美学史:从古希腊到当代 汉英对照 门罗 ·C.比厄斯利 高建平 译 英汉双语版 美学史 哲学书籍 高 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 高等教育出版社

ISBN：9787040491548

商品编码：27951748822

丛书名： 美学史-从古希腊到当代

出版时间：2018-04-01

基本信息

出版社: 高等教育出版社; 第1版 (2018年4月1日)

精装

ISBN: 9787040491548

条形码: 9787040491548

商品尺寸: 25 x 16.4 x 3.8 cm

商品重量: 1.22 Kg

《美学史：从古希腊到当代》 是一部系统梳理西方美学思想发展脉络的力作。本书以时间为轴，从古希腊先哲对美的初步探讨出发，一路追溯至当代美学理论的百花齐放，为读者构建了一幅宏大而精深的美学史图景。本书的独特之处在于其汉英对照的体例，旨在为中国读者提供一个直接接触原著思想、理解西方美学经典论述的窗口，同时也为英语读者提供深入了解中国学术界在美学研究方面贡献的机会。 开篇：古希腊的理性之光 本书的起点，回溯至人类文明的摇篮——古希腊。在这里，哲学与艺术的萌芽交织，关于美的思考也由此展开。柏拉图，这位伟大的哲学家，在他的对话录中，将美置于其理型论的宏伟框架之中。他认为，我们感官所能触及的各种具体的美的事物，都只是对那永恒不变的“美本身”的模仿和映照。真正的美，存在于理型世界，是纯粹的、理念的。因此，对美的追求，本质上是对真理的追寻，是灵魂的升华。柏拉图的美学思想，强调理性和超越性，将美与善、真紧密联系，奠定了西方美学早期理性主义的基调。 与柏拉图注重理念不同，亚里士多德则将目光投向了现实世界，关注艺术的生成和接受。他以现实主义的视角，分析了悲剧的构成要素，提出了“模仿”的理论，认为艺术是对现实生活的模仿，但这种模仿并非简单的复制，而是对现实的提炼和理想化。他强调艺术的“合目的性”和“整体性”，认为好的艺术作品应该具有内在的秩序和完整性。亚里士多德的美学，更注重作品的内在结构和艺术的社会功用，为后来的现实主义美学发展奠定了基础。 除了这两位巨擘，古希腊时期还有许多重要的思想家，如毕达哥拉斯学派对数的和谐与比例的研究，赫拉克利特对变化的辩证思考，都或多或少地触及了美的本质。本书将细致梳理这些早期思想，展现古希腊人对美的朴素而深刻的认知。 中世纪的信仰之翼 随着罗马帝国的衰落和基督教的兴起，西方美学在很大程度上受到了宗教思想的影响。中世纪的美学，不再是独立自主的哲学分支，而是深深地嵌入到神学体系之中。奥古斯丁，这位重要的教父哲学家，将美视为上帝的创造的体现。他认为，世界的美，源于上帝的完美秩序和和谐。美，是一种“神圣的光辉”，是对上帝的赞美。他继承了柏拉图的理念论，但将其与基督教的教义相结合，强调了美的精神属性和教会对艺术的指导作用。 托马斯·阿奎那，另一位伟大的中世纪哲学家，试图调和亚里士多德的哲学与基督教神学。他认为，美是一种“恰当的比例”和“清晰的光辉”，是事物“与其形式的和谐”。阿奎那的美学，既保留了对形式和秩序的关注，又将其赋予了宗教的意义，强调了美在启示上帝、提升灵魂方面的作用。 在中世纪，艺术的功能更多地是为了传播宗教教义，激发信徒的虔诚。教堂的建筑、雕塑、壁画，都是为了营造一种神圣的氛围，引导人们的目光投向天堂。本书将深入探讨这一时期美学思想的宗教化倾向，以及它对西方艺术风格产生的深远影响。 文艺复兴的理性复苏与人文曙光 文艺复兴时期，是西方思想史上一个伟大的转折点。古希腊罗马的经典文化被重新发现和推崇，人文主义思潮兴起，人们开始将目光从神界转向人自身。美学也随之复苏，并逐渐走向独立。 人文主义者们重新审视古希腊罗马的美学遗产，对古典艺术的和谐、比例、均衡产生了浓厚的兴趣。他们推崇模仿自然，认为自然是美的源泉，而艺术家则是自然的最忠实的模仿者。莱昂纳多·达·芬奇，这位集艺术家、科学家于一身的巨匠，对人体比例、透视学等进行了深入研究，他的艺术实践本身就是一种对美学理论的探索。 同时，学者们开始对艺术的独立性进行思考。阿尔伯蒂在他的《论绘画》中，将绘画视为一种科学和技艺，强调了艺术家的创造性和理性。他认为，艺术的价值在于其能够“模仿”和“表现”世界，并且能够给观者带来愉悦。 文艺复兴时期，艺术创作空前繁荣，涌现出许多不朽的杰作。本书将详细阐述这一时期美学思想的“复兴”特质，以及它如何为后来的启蒙运动奠定基础。 启蒙运动的理性与情感的交织 启蒙运动是西方思想史上的一个重要时期，理性主义思潮席卷整个欧洲。