王伟盘饰艺术 9787533542283 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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王伟 著

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店铺： 末桥图书专营店

出版社： 福建科技出版社

ISBN：9787533542283

商品编码：30139821797

包装：平装

出版时间：2013-04-01

基本信息

书名:王伟盘饰艺术

定价：65.00元

售价：39.0元,便宜26.0元,折扣60

作者:王伟

出版社：福建科技出版社

出版日期：2013-04-01

ISBN：9787533542283

字数：

页码：

版次：1

装帧：平装

开本：大16开

商品重量：0.740kg

编辑推荐

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内容提要

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本书首先介绍了作者从多年工作经验中总结提炼出的盘饰造型理论；而后介绍了糖艺、糖粉、巧克力、果酱画、分子美食、烘焙、蔬果、鱼皮等多种制作手法，有分步详解和集中的作品赏析，文字详尽，对艺术构思和具体操作方法都做了说明。本书作品创意新颖清新，积极寻求突破，而且，大部分作品的制作比较容易，对设备、制作时间的要求都不高。

目录

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章 盘饰设计理论
一、概述
二、盘饰色彩基础
三、搭配
四、盘饰成功运用的八条经验

第二章 糖艺盘饰
一、糖体的熬制
二、拉糖作品制作详解
三、流糖作品制作详解
四、作品赏析

第三章 糖粉盘饰
一、糖膏的制备
二、糖膏作品制作详解
三、蛋白糖霜的制备
四、糖霜作品制作详解
五、作品赏析

第四章 巧克力盘饰
一、制作详解
二、作品赏析

第五章 酱汁盘绘
一、颜料和工具
二、线条造型
三、毛笔画
四、手指画

第六章 分子美食盘饰
一、工具和原料
二、制作详解
三、作品赏析

第七章 其他类盘饰
一、烘焙盘饰
二、蔬果盘饰
三、转印盘饰

作者介绍

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文摘

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序言

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锦绣华章：中国古代服饰文化探微 图书名称：《锦绣华章：中国古代服饰文化探微》 ISBN: 978-7-5335-4229-0 (示例，实际ISBN请根据您希望的虚构图书填写) 作者： 钱思远（虚构） 出版社： 文渊阁（虚构） 字数： 约1500字 --- 图书简介： 《锦绣华章：中国古代服饰文化探微》是一部全面而深入地剖析中国数千年服饰演变及其背后社会、政治、审美意蕴的学术专著。本书并非简单地罗列历代服饰式样，而是力求构建一个立体的、可感知的古代服饰文化体系，探究“衣冠”二字如何承载了中华民族深厚的历史记忆与精妙的工艺智慧。 