权威指南。 --- 作者简介： 林树青，著名艺术史学家，毕业于北京大学历史系，后赴意大利佛罗伦萨大学深造古典美学。曾任职于中国社会科学院文学研究所，现为多所高等学府客座教授。长期致力于中国魏晋至明清绘画的个案研究与理论构建，其著作《笔墨精神的形而上学》在学界影响深远。林先生的治学特点是扎根传统文献考据，同时以现代批评理论为参照，对中国艺术的“内在逻辑”进行深刻挖掘。

评分☆☆☆☆☆

说实话，当我拿起《都市生存几何学》这本书时，起初是带着一种怀疑态度的，毕竟“生存”和“几何学”的结合听起来有些晦涩。然而，这本书完全颠覆了我的固有认知，它以一种极其锐利和冷静的视角，剖析了现代城市空间布局的内在逻辑与权力分配机制。作者并未停留在宏观的城市规划理论层面，而是深入到了我们日常生活中最容易被忽视的“微观尺度”——比如商场的动线设计如何潜移默化地引导消费行为，地铁换乘通道的宽度与流线如何影响通勤者的心理压力，甚至连小区的绿化带和楼宇间距都暗藏着社会阶层的隐形划分。书中大量运用了拓扑学和博弈论的原理来解释交通拥堵的形成、公共空间的疏离感以及“看不见的墙”是如何在物理空间中构建起来的。我尤其欣赏作者对“效率崇拜”的反思，他通过数据模型展示了过度追求效率的城市，如何牺牲了居民的随机性交往和文化多样性。通篇论述逻辑严密，论证充分，那些原本习以为常的城市景观，在作者的解构下，瞬间暴露出了它们背后冷酷的数学逻辑和利益博弈。这本书读起来虽然需要一定的专注力，但带来的思维冲击却是巨大的，它让我每次走在熟悉的街道上，都会不自觉地开始计算和审视周围环境的“几何意义”，极大地提升了我的空间认知能力和批判性思维。

评分☆☆☆☆☆

这本《花鸟虫鱼：四季物候探微》简直是为我这种对自然怀有深深敬意的老读者量身定制的宝典。甫一翻开，那细腻的笔触和对微小生命的敏锐观察便立刻抓住了我的心神。书中的每一章节都围绕着一个特定的节气展开，作者并非仅仅罗列动植物的名称，而是深入挖掘了它们在特定时节的生存智慧与生存状态。比如，写到惊蛰时节，作者详细描摹了蛰伏了一个冬季的昆虫如何破土而出，那段文字描绘的生命力勃发的情景，仿佛能让我听到泥土下传来的窸窣声响。再比如，谈到大暑的蝉鸣，书中不仅分析了蝉的生命周期，更巧妙地融入了古代文人对夏日烦躁与静谧的哲学思考。我尤其欣赏的是作者那种不动声色的叙事方式，他用近乎博物学家的严谨态度去记录，却又饱含着诗人般的情感去赞美。大量的实地考察记录使得内容极具说服力，那些关于植物生长曲线的图示和昆虫形态的速写，都展现了作者深厚的功底。读完关于秋季霜降的内容，我立刻感觉对家乡后院那几棵老树的理解上升到了一个新的层次，不再是单纯的树木，而是承载着一年物候更迭的活历史。这本书让我深刻体会到，自然界的运转是如此精妙且充满秩序，每一次呼吸、每一次生长都遵循着古老的节奏。对于热爱田园生活、渴望与自然重新建立连接的都市人来说，这本书无疑是一剂清新的良方，能让人在钢筋水泥中找到一片属于自己的精神原乡。

