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张慧玲 著

图书标签:

• 色彩
• 静物
• 绘画
• 基础
• 教程
• 艺术
• 美术
• 素描
• 油画
• 水彩

店铺： 英敏图书专卖店

出版社： 中国纺织出版社

ISBN：9787518030460

商品编码：29580248676

包装：平装-胶订

开本：16

出版时间：2017-02-01

页数：56

字数：72000

内容介绍
《色彩静物基础教程》为美术基础学xi用书，从绘画的基本工具、用笔方式、对色彩的认识到简单静物的表现技*，内容基础详细，手把手教初学者如何画色彩静物。

目录
水粉画的工具与材料/02色彩基础知识/05 水粉画的常用笔*/06 水粉画易出现的问题/08 构图/10 《苹果》作画步骤/11 《梨》作画步骤/12 《橘子》作画步骤/13 《香蕉》作画步骤/14 《葡萄》作画步骤/15 《大白菜》作画步骤/18 《两个辣椒》作画步骤/20 《两个西红柿》作画步骤/21 《啤酒瓶》作画步骤/28 《可乐瓶》作画步骤/30水粉画的工具与材料/02 色彩基础知识/05 水粉画的常用笔*/06 水粉画易出现的问题/08 构图/10 《苹果》作画步骤/11 《梨》作画步骤/12 《橘子》作画步骤/13 《香蕉》作画步骤/14 《葡萄》作画步骤/15 《大白菜》作画步骤/18 《两个辣椒》作画步骤/20 《两个西红柿》作画步骤/21 《啤酒瓶》作画步骤/28 《可乐瓶》作画步骤/30 《不锈钢水杯和梨》作画步骤/34 《酒坛子》作画步骤/36 《青花瓷壶、红酒瓶与水果》作画步骤/44 《不锈钢热水壶、菜板与蔬菜》作画步骤/46 显示全部信息

