艺术美学导论（第2版） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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张黔，吕静平 著

图书标签:

• 艺术学
• 美学
• 艺术史
• 艺术理论
• 审美学
• 艺术批评
• 西方美学
• 艺术哲学
• 艺术入门
• 高等教育

出版社： 北京大学出版社

ISBN：9787301271346

版次：2

商品编码：11962428

包装：平装

丛书名： 21世纪全国高等院校艺术与设计系列丛书

开本：16开

出版时间：2016-06-01

用纸：胶版纸

页数：264

字数：387000

正文语种：中文（简体）

编辑推荐

　　本书既可用作高等艺术院校的艺术美学课程的教材，也可作为艺术概论课程的辅助教材，还可作为艺术学各专业研究生的理论读物。

内容简介

　　本书探讨了艺术美学中的基本问题。本书共包括8 部分内容：绪论部分对艺术美学和学科定位及研究对象进行了规定；第一章对艺术美学和艺术美的历史发展作了概略性的梳理，将艺术美学的发展分为伦理学的、认识论的、独立形态的三个阶段；第二章将艺术美的发展分为原始的、近代的、现代的和当代的四个阶段。第三章至第五章对艺术美学核心——艺术美的本质、特征和规律进行了设能次的探讨与研究。以此为基础，提出了对艺术美的基本看法：艺术美是让非功利主体获得自我确证的人为性虚拟世界。第六、第七章探讨了艺术美的西方形态和中国形态，西方形态包括崇高、优美和滑稽，中国形态则围绕着气韵展开。
　　本书的编写理论联系实际，图文并茂，便于读者更好地理解和掌握其中内容。

作者简介

张黔，武汉理工大学艺术与设计学院教授、硕士生、博士生导师，主要从事艺术美学、设计艺术史论、美术史论的教学与研究.

目录

绪 论 艺术美学的学科定位
第一章 艺术美学的历史发展
第二章 艺术美的发展
第三章 艺术美的本质
第四章 艺术美的特征
第五章 艺术美的规律
第六章 艺术美的西方形态
第七章 艺术美的中国形态——气韵

