原动画基础教程：动画人的生存手册（经典版 第2版） [Animator's Survival Kit] pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[英] 威廉姆斯 著，邓晓娥 译

图书标签:

• 动画
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• 动画技法
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出版社： 中国青年出版社

ISBN：9787500666332

版次：2

商品编码：11175108

包装：平装

外文名称：Animator's Survival Kit

开本：16开

出版时间：2011-01-01

用纸：胶版纸

页数：379

正文语种：中文

编辑推荐

　　

　　《原动画基础教程：动画人的生存手册（经典版）（第2版）》是国际动画基础教材的品牌，已被全球多家动画院校列为指定教材。本书在国内也备受推崇，多所院校已将本书英文版作为内部教材使用。为满足国内动画教育发展的需要，中青社将其作为艺术教材的重点出版项目，引进并翻译出版了本书的中文版。

内容简介

　　

　　《原动画基础教程：动画人的生存手册（经典版）（第2版）》是国际动画基础教材的品牌，已被全球多家动画院校列为指定教材。本书在国内也备受推崇，多所院校已将本书英文版作为内部教材使用。为满足国内动画教育发展的需要，中青社将其作为艺术教材的重点出版项目，引进并翻译出版了本书的中文版。

作者简介

　　《原动画基础教程：动画人的生存手册（经典版 第2版）》由曾获奥斯卡奖的迪斯尼著名动画导演理查德·威廉姆斯编著，是一本深入解析动画绘制技巧的动画教材。《原动画基础教程：动画人的生存手册（经典版 第2版）》深入讲解了以迪斯尼为代表的西方经典动画的创作原则、制作规律及表现技巧，是迪斯尼动画几十年制作经验和表现技巧的系统总结。作者以动画人特有的诙谐、幽默的叙述方式，配合生动的插画图例，将动画绘制中的难点轻松化解，令人茅塞顿开。

内页插图

目录

为何要写此书
动画简史
是画画的时候了
一切都在于时间点（Timing）和空间幅度（Spacing）
第一课
回到1940年
标尺（Chart）和中间画（Inbetween）的演变
原画和小原画（Breakdown）
关键张
三种动画方式
测试测试再测试
摄影表（X-sheet）
你是一个热衷K·I·S·S的人吗？
黎明的到来
最佳标号方式
一拍一与一拍二之争
结论
上定位和下定位之争
再述空间幅度
经典的中间画错误
注意你画的弧线
在整体中产生更多的动作
拉长的中间画
初学者易犯的错误
“潦草”方式
给助手留多少工作
走漫长的捷径
行走
掌握重量
设定节奏
过渡位置／小原画
两种设计走路的方式
双反弹
自如一点
进一步变换走路姿势
只有尝试才知道结果
脚后跟
脚部动作
正常走路的空间幅度
重心改变
腰线
手臂动作
反作用
窍门
蹑手蹑脚
颠起脚尖的蹑手蹑脚
跑跳蹦
4张画模式的跑步
3张画模式的跑步
2张画模式的跑步
处方
蹦
跳
……