《光影的奏鸣曲：油画写实技法深度探索》 内容简介： 这是一本为渴望在油画领域精进写实技艺的艺术家们量身打造的深度教程。本书不以“色彩静物”为起点，而是将目光聚焦于油画表现的更核心、更具挑战性的层面：光影的微妙变化及其在画面肌理、体积感和空间纵深塑造中的决定性作用。我们相信，掌握了光影的语言，便能赋予任何题材，无论是人物、风景还是静物，以生命与呼吸。 第一章：光与影的物理学解析 本章将深入剖析光线的本质及其与物体表面发生的互动。我们将从基础的光学原理出发，解释不同光源（如自然光、人造光）的特性，包括其强度、方向、色彩温度和散射程度。通过对这些物理特性的理解，艺术家将能更准确地捕捉和描绘光线在物体上的投影、反射和折射。 光源的类型与影响： 直射光： 模拟阳光的强烈照射，产生清晰锐利的阴影边缘和高对比度。我们将学习如何处理这种光线下物体表面的强烈明暗对比，以及边缘的锐利度变化。 漫射光： 模拟阴天或室内散射光源，产生柔和过渡的阴影和较低的对比度。我们将探讨如何表现这种光线下微妙的明暗变化，以及物体体积的柔和塑造。 混合光： 现实中常见的多光源混合，产生复杂的阴影叠加和色彩偏移。我们将分析如何识别和简化复杂的混合光，捕捉其微妙的色彩关系。 光线与材质的互动： 高光： 分析不同材质（金属、玻璃、陶瓷、织物）表面的高光特点，包括其形状、亮度、色彩和清晰度。我们将学习如何精确描绘不同材质的高光，以传达其物理属性。 暗部： 深入研究暗部并非绝对的黑暗，而是充满微妙色彩和环境反射的区域。我们将讲解如何观察并绘制暗部中的色彩倾向，以及如何运用环境色来丰富暗部层次。 反光： 重点讲解物体之间以及物体与周围环境之间的反光现象，这是营造画面真实感和空间感的关键。我们将通过实例演示，学习如何捕捉和表现不同色彩、不同亮度的反光。 阴影的形态与本质： 投影： 分析阴影的形状受光源方向、物体形态和表面纹理的影响。我们将学习如何准确绘制阴影的轮廓，以及阴影边缘的虚实变化。 自影： 阐述物体自身暗部的形体塑造，强调自影是体积感的重要组成部分。我们将研究如何通过自影来表现物体的起伏和凹凸。 第二章：明暗关系与体积的塑造 本章将聚焦于如何利用明暗对比来构建物体的三维实体感。我们将超越简单的“亮部”和“暗部”划分，进入对明暗过渡区域（灰部）的精细刻画，以及如何通过这些细微变化来表现材质的质感和物体的体积感。 明暗五调的精微运用： 亮部（高光）： 细致描绘最高亮度区域，其色彩和饱和度直接反映光源性质和材质本身。 亮灰部： 承接亮部，开始出现微妙的色彩变化和受光面的起伏。 灰部（中部明度）： 最具表现力的区域，是明暗过渡的桥梁，也是物体形体的主要表现区域。我们将学习如何在这个区域捕捉微妙的色彩和明度变化，以塑造体积。 暗灰部： 开始走向黑暗，受环境色的影响逐渐显现。 暗部（投影）： 最黑暗的区域，但绝非死黑，充满环境色的反射和细微的色彩变化。 刻画体积的四大要素： 明暗的分布： 合理的明暗分割是体积感的首要体现。 灰部过渡的细腻度： 柔滑或粗糙的灰部过渡直接决定了物体表面质感和圆润度。 反光的运用： 反光是连接不同明度区域的纽带，能有效增强物体的立体感。 环境色的融入： 环境色在暗部和灰部中的渗透，能使物体脱离画面，产生空间感。 不同材质的体积表现： 光滑表面的体积： 表现为柔和而连续的明暗过渡，高光清晰而具方向性。 粗糙表面的体积： 表现为明暗对比强烈，灰部过渡带有肌理感，阴影边缘模糊。 透明与半透明材质的体积： 重点表现其透光性、折射和内部光影的变化，营造出轻盈、剔透的质感。 第三章：色彩在光影中的变奏 本章将探讨色彩如何与光影交织，形成丰富的视觉效果。我们将从色温、色彩的冷暖对比、以及色彩在不同明度下的变化入手，深入理解色彩是如何被光影“染色”的，以及如何在画面中巧妙运用色彩来增强光影的感染力。 色温与色彩的冷暖感知： 暖光源与冷光源： 分析不同色温的光源如何影响物体表面的色彩倾向，例如黄昏时分的暖色调和阴天的冷色调。 环境色的影响： 讲解色彩是如何通过反射在物体表面相互影响的，尤其是在暗部。 色彩在明度梯度中的变化： 高光中的色彩： 高光通常会带有光源的色彩，同时可能因为材质而产生微妙的偏色。 灰部色彩的纯度与饱和度： 随着明度降低，色彩的饱和度和纯度通常会减弱，并逐渐受环境色影响。 暗部色彩的丰富性： 暗部并非单调的黑色或灰色，而是充满环境色、反光色以及材质本身颜色的复杂混合。