美学在这一时期也得到了极大的发展，出现了许多重要的美学理论和流派。 康德，是启蒙运动时期最伟大的哲学家之一，他的美学理论具有划时代的意义。在他看来，审美判断是“无利害的”、“普遍的”，并且是“必然的”。他区分了“美的”、“合意的”和“有用的”概念，强调了审美经验的独特性和自主性。康德认为，美是“形式的合目的性”，是一种“趣味判断”。他提出的“无目的的合目的性”这一概念，深刻地揭示了美的非功利性和超验性。同时，康德也探讨了“崇高”这一概念，将其与壮丽、无限的自然景观联系起来，展现了人类在面对宇宙浩渺时所产生的敬畏和惊叹。 与此同时，情感主义美学也开始兴起。卢梭强调情感在艺术中的重要性，认为艺术应该唤起人们的情感共鸣，表达个人的内心世界。他认为，自然的美是真挚的，而文明社会则压抑了人的情感，艺术应该回归自然，回归纯粹的情感。 启蒙运动时期的美学，在理性与情感之间进行了深刻的辩证思考，既强调了理性的秩序和结构，又肯定了情感的主观体验和表现力。本书将深入剖析康德、卢梭等人的美学思想，以及这一时期其他重要美学流派的发展。 浪漫主义的狂飙突进与个人主义的宣言 浪漫主义是对启蒙运动理性主义的反叛。它强调情感、想象、个性和创造力，将艺术视为表达个人内心世界和超越现实的途径。 浪漫主义美学，将艺术家的个人情感和体验置于核心地位。他们推崇天才的创造力，认为艺术是“天才的产物”，是不可模仿的。他们对自然也抱有特殊的感情，认为自然是激发灵感、寄托情感的场所。崇高、神秘、怪诞等元素在浪漫主义艺术中得到了广泛的运用。 德国唯心主义哲学家，如谢林，对浪漫主义美学产生了深远的影响。谢林认为，艺术是“绝对精神”的最高体现，是“对艺术的艺术”。他强调艺术的“创造性”和“无限性”，认为艺术家能够通过艺术创造出“神圣的”世界。 这一时期，文学、绘画、音乐等艺术形式都迎来了前所未有的繁荣。歌德、拜伦、雪莱等文学巨匠，德拉克洛瓦、特纳等画家，贝多芬、肖邦等音乐家，都用他们的作品诠释了浪漫主义的精神。本书将深入挖掘浪漫主义美学的核心特征，分析其对后世艺术产生的巨大影响。 十九世纪：现实主义、象征主义与艺术的独立 十九世纪是西方艺术发展的又一个高峰期。在浪漫主义之后，现实主义思潮逐渐兴起，艺术家们开始将目光转向日常生活，关注社会现实。 现实主义美学，强调客观、真实地描绘世界，关注普通人的生活和经历。库尔贝、米勒等画家，以其朴实无华的画风，展现了劳苦大众的生活面貌。巴尔扎克、福楼拜等作家，以其细腻的笔触，刻画了社会各阶层的人物命运。 然而，对现实的关注并非唯一的主流。象征主义美学也开始发展，艺术家们试图通过象征性的意象，表达内心深处的感受和对精神世界的探索。波德莱尔、马拉美等诗人，以其晦涩、神秘的诗歌，开创了象征主义的新篇章。 同时，艺术独立性的呼声也越来越高。艺术家们开始追求“为艺术而艺术”的理念，将艺术的价值视为其自身的完美，而非外部的道德或功利目的。波德莱尔的“唯美主义”便是其中的代表。 二十世纪至今：现代主义的多元探索与后现代的解构 二十世纪是西方美学史上一个充满变革和多元的时期。两次世界大战、科技的飞速发展、社会结构的剧烈变化，都对美学思想产生了深刻的影响。 现代主义艺术，是对传统的一次彻底颠覆。从印象派、表现主义、立体主义，到超现实主义，各种流派层出不穷，艺术家们不断探索新的表现形式和艺术语言。他们质疑传统的价值观念，强调主观的感受和形式的创新。 哲学领域，现象学、存在主义、结构主义、后结构主义等思潮，也为美学研究提供了新的视角。海德格尔对“诗意地栖居”的探讨，萨特对“自由”和“选择”的强调，福柯对权力与知识的批判，都对我们理解艺术和美产生了重要影响。 后现代主义，更是对现代主义的进一步解构。它质疑宏大叙事，强调多元、碎片化和反讽。艺术创作打破了界限，跨越了媒介，融合了不同的风格和文化元素。 本书将重点介绍二十世纪至今，西方美学领域涌现出的各种重要思潮和理论，包括艺术的本质、艺术与社会的关系、审美经验的多元性、大众文化的美学意义等。从克莱夫·贝尔的“有意味的形式”到罗兰·巴特的“作者之死”，再到鲍德里亚的“拟像”理论，本书将带领读者穿越当代美学最前沿的思想 landscape。 结语：跨越时空的对话 《美学史：从古希腊到当代》通过其精心策划的汉英对照体例，不仅为读者呈现了一部系统性的美学史，更搭建了一个跨越语言和文化的对话平台。每一次阅读，都是一次与古今中外思想家的灵魂对话，一次对人类文明中关于“美”这一永恒命题的深入探究。本书的价值，不仅在于其知识的传递，更在于其启迪思考、拓宽视野的能力。它将帮助读者更深刻地理解艺术的魅力，更理性地审视身边的世界，更自觉地探索自身对美的感受和追求。