前言/序言

穿越历史的视觉盛宴：一部探寻人类审美观念变迁的宏伟画卷 书名： 视觉的变奏：从洞穴壁画到数字时代的审美演进 作者： [此处可填入虚构的权威学者姓名，如：塞缪尔·A·范德维尔德] 出版社： [此处可填入虚构的知名学术出版社，如：普罗米修斯文化与艺术研究社] --- 导言：当眼睛开始提问 人类文明的发展史，在很大程度上，就是一部人类审美意识不断深化、拓展的历史。我们如何看待世界？我们认为什么是“美”？这些看似哲学层面的问题，却在艺术的实践中找到了最直接的回响。 《视觉的变奏》并非一部简单的艺术史编年史，它更像是一次对人类“看”的方式的深度剖析。本书旨在梳理自史前人类的首次岩壁涂鸦，至信息爆炸的当代数字界面，审美观念是如何如同潮汐般起落、交织、重塑的。它着重探讨的，是驱动这些变化的社会结构、哲学思潮、技术革新，以及它们如何共同塑造了我们对“可感知性”的定义。 本书将超越传统艺术学科的边界，融合考古学、符号学、认知科学和媒介理论，为读者提供一个多维度的透镜，用以审视人类审美经验的复杂性与连续性。 --- 第一部分：原初的凝视与神圣的构图（史前至古典时期） 第一章：时间的裂缝：狩猎的仪式与洞穴的光影 本部分始于人类最原始的视觉表达——旧石器时代的洞穴壁画。我们不再仅仅关注《拉斯科》或《阿尔塔米拉》的技巧，而是深入探究其功能：这些图像是叙事、是巫术、是与自然界达成契约的媒介。审美在此阶段，与生存、宗教密不可分。线条的力度、动物的动态捕捉，体现了早期人类对生命力的具象崇拜。 第二章：秩序与永恒：埃及的比例与希腊的理想 从北非的尼罗河畔到爱琴海的岛屿，审美从对“力量”的模拟转向对“完美”的追求。埃及艺术的恒定性（Canon）揭示了一种对永恒秩序的恪守，等级制度决定了形象的尺寸与位置。 随后，焦点转向古希腊。柏拉图的“理念论”如何渗透到雕塑的黄金分割中？本书详细分析了从古风时期的僵硬到古典盛期的“动态平衡”，以及希腊人对“有节制的理性之美”的执着。这是一种基于数学、几何的、可量化的美学标准。罗马人则将这种理想继承并转向了实用性与权力象征，开创了肖像艺术的先河。 第三章：叙事的载体：拜占庭的金色光芒与中世纪的象征迷宫 西方世界进入中世纪，视觉中心转向了宗教。本书强调，此阶段的“美”不再关乎模仿自然，而是关乎启示性。拜占庭的圣像画中，人物形体被拉长、背景被完全的金色取代，这并非艺术家技艺不精，而是有意为之——金色代表天堂的永恒光芒，二维平面是通往超越性现实的门户。中世纪的哥特式大教堂，则是一部光线与石材构筑的“未受教者的圣经”，复杂的花窗玻璃引导着信徒的视觉，达成一种沉浸式的精神体验。 --- 第二部分：人文的回响与技术的解放（文艺复兴至浪漫主义） 第四章：透视的革命与人体的赞歌：文艺复兴的觉醒 文艺复兴是审美史上的一次巨大转向。本书将透视法（Perspective）视为一种技术对世界观的重塑，它将观察者（即人类主体）置于宇宙的中心。达芬奇的科学观察、米开朗基罗对人体潜能的挖掘，标志着审美主体性（Aesthetic Subjectivity）的初步确立。“人是万物的尺度”的理念，在画布上获得了最直观的体现。 第五章：巴洛克的激情与洛可可的私语 17世纪的巴洛克艺术，是对宗教改革和科学革命带来的不确定性的感性回应。卡拉瓦乔的“明暗对比法”（Tenebrism）如何营造戏剧张力？贝尼尼的雕塑如何捕捉动作的最高潮？本书认为，巴洛克的美学是对情感的极致调动与宏大叙事的偏好。随后，洛可可风格的兴起，则体现了审美重心从宫廷的公共权力转向贵族的私密享乐，轻盈、柔和、装饰性成为新的标准。 第六章：崇高与自然的敬畏：浪漫主义对感官的回归 启蒙运动对理性的过度强调，在18世纪末引发了审美上的反动——浪漫主义。康德的“崇高”（The Sublime）理论被置于核心位置：当面对无垠的海洋、险峻的山峰时，人类的理性感到自身的渺小，却因此体验到精神的扩张。浪漫主义的美学，不再是寻求和谐与平衡，而是拥抱激情、异域、非理性，这为现代艺术的爆发埋下了伏笔。 --- 第三部分：现代性的碎片与后现代的解构（19世纪至今） 第七章：光影、速度与印象的捕捉：现代性的开端 19世纪中叶，工业革命、摄影术的发明，对“模仿”构成了根本性的挑战。当相机能够瞬间捕捉现实时，绘画的使命是什么？本书详细考察了印象派如何将目光从“描绘物体”转向“描绘光线与瞬间的视觉感受”。随后，后印象派的塞尚对几何结构的重构，以及梵高对色彩的心理运用，直接导致了艺术本体论的转移——艺术不再是关于“它看起来是什么”，而是关于“它如何被感知与构建”。 第八章：形式的解放与纯粹的视觉实验 20世纪初的现代主义浪潮，是一场对既有视觉语法的彻底颠覆。立体主义如何打破单点透视？抽象表现主义如何将画布变成行动的场域？本书深入分析了野兽派的色彩自主性、构成主义对功能性的追求，以及抽象艺术如何将审美体验推向纯粹的形式与媒介自身。艺术终于摆脱了对外部世界的责任，转向对自身语言的探索。 第九章：复制时代的幻象与图像的饱和：后现代的语境 进入后半个世纪，大众媒体与消费主义的崛起，使艺术品进入了“可复制性”的时代。波普艺术对日常符号的挪用，挑战了艺术与生活的界限。本书聚焦于解构主义和概念艺术，它们质疑了原作的“光环”与艺术家的“权威性”。在当代，随着数字技术和虚拟现实的介入，“真实”与“摹本”的界限彻底模糊。审美经验不再是线性的、深度的，而是碎片化的、平面的、交互式的。我们正处于一个符号不断循环、意义不断被重新编码的视觉奇点。 --- 结语：未完待续的视觉对话 《视觉的变奏》的最终目的，是提供一种批判性的工具，使读者能够有意识地参与到人类的审美对话中。从洞穴的昏暗到屏幕的亮光，我们对“美”的定义，始终是时代精神的投影。我们今天的凝视，必将成为未来历史学家解读我们这个时代的独特密码。本书在历史的长河中停下脚步，期待读者带着新的眼光，继续这场永恒的视觉变奏。

评分☆☆☆☆☆

对于我这个初学者来说，最大的挑战往往在于那些高度抽象的哲学概念，但这本书在处理难度较高的理论时，表现出了惊人的耐心和清晰度。作者运用了大量的类比和生活化的例子来阐释晦涩的术语，比如解释现象学美学时，它会联系到我们日常生活中观看一件雕塑时的身体反应和心理投射，这种“身体在场”的解读方式，瞬间将抽象的理论拉回了具体的感官经验。此外，书中对术语的定义也做到了精准和多维，同一概念在不同语境下的细微差别都被标注出来，避免了读者在阅读原著或后续文献时产生混淆。这种严谨又不失温度的讲解风格，让我感觉自己不是在被动接受知识，而是在一位经验丰富的导师的带领下，进行一次深入浅出的智力探险。