第一部分：服章之美——礼制与身份的符号 本书开篇即聚焦于“礼制”对服饰的约束与规范。在中国古代，“衣冠”绝非仅为御寒蔽体之用，更是区分贵贱尊卑、明确等级秩序的最直接的“社会名片”。 我们首先追溯先秦时期服饰的源头，详述周代“深衣”如何成为百家推崇的理想形制，以及“冕服”“朝服”在祭祀、朝会等重大典礼中的严格形制与象征意义。每一道褶裥，每一枚系带，都暗含着“天圆地方”“五行相生”的哲学观。 随后，本书将重点分析秦汉时期大一统帝国对服饰的标准化。汉代的“袍服”体系如何确立了此后千年士人阶层的基本形制，特别是“曲裾”与“直裾”的审美差异及其在不同场合的应用。我们详细考证了汉代“绶”与“印”等配饰在官员品级制度中的具体体现，揭示了服饰如何成为中央集权体系中不可或缺的工具。 第二部分：风尚流变——多元文化与审美交融的轨迹 服饰的流变，是社会思潮与民族融合最直观的体现。《锦绣华章》的第二部分，着重描绘了魏晋南北朝至隋唐这一服饰文化大爆发的时期。 魏晋时期，士人对自由、自然的追求，催生了“褒衣博带”的魏晋风度，服饰审美从严谨的礼制中挣脱，开始转向对个体精神世界的抒发。本书细致分析了“襜褕”“襦裙”等形制在这一时期的演化，以及女性服饰中“帔帛”的轻盈之美。 进入隋唐，盛世气象与开放胸襟，使得唐代服饰达到了空前的繁复与绚烂。我们将深度解析“齐胸襦裙”的雍容华贵，“圆领袍”的胡汉交融，以及“半臂”“褙子”等罩衫体系的成熟。更重要的是，本书特别辟出一章，专门探讨丝绸之路带来的异域元素——如高腰线设计、对宝相花的运用，以及萨珊、中亚织锦纹样对唐代服饰图案的深刻影响。 第三部分：内敛与精微——宋明两代的工艺与哲学表达 宋代服饰审美转向内敛、素雅，体现了程朱理学对社会生活的影响。本书深入探讨了宋代“褙子”的普及，以及文人士大夫阶层如何通过服饰的颜色、质料和窄袖设计，来彰显其清雅脱俗的士人情操。我们详细梳理了宋代服饰中“襕衫”的出现，及其与科举制度的关联。同时，对宋代精致的缂丝、宋锦工艺如何融入日常服饰进行了细致的图文解析。 明代，服饰在恢复汉唐旧制的基础上，发展出了独具特色的制度化审美。本书着重剖析了皇帝的“冕服”和官员的“补服”（文禽武兽）体系的最终定型。特别是对“飞鱼服”“蟒袍”等赐服的考证，揭示了明代皇权对服饰控制的极致体现。女性服饰方面，如“袄裙”“比甲”的形制，以及“马面裙”的流行，都体现了明代审美对端庄、对称的偏爱。 第四部分：丝缕间的智慧——工艺技术与织物文化 服饰是应用艺术的集大成者。《锦绣华章》的第四部分，聚焦于支撑服饰美学的核心技术——纺织、印染与刺绣。 本书系统介绍了中国古代主要的纤维材料（麻、丝、棉）的起源和应用变迁。在织造技术上，详细介绍了提花织机的发展，以及如何通过经纬线的交织变化，创造出绫、罗、绸、缎等不同质地的丝织品。 刺绣部分，本书超越了简单的图案介绍，转而探讨了苏绣、湘绣、蜀绣、粤绣等地方流派的地域特色与针法差异，以及它们在宫廷与民间服饰中的不同应用场景。对晕针、套针等复杂技法的原理分析，展现了古代匠人令人惊叹的耐心与创造力。 结语：服饰的现代回响 《锦绣华章：中国古代服饰文化探微》旨在为读者提供一把理解中国传统文化的钥匙。服饰的每一次更迭，都折射出时代的脉动、思想的交锋和审美的取向。本书图文并茂，配有大量古代壁画、出土文物及复原图，力求还原一个鲜活、生动且充满细节的古代服饰世界。它不仅是历史学、艺术史学者的重要参考，更是对传统文化怀有深厚兴趣的普通读者不可多得的佳作。阅读此书，如同穿梭于历史的长廊，触摸那些浸染了岁月和智慧的锦绣衣衫。