我们将学习如何捕捉暗部中丰富的色彩信息。 色彩对比与光影的和谐： 冷暖对比的巧妙运用： 在受光面和背光面使用冷暖对比，可以增强画面的空间感和立体感。 互补色的运用： 在阴影区域加入少许互补色，可以使暗部更具色彩的深度和透明感。 色彩混合技巧在光影表现中的应用： 透明色与不透明色： 学习如何运用透明色和不透明色来表现不同层次的光影效果。 颜料的叠加与并置： 探索不同的颜料叠加和并置方式，如何塑造出光影的肌理和质感。 第四章：笔触、肌理与光影的表现力 本章将引导艺术家超越对形体和色彩的单纯模仿，开始探索油画媒介本身所能带来的表现力。我们将深入研究不同笔触、不同画刀技法如何能够直接传达光影的质感、力量和动态，从而让画面更具生命力。 笔触的性格与情绪： 短促、跳跃的笔触： 适合表现物体表面细碎的光斑、织物的褶皱或光源的跳跃感。 流畅、连贯的笔触： 适合表现光滑表面的明暗过渡、体积的圆润感或景物的远景。 厚涂、堆叠的笔触： 能够直接表现光影的厚重感、材质的粗粝感，甚至传达出一种力量感。 薄涂、罩染的笔触： 适合表现光影的微妙变化、色彩的通透感以及整体的和谐统一。 画刀技法的运用： 塑造硬朗的边缘： 画刀能够直接切出清晰锐利的阴影边缘，或表现金属等硬质材料的棱角。 制造粗犷的肌理： 画刀的刮擦和堆叠，能为画面带来丰富的肌理变化，模拟粗糙的表面质感。 表现高光与反射： 用画刀提亮高光区域，或制造出反射的锐利感。 肌理与光影的协同作用： 光影如何“雕刻”肌理： 学习观察光线如何在不同的肌理上产生不同的效果，例如粗糙表面上产生的细碎阴影，或光滑表面上清晰的高光。 肌理如何“引导”光影： 探讨如何通过预设的肌理来影响和引导光线的走向，从而强化画面的视觉焦点。 表现动态光影： 运动中的光影： 学习如何捕捉和表现风吹动树叶产生的闪烁光斑，或是水面晃动形成的光影变化。 时间性的光影： 通过笔触和色彩的变化，暗示一天中不同时间段的光影特征。 第五章：写实中的主观表达与画面营造 在掌握了光影的写实技法之后，本章将引导艺术家思考如何在写实的基础上融入个人的观察与感受，以及如何通过画面的整体构图、色彩安排和光影的运用，来营造特定的氛围和情绪。 观察与提炼： 选择性写实： 并非对所有细节都面面俱到，而是学会提炼画面中最重要的光影关系和体积特征。 夸张与强调： 在写实的基础上，可以适当地夸大某些光影对比或色彩关系，以增强画面的表现力。 构图中的光影安排： 引导视线： 利用明暗对比和色彩的走向来引导观者的视线，聚焦画面主体。 营造空间感： 通过远近景物光影的处理差异，以及虚实对比，来营造画面的空间深度。 突出主题： 将最强的光影对比或最丰富的色彩集中在画面的关键区域。 氛围与情绪的营造： 寂静与安详： 柔和的漫射光，细腻的灰部过渡，平和的色彩关系，可以营造宁静的氛围。 戏剧性与张力： 强烈的光影对比，锐利的阴影边缘，大胆的色彩运用，可以产生戏剧性的视觉冲击。 神秘与梦幻： 模糊的光影界限，朦胧的色彩，半透明的效果，可以营造神秘或梦幻的感受。 个体语言的探索： 超越模仿： 鼓励艺术家在遵循写实规律的同时，发展自己独特的观察方式和绘画风格。 情感的注入： 学习如何通过对光影、色彩和笔触的控制，将个人的情感和理解注入到画面之中。 本书旨在提供一个系统而深入的学习框架，通过对光影物理原理的透彻解析，对体积塑造的精微刻画，对色彩在光影中变奏的细致观察，以及对笔触肌理表现力的充分挖掘，最终帮助读者建立起一套独立而强大的油画写实技法体系。我们将鼓励您在实践中不断探索，最终能够用画笔捕捉并再现光影的万千变化，赋予作品以灵魂与生命。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和用纸质量堪称艺术书籍的典范。很多教程为了控制成本，采用的纸张反光严重，或者墨水洇色，导致我们无法准确判断书中的色彩示范效果，但《色彩静物基础教程》选用了哑光铜版纸，色彩还原度极高，即便是最微妙的灰调子也能清晰呈现。更绝的是，它在讲解过程中穿插了大量“常见错误分析”的版块，这一点真的太实用了！我过去画静物时，总是陷入饱和度过高或暗部死黑的误区，这本书就直接把这些“翻车现场”的范例拿出来，然后对比正确的处理方式，并用红色的箭头和批注指出关键的调整点。这种“反面教材”的教学方式，比单纯看“成功案例”来得更有效，它直接击中了我在学习过程中遇到的痛点，避免了许多不必要的弯路，让人感到非常贴心和解渴。