评分☆☆☆☆☆

这本书的学术贡献和深度是毋庸置疑的，但更让我印象深刻的是它在内容更新上的与时俱进。不同于许多经典教材常年不变的旧版内容，这第二版显然吸纳了近十年来艺术理论界的新发展和新挑战。它没有回避数字艺术、虚拟现实、以及全球化背景下文化挪用等前沿议题，而是将其巧妙地嵌入到既有的美学框架中进行审视。例如，关于“原作性”的讨论，已经不再局限于机械复制时代的福特，而是延伸到了NFT和生成式艺术领域，这显示出编纂团队对学科前沿的敏锐捕捉力。这种能将古典理论与当代实践无缝衔接的能力，确保了这本书在快速变化的艺术生态中依然保持其作为“导论”的权威性和实用性。

评分☆☆☆☆☆

阅读这本书的过程，对我个人审美的重塑起到了潜移默化的作用。我发现自己开始对日常生活中接触到的设计、光影、甚至声音的组织方式都变得更加敏感和挑剔。例如，在读到关于“形式追随功能”与“纯粹形式”的争论时，我走出图书馆，立刻注意到身边建筑立面的比例和材料选择，开始思考它们背后隐藏的审美意图。这本书并未直接告诉我“什么是好的艺术”，而是提供了一整套分析和批判的工具箱，让我学会了提问：为什么是这样？它在试图告诉我什么？这种启发式的学习体验，远比被动接受结论来得更有价值。它培养的不是一种固定的品味，而是一种持续探索和自我修正的能力，这才是真正的美学教育所在。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是让我眼前一亮，封面那种低调的哑光质感，搭配上烫金的标题字体，透露着一种沉稳而又不失格调的艺术气息。拿到手里的时候，分量感十足，明显感觉到出版社在纸张和印刷工艺上的用心。内页的排版也相当考究，字体大小和行间距的处理非常舒适，即使长时间阅读也不会感到视觉疲劳。我特别欣赏它在视觉呈现上的克制，没有那种为了“花哨”而堆砌的图片，而是精选了一些关键的艺术品图像，并保证了色彩还原度的准确性，这对于一本理论性的书籍来说至关重要。尤其是一些古典画作的局部放大处理，能让人细致入微地观察到笔触的肌理，这种对细节的尊重，让我觉得作者和编辑团队对“美学”二字有着深刻的理解，不仅仅停留在理论层面，更延伸到了实体产品的制作层面。翻阅过程中，能明显感受到这本教材的设计思路是面向实际阅读体验的，而不是仅仅为了应付教学大纲。

评分☆☆☆☆☆

这本书的章节结构安排得极其巧妙，它没有采取那种孤立地划分流派或时期的传统叙事方式，而是构建了一个更加流动的知识网络。开篇部分对“什么是美”的探讨，就展现出一种宏大而又富有穿透力的视野，它并没有急于给出标准答案，而是引导读者去追溯美学思想在不同历史阶段的演变逻辑。我尤其喜欢它在不同理论体系之间建立的对话感，比如在讨论康德的审美判断时，作者会自然而然地引出东方哲学中对“境”的理解，这种跨文化的比较视角，极大地拓宽了我对艺术本质的认知边界。每一个理论点都不是孤立存在的，它们像是被精心编织的丝线，最终汇集成一张关于人类感知与创造力的复杂图景。这种非线性的、关联性的叙述方式，使得学习过程充满了发现的乐趣，而不是单纯的记忆。

评分☆☆☆☆☆

很好的一本基础读物，值得艺术爱好者阅读。

评分☆☆☆☆☆

艺术史背后的逻辑线条无疑是观念史，艺术的时代性与地域性反映的正是创作主体的时空局限

评分☆☆☆☆☆

专业，条理清晰，章节层次调理，适合大专学生

评分☆☆☆☆☆

双十一速度还是超快，质量很棒

评分☆☆☆☆☆

不错，屯书慢慢读，活动价格很合适

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一直在京东买东西，很满意！！！！！！！

评分☆☆☆☆☆

考研用的一本书，所以赶紧买了，还没看。应该还不错，书质量一般，定要细细品读！

评分☆☆☆☆☆

东西很好，送货也非常快，值得推荐

评分☆☆☆☆☆

这这部书相当不错，是当代比较别致的以艺术及其观念为中心内容的文化史。可惜译文有些不理想，当然全怪译者是不公平的，编辑做的功夫也不够。译文仁者见仁，可以比照原版（建议编辑要仔细做原文同译文的核校工作）；至少译名上，应尽量保持同学术界已经公认的译名一致，如埃及法老图坦卡门（本书译成图特安哈门，不是说别样音译不可以，但在通译名存在的情况下，如果选别样译名，不妨配上英文名，便于读者理解，这点编辑要负责