评分☆☆☆☆☆

从一个更偏向于学习工具的角度来看，汉英双语版的设置，无疑极大地拓展了这本书的使用场景。对于正在攻读相关专业的学生来说，这简直是不可多得的宝藏。他们不仅可以通过中文理解核心观点，更可以直接对照英文原文，训练自己的专业词汇积累和文献阅读能力，这在未来的学术生涯中将是至关重要的技能。想象一下，当你在课堂上遇到一个晦涩难懂的英文术语时，可以迅速翻阅身边的中文译文寻求启发，这种即时反馈机制极大地降低了学习的门槛，同时又保持了对原著的尊重。这种精心设计的双语对照，体现了编者对不同层次读者的同理心，让这部宏大的美学史著作，从高高在上的学术殿堂中走下来，真正服务于每一位渴望知识的求知者。

评分☆☆☆☆☆

作为一名长期关注哲学思潮的业余爱好者，我对译文的质量有着近乎苛刻的要求。很多学术著作的译本，往往在追求字面准确性的同时，牺牲了原文的韵味和哲学家的内在逻辑推进的节奏感，读起来生硬晦涩，仿佛隔着一层厚厚的玻璃在观察思想的流动。因此，我非常期待这部译本能够展现出译者深厚的文学功底和对西方哲学史的深刻理解。特别是涉及到如“形式”、“本质”、“审美判断”这类核心概念时，译者如何选择最贴切且最能传达原意的中文词汇，而非简单的直译，这一点至关重要。如果译者能够成功地“再创造”出一种既忠实于原文精神又符合现代汉语阅读习惯的学术语言，那么这本书的价值将得到几何级的提升，它将真正成为一座沟通两种伟大文明思想的桥梁，而非仅仅是一本工具书。

评分☆☆☆☆☆

这本书的厚度本身就带来了一种心理上的压迫感，但这种压迫感恰恰是深度研究者所需要的“安全感”。它暗示着内容覆盖的全面性，避免了许多导论性读物常有的“蜻蜓点水”之弊。我特别期待它在处理一些容易引起争议的理论流派时所采取的立场。比如，在谈到浪漫主义美学对理性主义的反叛时，作者如何平衡描述客观事实与提供批判性分析？在涉及二十世纪先锋艺术的爆炸性发展时，作者能否提供一个足够有力的理论框架来容纳那些看似“反美学”的创作实践，从而使得整个美学史的叙事在面对现代性挑战时，依然保持其逻辑的自洽和深邃的洞察力。这种平衡艺术描述的趣味性和哲学思辨的严谨性，是衡量一部优秀美学史著作的关键标准。

评分☆☆☆☆☆

初读此书的章节目录时，我的内心涌起了一种对知识疆域被完整勾勒的敬畏感。它似乎不是简单地罗列历史事件和哲学家观点，而是在试图构建一条清晰、有机的思想长河的脉络。从古希腊那群以苏格拉底、柏拉图为代表的奠基者，到中世纪的沉寂与过渡，再到文艺复兴的勃发，直至康德、黑格尔等巨匠对美学范畴的系统性构建，最后到达现代社会对艺术本质的解构与重塑，这种时间维度的跨度要求作者必须具备极强的宏观驾驭能力。我尤其关注它如何处理不同文化背景下“美”的定义的演变，比如东方与西方的美学观在历史的某个节点上是否有过交汇或平行的发展轨迹，书中是否能提供令人信服的论据来支撑这种宏大叙事的连贯性。这不仅仅是学习历史，更像是对人类心智结构不断演化的探秘之旅。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，拿到手里就能感受到那种沉甸甸的学术分量。封面设计简洁而不失格调，那种留白的处理方式，透露出一种内敛的古典美学意味，与书名所涵盖的广阔历史视角形成了绝妙的呼应。纸张的质感也相当考究，触感细腻，即便是长时间阅读，眼睛也不会感到过于疲劳。更值得称赞的是，汉英对照的排版处理得非常巧妙，两栏文字的间距和字体大小拿捏得恰到好处，使得在进行双语对照阅读时，视线可以非常流畅地在两种语言间切换，这对于我们这些希望深入理解原文精髓，同时又依赖译文辅助理解的读者来说，简直是福音。译者的名字赫然在列，这本身就是一种质量的保证，让人对翻译的准确性和流畅性抱有极高的期待。整体而言，从物理层面讲，它就不仅仅是一本书，更像是一件值得收藏的艺术品，体现了出版方对知识载体的尊重。这种对细节的打磨，无疑为接下来的深度阅读奠定了坚实而愉悦的基础。