评分☆☆☆☆☆

这本《色彩静物基础教程》的装帧设计真是让人眼前一亮，封面采用了柔和的莫兰迪色系，搭配极简的字体排版，光是捧在手里就能感受到一种宁静而专业的艺术气息。我一直对静物写生有些畏惧，觉得色彩的调和与光影的捕捉太难拿捏，但翻开内页后，发现作者的讲解方式极其细腻和循序渐进。特别是关于“冷暖对比在塑造体积感中的作用”这一章节，不同于其他教材那种干巴巴的理论堆砌，作者用了很多非常直观的案例图，清晰地展示了同一物体在不同光照条件下的色彩变化。我特别喜欢书中对不同材质表现手法的对比分析，比如玻璃的反光、陶器的哑光质感，这些在实际创作中都是最容易暴露功底的细节，而书里不仅有步骤图，还有作者的笔触放大解析，让我感觉自己像是在大师的画室里上私教课一样，每翻一页都有新的领悟，迫不及待想拿起画笔去实践一番。

评分☆☆☆☆☆

作为一名工作了几年后才重新拾起画笔的业余爱好者，我深知“基础不牢，地动山摇”的道理，但市面上很多基础教程往往为了追求全面而显得泛泛而谈，要么只讲理论，要么只堆砌精美成品图。这本书最让我欣赏的一点，是它对“观察力训练”的重视程度远超乎我的预期。它没有急于教你如何调出某种特定的“高级灰”，而是花了大篇幅引导读者如何真正“看”待事物。例如，书中关于“环境色对物体固有色的影响”的讲解，不再是简单的“加入环境色”，而是通过对比不同背景下的同一苹果，详细拆解了色彩渗透、边缘光的变化轨迹，甚至配上了摄影学中的光线理论作为辅助理解。这种跨学科的视角，极大地拓宽了我对色彩的认知边界，让我意识到绘画不仅仅是手上的功夫，更是大脑对光影世界的理性分析与感性重构，读完这部分，感觉对光线的理解都有了质的飞跃。

评分☆☆☆☆☆

老实说，我买这本书之前，对“教程”这个词是抱有怀疑态度的，总觉得真正的高手是无法被“教程化”的。然而，这本书的作者似乎深谙现代学习者的焦虑感，他们没有试图把你变成另一个谁，而是提供了一套极其系统且富有逻辑性的工具箱。我特别关注了其中关于“复杂光线下多物体组合的色彩逻辑”的章节。以往我画两三个物体，总是觉得它们各自为战，画面松散，但这本书用极为清晰的透视关系图和色彩分组图，将复杂的组合拆解成了可控的单元。它不仅展示了主光源和次级光源对色彩的影响，还讨论了物体之间的相互投影和反弹光，理论深度足够支撑一个专业的学习者，同时图解的直观性又保证了初学者能跟上。这是一种平衡得恰到好处的深度与广度，让人感觉学习路径非常清晰和有效率。

评分☆☆☆☆☆

从一个长期从事设计行业的角度来看，这本书在色彩理论的“现代性”上也做得非常出色。它没有沉湎于传统油画的旧有体系，而是巧妙地融入了当代数字绘画和摄影领域对色彩的理解。例如，书中用到的色卡和色谱参考，明显更贴近我们日常接触的CMYK/RGB模式下的视觉感受，这对于想把静物训练应用到平面设计、UI设计等领域的读者来说，无疑是一大福音。我尤其欣赏作者在介绍“色调统一性”时，提出的“主导色块”概念，这帮助我跳出了“把每个物体画准”的思维定式，转而思考“如何让整个画面在色彩情感上达成一致”。这种从技法到审美的升华，使得这本书不仅仅是一本实操手册，更是一本关于如何构建和谐视觉语言的艺术论述，让人读完后，不仅手上功夫精进，对色彩的“品味”也得到了潜移默化的提升，物超所值。