评分☆☆☆☆☆

《跨越藩篱的交响：巴赫晚期对位法的结构美学》这本书，无疑是献给专业音乐人和资深乐迷的一份厚礼。对于我这种常年沉浸在古典音乐分析中的人来说，它提供了一种前所未有的、近乎数学般精确的视角来审视巴赫晚期作品，特别是《赋格的艺术》的内在构造。作者并没有简单地罗列对位技巧，而是将巴赫的复调音乐视为一个具有高度自洽性的封闭系统。书中对“反向对位”、“镜像赋格”以及“旋律的无穷发展”这些复杂概念的阐释，清晰得如同高倍显微镜下的观察报告。我最佩服的是作者对巴赫晚年心境的揣摩，他认为巴赫晚期的作品已经超越了宗教或世俗的表达，而是在探寻音乐结构本身的终极奥秘，是一种对“纯粹形式”的追求。书中包含了大量手稿的局部放大图和作者自行推导的和声图表，对于学习作曲和配器的人来说，这些都是无价的实践参考。读到关于“缺失主题”的讨论时，我几乎立刻联想到了那部未完成的终曲，作者对巴赫可能意图的推测，充满了深邃的洞察力和对作曲家创作哲学的尊重。这本书的阅读体验是极其缓慢且需要反刍的，它要求读者不仅要“听懂”巴赫，更要“读懂”巴赫是如何思考的，是一部需要反复研读的学术经典。

评分☆☆☆☆☆

《古蜀文明的青铜密码》这本书，简直是一场跨越时空的震撼之旅，尤其对于我这种痴迷于早期文明冶金技术的人来说，简直是打开了一个全新的知识宝库。作者的叙事角度非常新颖，他没有落入传统考古学的窠臼，而是将注意力集中在了三星堆和金沙遗址出土青铜器上那些复杂且充满神秘感的纹饰与铸造工艺上。书中对“神树”和“面具”的解析尤其引人入胜，那些奇异的造型背后，究竟蕴含着古蜀人对宇宙、神灵或祖先的何种信仰体系？作者提出了好几套逻辑自洽的假说，并用现代科学分析手段（如X射线荧光光谱分析）来佐证青铜合金的配比差异，试图解释不同时期工艺的演变路径。我特别喜欢其中关于失蜡法在商周至古蜀过渡时期的应用细节分析，那段文字细致入微地描述了蜡模的制作、翻范的难度以及如何处理大型铜器的分铸与合铸问题，这对于研究古代工程技术史的读者来说，价值不可估量。书中还穿插了一些与周边中原文化青铜器的对比研究，突显了古蜀文化独立发展且极具创造力的特征。读罢全书，我仿佛置身于那座被江水淹没的神秘都城，耳边回荡着熔炉轰鸣和祭祀的钟鼓声。它不仅仅是一本关于文物的书，更是一部关于早期人类如何通过技术与艺术来构建精神世界的恢弘史诗，读完后让人对中华文明的多元一体性有了更深层次的理解与敬畏。

评分☆☆☆☆☆

我向来对手术室里的那些冷峻、精确的叙事不感兴趣，但《苍白之墙后的灯火》这本书，却以一种近乎文学作品的细腻笔触，为我打开了现代医院后勤保障系统的一个隐秘世界。作者没有聚焦于英雄式的主刀医生，而是将聚光灯投向了那些在幕后默默无闻的岗位：从消毒供应中心（CSSD）里处理成千上万器械的技师，到信息科里确保病患数据绝对安全的技术人员，再到负责重症监护室营养配方的药剂师。书中对一个复杂手术的流程描述，并非从手术室内部开始，而是从手术前一周，病理样本的采集、麻醉气体的精确调配，以及手术室的空气洁净度检测开始。这种“由外及内”的叙事结构，极大地拓宽了我对医疗体系的理解——它是一个由无数个高度专业化、环环相扣的流程构成的精密机器。我尤其被其中关于医护人员心理调适的章节所打动，他们如何在日复一日的高压、高风险环境中保持职业的敏感度和人性的温度，这比任何医学奇迹的描述都更具力量。这本书读起来，与其说是在了解一个行业，不如说是在重新审视现代社会分工协作的复杂性与脆弱性，它让我对那些我们习以为常却又至关重要的服务体系，产生了深深的感激与敬意。

评分☆☆☆☆☆

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评分☆☆☆☆☆

很不错的民间读物～～～