好的，这是一份不包含《原动画基础教程：动画人的生存手册（经典版 第2版）》内容的图书简介，力求详尽、自然： --- 《光影的秘密：电影摄影与视觉叙事的深度解析》 内容提要 本书并非一本关于传统动画制作技法的指导手册，而是聚焦于电影视听语言的核心——摄影、灯光与画面构图在叙事中所扮演的决定性角色。我们探讨的是如何“观看”并“塑造”图像，如何通过镜头运动、光影的明暗对比以及色彩的心理暗示，来引导观众的情感走向，从而构建一个完整且富有张力的视觉世界。 本书的核心关注点在于视觉叙事的构建，深入剖析了从经典好莱坞时代到当代独立电影的视觉风格演变，并试图揭示那些杰出摄影师（Director of Photography, DP）如何在技术框架内实现艺术表达。我们不教授具体的软件操作或绘制技巧，而是深入探讨意图与效果之间的转化过程。 第一部分：镜头的语言——捕捉瞬间的艺术 本部分将镜头视为叙事的延伸，探讨不同焦距、光圈和景深如何影响观众对场景的感知。 透视与情感投射： 我们将详细分析广角镜头如何放大空间感和疏离感，而长焦镜头如何压缩空间，营造压迫或亲密。这不仅仅是光学原理的介绍，而是如何利用这些光学特性来强化角色的心理状态。例如，在惊悚片中如何利用极浅的景深将焦点完全集中于人物的微小表情变化上，从而制造紧张感。 运动的节奏： 从平稳的推拉摇移到复杂的斯坦尼康（Steadicam）和无人机（Drone）运动，每一帧移动都承载着信息。本章会分析运动如何引导叙事节奏——快速的跟随镜头代表危机或追逐，而缓慢的环绕镜头则常用于展示环境的压迫性或角色的沉思。我们特别讨论了“不稳定的镜头”在后现代电影叙事中的作用，它如何打破观众的舒适区，暗示叙事的不确定性。 构图的底层逻辑： 告别僵硬的“三分法”，我们深入研究了黄金分割、负空间（Negative Space）的运用，以及如何通过对角线和垂直线的布局来暗示权力结构和冲突。视觉上，人物在画面中的位置不仅仅是装饰，它是权力关系、角色意图和命运走向的无声宣告。 第二部分：光影的魔法——雕刻场景的灵魂 光线是摄影的本质。本部分将光线视为一种雕塑工具，探讨如何通过对光的控制来定义时间、地点和氛围。 三点布光之外的哲学： 基础的三点布光（主光、辅光、轮廓光）只是起点。我们着重探讨高调（High-Key）和低调（Low-Key）照明在心理学上的应用。高调照明如何暗示纯洁或虚假的安全感，而低调照明（如伦勃朗光、蝴蝶光）如何戏剧性地揭示角色的内在矛盾。 自然光与时间流逝： 电影是对时间的记录和重塑。本章关注如何模仿和操纵自然光——黎明、正午和黄昏的光线特征。例如，如何通过调整色温和光线的角度来精确传达一个场景发生在“雨后十分钟”还是“即将日落的前五分钟”。 色彩心理学与滤镜的应用： 颜色不仅仅是装饰，它是情绪的标签。我们将分析不同色系（冷色调、暖色调）在不同文化语境中的情感联想，并讨论如何使用物理滤镜或后期调色来强化或颠覆这些联想。例如，高饱和度的红色在特定情境下可以代表激情，在另一情境下则可能象征暴力或警报。 第三部分：环境的构建——空间、设计与摄影的交汇 电影场景是多方元素共同作用的结果。本部分探讨摄影如何与美术设计、服装和道具形成一个统一的视觉语言系统。 景深与环境叙事： 当背景清晰可见时，观众的注意力会分散到场景的每一个角落。我们分析如何利用“深景深”（Deep Focus）来暴露环境信息，迫使观众自己去解读角色与周围环境的复杂关系，这在奥逊·威尔斯的作品中尤为突出。 舞台化与写实主义的平衡： 探讨了在需要高度程式化的视觉效果（如歌舞片或特定类型的科幻片）中，摄影师如何与美术部门合作，创造一个既超脱现实又具有内部逻辑的“舞台”。同时，也对比了追求纪实感的摄影风格，如何在手持摄影和自然光处理上做出让步。 目标读者 本书面向对电影艺术有深入探索欲望的电影专业学生、希望提升叙事技巧的独立电影制作人、资深影迷，以及所有对“画面如何说话”这一主题感兴趣的视觉艺术从业者。它假设读者已经了解一些基础的电影术语，致力于将读者的理解从“看电影”提升到“解构电影”的层次。 总结 《光影的秘密》旨在提供一套系统的视觉分析框架，帮助从业者和爱好者超越对技术参数的迷恋，真正理解光线、运动和构图如何共同协作，成为电影故事中最高效、最隐秘的讲述者。它是一本关于如何有效传递意图的指南，而非关于如何操作器材的说明书。 ---

评分☆☆☆☆☆

这本书的实战价值简直是教科书级别的，我必须承认，一开始我还在怀疑，这种号称“经典”的教程，会不会因为时代发展而显得有些过时？毕竟现在的数字工具日新月异，很多过去需要耗费大量人工才能实现的效果，现在只需要点几下鼠标就能搞定。然而，深入阅读后我才明白，作者讨论的那些核心原理，比如时间、空间、速度的控制，以及如何塑造角色的个性化动作语言，这些是无论技术如何进步都不会改变的“动画的灵魂”。我特别喜欢它对于“表演性”的讲解，它不仅仅停留在帧数的计算上，更深入探讨了如何在动作中融入情绪的递进和隐藏的意图。举个例子，书中对于“躲避一个物体”的分解，不仅仅是简单的后仰和闪躲，而是加入了一个角色对危险的瞬间判断、肌肉的瞬间收紧，以及随后放松的过程。我尝试将这些分解步骤应用到我最近的一个短片项目中，结果角色的反应立刻变得生动了许多，那种“思考”的过程被清晰地呈现在了观众面前，而不是一个机械的反应链。这本书就像是一位耐心、但要求极高的导师站在你身后，他不会直接帮你画出那一帧，但他会精准地指出你当前动作的物理缺陷和情感缺失点，迫使你去独立思考如何矫正。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构编排，虽然从整体上看非常系统，但对初学者来说，可能需要极强的毅力才能坚持下来。它的章节划分非常严谨，像是一份严密的课程大纲，从最基础的“时间控制”到复杂的“场景调度”，层层递进，毫不跳跃。我个人感觉，它更适合已经有一些动画制作经验，但想要系统性提升“动画语言”的进阶人士。对于完全的新人来说，可能有些概念会显得过于抽象，因为很多讨论是建立在对“时间”和“空间”有初步理解之上的。例如，当作者提到某种特定速率的摆动如何体现角色的“犹豫不决”时，如果没有前期对时间曲线的基本认识，光靠文字描述是很难在脑海中形成清晰画面的。我花了很多时间去对照书中的描述和自己过去的作品进行对比分析，从中发现了我过去在处理动作“收尾”部分常常草率收场的问题。这本书的价值在于，它提供了一个统一的、可以量化的评估标准，让你不再凭感觉去判断自己的动画是“好”还是“不好”，而是可以基于这些清晰的原则进行自我审视和修正。