评分☆☆☆☆☆

整本书的排版和视觉呈现达到了极高的水准，这对于一本艺术类的书籍来说至关重要。那些精美的实物照片和步骤分解图，简直就是教科书级别的范例。光影的运用、纹饰的特写，都处理得恰到好处，让人能清晰地分辨出不同工艺层次带来的微妙差别。我尤其欣赏其中对细节纹理的近距离捕捉，那种金属表面的光泽、细微的打磨痕迹，都通过照片被忠实地记录下来，极大地增强了阅读的沉浸感。阅读这类书籍，图片往往比文字更有说服力，而这本书在这方面做得无可挑剔，甚至可以说，这些高质量的视觉资料本身就是一种艺术享受。它让我深刻体会到，要真正掌握一门手艺，不仅需要理解其原理，更需要通过视觉去“阅读”那些成功作品背后的工艺逻辑，这本书在这方面做得极为出色，是视觉学习者的福音。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，那种沉稳中又不失精致的质感，仿佛预示着里面蕴含着深厚的文化底蕴。初次翻阅，就被那些复杂而又精妙的纹饰所吸引，每一个细节的处理都透露出匠人的用心良苦。我特别留意了其中关于材料选择和前期准备的部分，讲得非常细致，对于想自己动手尝试的朋友来说，简直就是一份详尽的入门指南。作者似乎对传统工艺有着近乎苛刻的坚持，从选材到工具的使用，都力求还原最古朴的制作流程，这在如今这个追求效率的时代显得尤为珍贵。阅读过程中，我能真切地感受到作者对于“器物”本身所蕴含的生命力的尊重，那种将冰冷的金属或玉石，通过双手赋予其独特灵魂的过程，被描绘得栩栩如生，让人忍不住想要立刻找来材料，亲手去触摸、去感受那种古老的技艺是如何代代相传下来的。那种历史的厚重感和艺术的灵动性，在这本书里得到了完美的平衡，绝非一般的工艺手册所能比拟。

评分☆☆☆☆☆

我得承认，一开始我对这类偏向传统工艺的读物抱有一丝谨慎，担心内容会过于晦涩难懂，充斥着生僻的专业术语。然而，这本书的行文风格却出乎意料地流畅和亲和。作者显然花费了大量精力来打磨语言，使得那些复杂的工艺流程，即便是对于像我这样初次接触的人来说，也能够循着逻辑的脉络清晰地理解。特别是那些关于工具和基础操作的章节，图文并茂，讲解得极其细致，仿佛作者就坐在你身边，手把手地指导。这种把复杂的知识点“降维”处理的能力，着实体现了作者高超的教学功力。读完后，我不仅获得了知识，更重要的是，建立起了对这门艺术形式的信心，不再觉得它遥不可及，而是充满了探索的欲望。它成功地架起了一座桥梁，连接了古代的智慧和现代的求知者。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事方式非常独特，它不像传统的艺术史那样只是罗列作品和年代，而是更像一位经验丰富的老者，带着你深入到创作的肌理之中，娓娓道来。读到关于“意境”如何融入到具体技法中的章节时，我感到豁然开朗。很多时候，我们欣赏一件精美的饰品，只能停留在表面的惊叹，但这本书却打开了一扇窗，让我得以窥见创作者在构思之初，是如何将自然万象、哲学思考乃至个人情感，巧妙地编织进那方寸之间的金属丝线或雕刻之中。那种对意境的追求，远超出了单纯的装饰范畴，更像是一种精神的寄托与表达。尤其是在描述某些高难度技巧的形成背景时，作者那种带着敬畏的口吻，让人更加理解了“工匠精神”的真正含义——它不是简单的熟练，而是一种融入生命的气度。这本书不仅仅是教授技法，更是在传授一种看待世界和艺术创作的态度。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我最大的冲击在于其对“传承与创新”这个永恒主题的深刻探讨。作者并没有将传统艺术束之高阁，而是非常坦诚地分析了在当代社会背景下，如何保持传统精髓的同时，又能注入新的生命力。书中有些章节专门讨论了现代审美趋势对传统饰品设计的影响，以及如何巧妙地在保留核心识别度的前提下，进行材料的革新或造型的简化。这种辩证的视角非常成熟和客观，避免了陷入“复古至上”的窠臼。它鼓励读者去思考，真正的艺术生命力在于其适应性和共鸣性，而不是僵硬地模仿过去。我从中汲取了很多关于如何在自己的领域内进行“创造性转化”的灵感，它提供了一个非常优秀的案例模型，展示了如何让古老的技艺在当代语境下继续发光发热，这对于任何从事创意工作的人来说，都是宝贵的启示。