评分☆☆☆☆☆

这本厚厚的书摆在桌上，光是看着封面就感觉一股扎实的学院派气息扑面而来，像是一本武林秘籍，只不过里面记载的不是打斗招式，而是如何让一个角色活起来的奥秘。我抱着一种朝圣的心态翻开了它，希望能从中汲取到一些能立刻应用到我的动画制作中的真知灼见。坦白说，一开始阅读的过程有些枯燥，因为它不像是那种充满花哨插图和俏皮话的“快速入门指南”，而是非常系统和严谨地从最基本的原理讲起，比如重力、重量感、以及动作的节奏。那种感觉就像是重新上了一遍大学的基础课，每一个概念都被拆解得极其细致，需要你静下心来，甚至需要反复研读才能真正领会其中的深意。我记得有一次，我试图快速浏览关于“预备动作”的那一章，结果发现自己漏掉了作者强调的一个关于“能量传递”的小细节，回过头重新看，才意识到这个看似微小的环节，恰恰是决定动作是否自然流畅的关键所在。这本书的厉害之处就在于，它不满足于告诉你“该怎么做”，更深层次地，它在解释“为什么这么做才是对的”。它强迫你跳出只会模仿的怪圈，开始用一种更科学、更符合物理规律的方式去构建角色的每一个微小运动。对于一个已经摸索了几年动画制作的“自学者”来说，这种自上而下的、结构化的知识灌输，无疑是及时雨，它填补了我过去几年里那些模糊不清、仅凭感觉操作的知识盲区，让我的“动画直觉”建立在了更坚实的地基之上。

评分☆☆☆☆☆

说实话，这本书的厚度本身就是一种威慑力，它不像市面上那些薄薄的“速成宝典”，它更像是一份需要你投入时间与心智去“攻克”的专业著作。它的语言风格是那种非常克制、严谨的学术风格，很少使用俚语或者过分口语化的表达，这使得内容本身具有极强的普适性和长久生命力。我在阅读过程中最大的收获，是关于“弧线运动”的精妙阐述。作者用大量的篇幅，甚至可以说是“啰嗦”地，去解释为什么所有的自然运动都倾向于弧线，以及如何利用不同程度的弧度变化来增强动作的张力和情感表达。这让我意识到，我过去动画中“僵硬感”的根源，就是因为过分依赖直线运动的分解。这本书的伟大之处在于，它将这些看似不言自明的物理规律，系统地整理成一套可供参考和实践的动画工具箱。每当我遇到一个棘手的动作难题时，我都会翻回到相关的章节重新温习一遍，总能从中找到解决问题的切入点，这种反复查阅和应用的经历，让我对这本书的价值有了更深层次的认同。

评分☆☆☆☆☆

阅读体验上，这书的内容密度非常高，每一页都塞满了干货，读起来绝对不是一种轻松的休闲活动，更像是一种高强度的脑力训练。我通常需要配合我的绘图板和一些参考视频才能勉强跟上作者的思路。最让我印象深刻的是关于“物体运动”和“角色形体表现”之间的关系论述。作者花费了大量的篇幅来阐述如何让一个虚拟的物体，比如一个球、一块布料，甚至是一团烟雾，展现出它本身的物理特性，这直接关系到角色与其环境的互动是否可信。我过去总觉得动画的重点是角色，环境和道具只是陪衬，但这本书彻底颠覆了我的这种片面认知。它告诉我，一个好的动画师必须首先是一个好的物理观察者和解剖学家，你得清楚地知道一个失去平衡的人的重心是如何转移的，一个被风吹起的塑料袋的“飘”和一根羽毛的“飘”在运动规律上有着本质的区别。我甚至因此停下了手头的工作，专门去观察了一整天的不同材质在不同环境下的运动表现，这种对现实的重新审视，为我后续的动画创作带来了全新的视角，这种“回到源头”的学习方法，是许多快餐式教程绝对给不了的。

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听说很不错，于是就买了，看了下内容确实如此

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特别好，特别好，真的特别好啊！特别好，特别好，真的特别好啊！特别好，特别好，真的特别好啊！特别好，特别好，真的特别好啊！

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为了拿京豆，拼了啊！同志们，书要买，支持京东！

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特别好的书，正版，动画师必看！

评分☆☆☆☆☆

买回来准备学学动画基础的！

评分☆☆☆☆☆

书的质量很好，介绍全面，名家编制，通俗易懂。

评分☆☆☆☆☆

经典教程，必须入一本：）

评分☆☆☆☆☆

实用性强，启发兴趣，很好

评分☆☆☆☆☆

例子比较多，逻辑弱，像一个大师随性道来动画的基础和诀窍。